CRÍTICA: A Delicate Balance, Teatro John Golden ✭✭✭✭

John Lithgow e Glenn Close em A Delicate Balance. A Delicate Balance

O John Golden Theatre

15 de janeiro de 2015

4 Estrelas

A sensação de gentileza destilada, de resistência forçada, é densa no ar. Tobias está a relatar, em pormenor horripilante e requintado, o momento em que um animal de estimação querido foi abatido; Claire bebe conhaque, observando Agnes, que estuda Tobias atentamente, como se procurasse fissuras no reboco. De repente, alguém está à porta. Como uma rajada de baforadas frenéticas e cerradas de chuva ácida, entram apressados Edna e Harry, completamente deslocados, domésticos e, ainda assim, sobressaltados e inquietantes. A sua presença muda tudo: os ritmos estabelecidos de marido, mulher e a irmã da mulher estilhaçam-se; há agora uma nova melodia a tocar e ninguém sabe bem qual é. Excepto, possivelmente, Claire, cuja embriaguez parece ajudar, mais do que atrapalhar, a sua lucidez.

Este é o texto vencedor do Prémio Pulitzer de Edward Albee, A Delicate Balance, agora em cena no John Golden Theatre, na Broadway, numa reposição encenada por Pam Mackinnon, vencedora de um Tony pela direcção de outra obra-prima de Albee: Who's Afraid Of Virginia Woolf. Tal como Mackinnon reinventou esse grande texto, escavou e encontrou ouro, também aqui aborda a peça de forma fresca.

Se isso resulta com sucesso será, sem dúvida, tema de debate. Para mim, esta foi de longe a versão mais divertida desta peça que alguma vez vi. E, por causa dessa aresta cómica, as passagens mais sombrias pareceram ainda mais negras, as torrentes de vileza e fel mais desesperadamente dilacerantes, e o sentido de vidas vividas na miséria e no equívoco tornou-se mais agudo.

Tal como na sua versão de Who's Afraid Of Virginia Woolf, Mackinnon não encara A Delicate Balance como um veículo para estrelas. Muitas produções focam-se na Agnes do “as aparências são tudo”, na Claire alcoólica ou no Tobias que serve bebidas enquanto os fogos do inferno ardem à sua volta — mas não aqui. Esta é uma visão verdadeiramente de ensemble. Todos recebem atenção e foco reais e, inevitavelmente, o equilíbrio desloca-se. Diferentes aspectos da peça ganham nitidez; personagens que por vezes deixam pouca marca assumem, de repente, verdadeira importância — com o resultado de desafiar ideias pré-concebidas que possas ter sobre o texto.

Esta produção define a sua própria agenda, sempre com a bênção expressa do texto, e o resultado é uma leitura energizada e específica, centrada na perda, no terror, na amizade, no certo e no errado. Silêncio e dor. Medo e, por fim, esperança.

A maioria das produções desta peça inclui um momento de verdadeiro horror visceral, geralmente envolvendo Claire e álcool. Aqui, o momento chega, de forma cruel e inesperada, quando Edna dá uma bofetada forte em Julia. É genuinamente chocante, com a força do golpe a ecoar por todo o teatro.

Porque aqui, Edna e Harry são crucialmente importantes. Estão aterrorizados por um medo sem nome na sua própria casa e, sem avisar, procuram refúgio na casa de Agnes e Tobias, os seus amigos mais antigos; conhecem-se há 40 anos. Parecem tímidos e ariscos, mas acaba por se revelar que são feitos de um aço mais forte do que qualquer um dos outros junto de quem procuram abrigo. À primeira vista, parecem pequenos em estatura, mas à medida que a peça avança cada um assume um poder implacável, afirmando os seus direitos tal como os entendem.

É electrizante ver este par de forasteiros virar do avesso e recalibrar uma família que cavou as suas trincheiras e estabeleceu os seus padrões, tudo em nome da decência e do equilíbrio da vida.

Clare Higgins é absolutamente sensacional como Edna. Traz uma máscara de jovialidade suburbana mais dura do que titânio, mas os olhos estão sempre vivos — a escrutinar, a calcular, a medir e a estreitar. A sua entrada sugere que foi tomada pelo terror, mas isso dissipa-se rapidamente quando está em terreno que compreende, onde os ritmos lhe são familiares. Sorri constantemente, embora seja evidente que não está muito satisfeita com aqueles a quem sorri. É uma interpretação magnífica e inspiradora, cheia de nuance e espírito.

Particularmente memorável é a cena em que descreve às outras mulheres como enganou Harry na noite anterior, quando ele foi para a sua cama, levando-o a acreditar que ela queria ter relações sexuais com ele. É um momento frio, arrepiante, e estabelece-a de forma poderosa como a fêmea alfa do grupo. Levanta também a questão de saber se foi Edna com quem Tobias, em tempos, teve um caso — Claire provoca Tobias com o seu conhecimento do incidente, mas nunca fica claro quem era a mulher; a própria Claire ou outra pessoa? A denúncia venenosa de Tobias contra Edna, pouco antes desta cena, coloca em causa de forma directa a ligação entre ambos. Porque é que ele a odeia tanto? Higgins dá vida a estas correntes subterrâneas com uma facilidade consumada.

