CRITIQUE : Un Équilibre Délicat, Théâtre John Golden ✭✭✭✭

John Lithgow et Glenn Close dans A Delicate Balance. A Delicate Balance

Le John Golden Theatre

15 janvier 2015

4 étoiles

Le sentiment de gentillesse distillée, d'endurance forcée, est épais dans l'air. Tobias raconte avec des détails horrifiants et exquis le moment où un animal de compagnie préféré a été euthanasié; Claire boit du cognac, regardant Agnes qui étudie Tobias avec attention, comme si elle cherchait des fissures dans le plâtre. Soudainement, quelqu'un frappe à la porte. Comme une bourrasque de rafales frénétiques et serrées de pluie acide, Edna et Harry s'introduisent, paraissant totalement hors de propos, accueillants, mais surpris et perturbants. Leur présence change tout : les rythmes établis du mari, de la femme et de la sœur de la femme sont brisés ; il y a maintenant une nouvelle mélodie, et personne ne sait vraiment ce que c'est. Sauf, peut-être, Claire, dont l'ivresse semble aider plutôt qu'entraver sa perspicacité.

C'est la pièce primée par le Prix Pulitzer d'Edward Albee, A Delicate Balance, actuellement à l'affiche au John Golden Theatre de Broadway, dans une reprise dirigée par Pam Mackinnon, qui a remporté un Tony Award pour sa mise en scène d'un autre chef-d'œuvre d'Albee : Who's Afraid Of Virginia Woolf. Tout comme Mackinnon a réinventé ce grand texte, cherchant et trouvant de l'or, ici, elle aborde également cette pièce de manière innovante.

Que cela donne des résultats fructueux ou non, ce sera, sans aucun doute, un sujet de débat. Pour moi, c'était de loin la version la plus drôle de cette pièce que j'aie jamais vue. Et en raison de cet angle comique, les sections les plus sinistres semblaient plus sombres, les déversements de méchanceté et de fiel plus désespérément poignants, le sentiment de vies vécues dans la misère et l'incompréhension plus aigu.

Comme avec sa version de Who's Afraid Of Virginia Woolf, Mackinnon ne considère pas A Delicate Balance comme un véhicule de star. Souvent, les productions se concentrent sur Agnes, où les apparences sont tout, sur l'alcoolique Claire ou sur Tobias, qui sert des boissons pendant que les feux de l'enfer brûlent autour de lui - mais pas ici. C'est une véritable vision d'ensemble de la pièce. Tout le monde reçoit une réelle attention et un focus et, inévitablement, l'équilibre change. Différents aspects de la pièce se mettent en avant, des personnages qui laissent parfois peu de traces assument soudain une réelle importance - si bien que les idées préconçues que l'on pourrait avoir à propos de la pièce sont remises en question.

Cette production fixe son propre agenda, le tout avec la bénédiction explicite du texte, et le résultat est une lecture énergisée, spécifique, qui se concentre sur la perte, la terreur, l'amitié, le bien et le mal. Le silence et la douleur. La peur et, finalement, l'espoir.

La plupart des productions de cette pièce impliquent un moment de véritable horreur viscérale, généralement impliquant Claire et l'alcool. Ici, le moment vient, de manière violente et surprenante, lorsque Edna gifle Julia durement au visage. C'est vraiment choquant, la force du coup résonne à travers le théâtre.

Car ici, Edna et Harry sont d'une importance cruciale. Ils sont effrayés par une terreur sans nom chez eux et, sans prévenir, cherchent refuge chez Agnes et Tobias, qui sont leurs plus vieux amis ; ils se connaissent depuis 40 ans. Ils semblent timides et nerveux, mais il s'avère qu'ils sont faits d'un acier plus résistant que tous les autres avec lesquels ils cherchent refuge. De petite stature, ils semblent d'abord, mais au fur et à mesure que la pièce progresse, chacun assume un pouvoir impitoyable, affirmant ses droits comme il les perçoit.

C'est électrisant de voir ce couple d'intrus bouleverser et rééquilibrer une famille qui a creusé ses tranchées et établi ses schémas, tout cela au nom de la bienséance et de l'équilibre de la vie.

Clare Higgins est absolument sensationnelle en Edna. Elle porte un masque de gaieté suburbaine qui est plus dur que le titane, mais ses yeux sont toujours vivants - scrutant, calculant, mesurant et se rétrécissant. Son entrée suggère qu'elle a été saisie par la terreur, mais cela se dissipe rapidement lorsqu'elle est sur un terrain qu'elle comprend, où les rythmes sont ceux qu'elle connaît. Elle sourit constamment, bien qu'il soit clair qu'elle n'est pas très satisfaite de ceux à qui elle sourit. C'est une prestation formidable et inspirante, pleine de nuances et d'esprit.

Particulièrement mémorable est la scène où elle décrit aux autres femmes comment elle a trompé Harry la nuit précédente, quand il est venu à son lit, en lui faisant croire qu'elle voulait des relations sexuelles avec lui. C'est un moment froid et glaçant qui l'établit puissamment comme la femelle Alpha du groupe. Cela soulève également la question de savoir si c'était avec Edna que Tobias avait eu un flirt autrefois - Claire nargue Tobias avec sa connaissance de l'incident mais il n'est jamais clair qui était la femme ; Claire elle-même ou quelqu'un d'autre ? L'invective venimeuse de Tobias contre Edna juste avant cette scène questionne clairement son lien avec elle. Pourquoi la déteste-t-il tant ? Higgins insuffle la vie à ces courants sous-jacents avec une aisance consommée.

