RESEÑA: La Tragedia De Rey Ricardo II, Teatro Almeida ✭✭✭

Mark Ludmon reseña La tragedia del rey Ricardo II en el Almeida Theatre, con Simon Russell Beale

Foto: Marc Brenner La tragedia del rey Ricardo II Almeida Theatre, Londres

18 de diciembre de 2019

Tres estrellas

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Hacia el final de Ricardo II, el rey depuesto medita desde su celda en el castillo de Pontefract: «He estado pensando en cómo podría comparar esta prisión en la que vivo con el mundo». Esta escena abre la ambiciosa nueva lectura de Joe Hill-Gibbins de la obra histórica de Shakespeare, que reduce sin miramientos la pieza a 100 minutos trepidantes y a solo ocho intérpretes. La frase parece subrayar el concepto de la producción, en un escenario que recuerda a una gigantesca celda de prisión sin ventanas ni puertas, compuesta por grandes paneles grises remachados: un diseño, como suele, impactante de Ultz.

El reparto, vestido con camisetas y sudaderas, corre de un lado a otro y rebota contra las paredes, contando la historia de la usurpación de Ricardo por Bolingbroke —más tarde Enrique IV— como si fueran presos atrapados sin nada que hacer salvo volver a representar un ritual ensayado hasta la saciedad. Encaja con los temas de la obra de Shakespeare, que explora cómo el poder y los títulos no son más que papeles que interpretamos. Ricardo ha obtenido el derecho al papel de rey por herencia y por derecho divino, pero su debilidad y su mala toma de decisiones llevan a Bolingbroke a cuestionar esa idea, defendiendo la importancia de las palabras y los hechos. Con la teatralidad de la obra al descubierto, no son más que hombres y mujeres que, para parafrasear a Macbeth, pavonean y se inquietan sobre el escenario en papeles que no significan nada.

En esta versión abreviada y reordenada, en la que nadie puede abandonar el escenario, el drama se convierte en un claro duelo de poder cara a cara entre Ricardo y su primo Enrique. A medida que los otros seis intérpretes se separan y se reagrupan repetidamente detrás de los dos hombres, la puesta en escena adquiere una fisicidad visceral. Se lanzan cubos de sangre, tierra y agua, convirtiendo el escenario en un caos que refleja la anarquía provocada por el conflicto por la corona —aquí, un gorro de fiesta de papel, ridículamente endeble, cuya tontería desmiente la importancia que los personajes le conceden—.

El drama se ve interrumpido constantemente por el ruido: desde fuertes tictacs, redobles y fallos de micro, bajo el diseño de sonido de Peter Rice, hasta palmadas, gritos y golpes. Quien espere un espacio respetuoso para que brille la poesía saldrá decepcionado, aunque la dirección iconoclasta contrasta con una dicción sensible y nítida del verso blanco de Shakespeare, especialmente por parte de Simon Russell Beale como Ricardo y Leo Bill como Bolingbroke.

Si la intención de Hill-Gibbins es desestabilizar y socavar la obra original, lo ha logrado. La acción vertiginosa, el paisaje sonoro inquietante y otras distracciones a menudo se imponen sobre el lenguaje y la trama, aunque hacia el final gana en claridad. Con todo, las interpretaciones son excelentes, encabezadas con maestría por Russell Beale y Bill, y con un buen trabajo de Martin Imhangbe, Natalie Klamar, John Mackay, Joseph Mydell, Saskia Reeves y Robin Weaver. No se puede negar que la puesta en escena es impactante e inolvidable, pero se pierde demasiado en favor del atrevido concepto dramatúrgico.

En cartel hasta el 2 de febrero de 2019

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