A fazer uma parceria à altura de Higgins, como o aparentemente manso e pequeno Harry, está o maravilhoso Bob Balaban, mestre do silêncio, da pausa e de uma ameaça subtil. Consegue beber um gole de whisky como se estivesse a largar uma bomba atómica. A sua cena final com Tobias, em que força o velho amigo a reavaliar a própria vida, é absolutamente espantosa, cheia de força e de uma fúria contida. Juntos, Balaban e Higgins fazem desta produção o sucesso que é. Desestabilizam e depois realinham o equilíbrio na casa que invadem.

Lindsay Duncan apresenta a Claire alcoólica mais sóbria que alguma vez vi e, surpreendentemente, funciona de forma extremamente eficaz. Ela estabelece de modo convincente os hábitos e maneirismos de uma dependente de longa data; tem vodka, gin e whisky nas veias, juntamente com o gelo que normalmente os acompanha. Não é uma interpretação especialmente ácida ou exibicionista, mas Duncan irradia dor e inteligência em igual medida. Bebe para beber, não para aguentar. O seu trabalho com o acordeão é simplesmente inspirado.

Fisicamente e vocalmente, funciona como irmã da Agnes de Glenn Close e tia da Julia descompensada de Martha Plimpton. Há um claro sentido de família que as actrizes escolheram expressar. A roupa de Duncan também marca o seu estilo em oposição ao de Agnes, e pode ser que estivesse a tentar sugerir a sexualidade de Claire com o cabelo curto e os fatos de calças. Seja como for, é uma Claire comedida, finamente calibrada e eficaz; engraçada e terrível ao mesmo tempo.

Martha Plimpton não se sai tão bem. Está demasiado estridente e adolescente como Julia. Embora Julia possa nunca ter crescido, Plimpton não indica quaisquer lições de vida que ela terá necessariamente aprendido nos seus quatro casamentos. O registo agudo de grande parte do seu trabalho contrasta com o tom mais baixo e o pulso do resto do elenco, o que poderia ter rendido dividendos se Plimpton não parecesse tão fora de controlo. Talvez, no entanto, esse fosse o objectivo.

John Lithgow impressiona, como sempre, como o patriarca envelhecido, Tobias. Parece displicente e desinteressado no primeiro acto, mas isso é apenas uma forma inteligente de mostrar como Tobias lida com as mulheres da sua vida. Distribui bebida como um médico distribuiria remédios para uma epidemia; de facto, estabelece cuidadosamente o armário das bebidas como o seu território, um lugar a partir do qual pode apaziguar os agressores que rondam a sua sala de estar.

Ganha vida de forma feroz quando fala do destino do gato que não quis alinhar e morreu por isso, e o seu crescente sentido de indignação e incompetência está finamente medido. As suas duas grandes cenas no acto final são simplesmente excelentes; Agnes a dizer-lhe que é decisão dele o que fazer em relação à praga que entrou nas suas vidas e Harry a dizer-lhe que ele e Edna vão embora porque a amizade deles não é aquilo que pensavam. Lithgow é especialmente bom a desmoronar-se sob a dissecação calma e afiada, como um bisturi, do Harry de Bob Balaban.

Por fim, Glenn Close, cuja Agnes é simultaneamente comum e luminosa. Goteja afectação gentil, esconde a maior parte do tempo o nojo pela sua situação e sofre sempre que tem de abafar um problema para restaurar o equilíbrio, tanto quanto consegue, no seu lar. É mais eficaz nos momentos em que observa os outros, os avalia e decide como lidar com eles. Está viva e focada em cada instante em palco.

Não opta por uma abordagem lírica ao texto e isso compensa. A cena em que ela repreende o Tobias de Lithgow pela recusa dele em ter relações sexuais com ela após a morte do filho pequeno dos dois é devastadora — um glorioso caleidoscópio de emoções e trauma. Ela lida bem com os longos monólogos e gostei especialmente dos discursos de abertura e encerramento, em que fala dos seus medos de enlouquecer e, no último acto, do poder curativo da luz do sol. Para mim, foi a Agnes perfeita para esta produção: elegante, vingativa, ressentida, sarcástica e fatalmente magoada. Um cocktail poderoso.

Há duas boas interpretações das outras personagens centrais — o medo e o álcool. Ambas parecem permanentemente presentes em palco, sob formas e modos diferentes, mas ambas são essenciais ao sangue vital da visão de Mackinnon. Curiosamente, enquanto o seu Who's Afraid Of Virginia Woolf te fazia querer correr para um bar e pedir uma bebida, esta produção tem o efeito oposto. Faz-te parar.

Santo Loquasto criou um cenário maravilhoso: parece a casa opulenta de um milionário reformado. Há níveis, divisões que não são realmente usadas na peça, uma grande escadaria e um verdadeiro sentido de poder e glória desvanecidos. O bar está ao centro, como convém. Os figurinos de Ann Roth são elegantes e peculiares, reforçando a ideia de dinheiro e poder — a diferença entre a roupa que Edna e Harry usam e a dos outros é marcante. Brian Macdevitt ilumina tudo lindamente, e o seu sentido de noite a cair e manhã a nascer é comovente e certeiro.

Esta é uma produção cheia de estrelas de um autêntico clássico do drama americano. Não é uma encenação convencional e, por isso mesmo, tanto mais interessante.

Vai ver. Faz a tua própria ideia.