Aux côtés de Higgins, en tant qu'Harry apparemment doux et petit, est le merveilleux Bob Balaban, maître du silence, de la pause et de la menace subtile. Il peut boire une gorgée de whisky comme si c'était déposer une bombe atomique. Sa dernière scène avec Tobias, où il oblige son vieil ami à réévaluer sa vie, est tout à fait étonnante, pleine de puissance et de colère discrète. Ensemble, Balaban et Higgins font de cette production le succès qu'elle est. Ils bouleversent puis réalignent l'équilibre dans le foyer qu'ils envahissent.

Lindsay Duncan incarne une Claire alcoolique aussi sobre que je l'aie jamais vue et, étonnamment, cela fonctionne extrêmement bien. Elle établit de manière convaincante les habitudes et les manières d'une vie de toxicomane ; elle a du vodka, du gin et du whisky dans ses veines, d'ailleurs avec la glace qui les accompagne habituellement. Ce n'est pas une prestation particulièrement acide ou aguichante, mais Duncan rayonne de souffrance et d'intelligence à parts égales. Elle boit pour boire, pas pour faire face. Son travail à l'accordéon est tout simplement inspiré.

Physiquement et vocalement, elle travaille comme la sœur d'Agnes incarnée par Glenn Close et la tante de Julia incarnée par Martha Plimpton. Il y a un sens clair de la famille que les actrices ont choisi d'exprimer. Les vêtements de Duncan marquent également son style par opposition à celui d'Agnes, et il est possible qu'elle ait visé à suggérer la sexualité de Claire avec ses cheveux courts et ses pantalons. Quelle que soit l'optique, c'est une Claire mesurée, finement calibrée et efficace ; drôle et horrible à la fois.

Martha Plimpton n'est pas aussi bien lotie. Elle est trop criarde et adolescente en Julia. Bien que Julia n'ait peut-être jamais grandi, Plimpton n'indique aucun des enseignements de vie qu'elle doit avoir appris lors de ses quatre mariages. La tonalité aiguë de la plupart de son travail va à l'encontre de la tonalité plus basse et de l'impulsion du reste de la distribution, ce qui aurait pu porter ses fruits si Plimpton ne semblait pas si incontrôlable. Peut-être, cependant, était-ce le but recherché.

John Lithgow impressionne, comme toujours, en patriarche vieillissant, Tobias. Il semble désinvolte et désintéressé dans le premier acte, mais c'est juste une manière astucieuse d'indiquer comment Tobias fait face aux femmes de sa vie. Il distribue de l'alcool comme un médecin pourrait distribuer des remèdes pour une épidémie ; en effet, il établit soigneusement le meuble-bar comme son domaine, un endroit d'où il peut calmer les agresseurs qui rodent dans son salon.

Il prend vie violemment lorsqu'il discute du sort du chat qui ne voulait pas jouer le jeu et qui est mort pour cela, et son sentiment croissant d'indignation et d'incompétence est finement jugé. Ses deux grandes scènes dans l'acte final sont tout simplement formidables ; Agnes lui disant que c'est sa décision de faire quoi faire à propos de la peste qui est entrée dans leur vie et Harry lui disant que lui et Edna partiront parce que leur amitié n'est pas ce qu'ils pensaient. Lithgow est particulièrement bon en s'effondrant sous la dissection calme et chirurgicale de Bob Balaban incarnant Harry.

Enfin, Glenn Close, dont l'Agnes est à la fois ordinaire et lumineuse. Elle suinte de l'affectation aristocratique, cache son aversion pour sa situation la plupart du temps et souffre à chaque fois qu'elle doit résoudre un problème pour rétablir l'équilibre, autant qu'elle le peut, dans son foyer. Elle est la plus efficace dans les moments où elle observe les autres, les évaluant et décidant comment traiter avec eux. Elle est vive et concentrée à chaque moment sur scène.

Elle n'opte pas pour une approche lyrique du texte et cela rapporte. La scène où elle réprimande Tobias incarné par Lithgow pour son refus d'avoir des relations avec elle après la mort de leur petit fils est déchirante - un kaléidoscope glorieux d'émotions et de traumatismes. Elle gère bien les longs monologues et j'ai particulièrement aimé les discours d'ouverture et de clôture, où elle parle de ses peurs de devenir folle et, dans le dernier acte, du pouvoir de guérison de la lumière du soleil. Elle me semblait être l'Agnes parfaite pour cette production : gracieuse, vindicative, mécontente, sarcastique et fatalement meurtrie. Un puissant cocktail.

Il y a aussi de bonnes performances des autres personnages centraux - la peur et l'alcool. Les deux semblent être en permanence présents sur scène, sous des formes et des manières différentes, mais les deux sont essentiels à la vision de Mackinnon. Curieusement, là où son Who's Afraid Of Virginia Woolf vous donnait envie de vous précipiter au bar et de commander un verre, cette production a l'effet inverse. Elle vous fait réfléchir.

Santo Loquasto a produit un décor merveilleux : il ressemble à la maison opulente d'un millionnaire retraité. Il y a des niveaux, des pièces qui ne sont pas vraiment utilisées dans la pièce, un grand escalier et un véritable sentiment de pouvoir et de gloire fanés. Le bar est situé au centre, de manière appropriée. Les costumes d'Ann Roth sont élégants et originaux, ajoutant au sentiment d'argent et de pouvoir - la différence entre les vêtements qu'Edna et Harry portent et ceux des autres est frappante. Brian Macdevitt éclaire magnifiquement chaque chose, et son sens de la nuit qui descend et du matin qui se lève est émouvant et adapté.

C'est une production brillante d'un véritable classique du drame américain. Ce n'est pas une production conventionnelle et d'autant plus intéressante pour cela.

Allez la voir. Faites-vous votre propre opinion.