ANMELDELSE: A Delicate Balance, John Golden Theatre ✭✭✭✭

John Lithgow og Glenn Close i A Delicate Balance. A Delicate Balance

The John Golden Theatre

15. januar 2015

4 stjerner

Følelsen av destillert dannelse og påtvunget utholdenhet henger tykt i luften. Tobias beretter i utførlige, brutale detaljer om den gangen et kjæledyr måtte avlives; Claire drikker konjakk mens hun vokter Agnes, som studerer Tobias intenst, som om hun leter etter sprekker i fasaden. Plutselig banker det på døren. Som en skur av frenetisk, sur nedbør sniker Edna og Harry seg inn. De ser totalt malplasserte og unnselige ut, men virker samtidig skremte og usettende. Deres nærvær endrer alt: de vante rytmene mellom ektemann, kone og konas søster knuses; en helt ny melodi spilles, og ingen vet helt hva den innebærer. Bortsett fra kanskje Claire, hvis beruselse snarere bidrar til enn hindrer hennes klarsyn.

Dette er Edward Albees Pulitzer-vinnende stykke, A Delicate Balance, som nå spilles på Broadways John Golden Theatre. Denne nyoppsetningen ledes av Pam Mackinnon, som vant en Tony for sin regi av et annet Albee-mesterverk: Who's Afraid of Virginia Woolf. Akkurat som Mackinnon tolket den store teksten på nytt og fant gull, nærmer hun seg også dette stykket med et friskt blikk.

Hvorvidt resultatet er vellykket, vil utvilsomt bli gjenstand for debatt. For min del var dette den desidert morsomste versjonen av dette stykket jeg noensinne har sett. Og nettopp på grunn av denne komiske undertonen virket de mørkeste partiene enda mørkere, utbruddene av galle og ondskap mer desperate, og følelsen av liv levd i elendighet og misforståelser mer akutt.

I likhet med hennes versjon av Who's Afraid of Virginia Woolf, anser ikke Mackinnon A Delicate Balance som et rent stjernemaskineri. Ofte fokuserer produksjoner på den fasadebevisste Agnes, alkoholikeren Claire eller Tobias – han som serverer drinker mens helvetes ild brenner rundt ham – men ikke her. Dette er en ekte ensemble-visjon. Alle får reell oppmerksomhet, og uunngåelig skifter balansen. Nye aspekter ved stykket trer frem, og karakterer som ellers etterlater lite inntrykk, får plutselig stor betydning. Resultatet er at dine egne forutfattede forestillinger om stykket blir utfordret.

Denne produksjonen setter sin egen dagsorden, trygt forankret i teksten, og resultatet er en energisk og spesifikk tolkning som fokuserer på tap, terror, vennskap og moral. Stillhet og smerte. Frykt og, til slutt, håp.

De fleste oppsetninger av dette stykket inneholder et øyeblikk av ekte, fysisk gru, som regel knyttet til Claire og alkohol. Her kommer dette øyeblikket på brutalt og overraskende vis når Edna gir Julia en kraftig ørefik. Det er genuint sjokkerende, og kraften i slaget gir gjenlyd gjennom hele salen.

For her er Edna og Harry avgjørende viktige. De er skremt av en uforklarlig redsel i sitt eget hjem og søker uanmeldt tilflukt hos sine eldste venner, Agnes og Tobias, som de har kjent i 40 år. De virker i utgangspunktet grå og smygende, men det viser seg at de er støpt i hardere stål enn de som gir dem husly. Ved første øyekast virker de små av vekst, men etter hvert som handlingen skrider frem, tar de en hensynsløs makt og krever sin rett slik de ser den.

Det er elektrisk å se dette paret av utenforstående snu opp-ned på en familie som har gravd seg ned i sine skyttergraver og faste mønstre, alt for anstendighetens og balansens skyld.

Clare Higgins er helt fenomenal som Edna. Hun bærer en maske av forstads-munterhet som er hardere enn titan, men øynene hennes lever hele tiden – de gransker, kalkulerer, måler og smales. Hennes inntreden tyder på at hun har vært grepet av skrekk, men det forsvinner raskt når hun er på en bane hun forstår og hvor rytmen er kjent. Hun smiler konstant, selv om det er tydelig at hun ikke er særlig begeistret for dem hun smiler til. Det er en fantastisk og inspirerende prestasjon full av nyanse og vidd.

Spesielt minneverdig er scenen der hun beskriver for de andre kvinnene hvordan hun lurte Harry kvelden før, da han kom til sengen hennes, til å tro at hun ønsket intimitet med ham. Det er et kaldt, rystende øyeblikk som effektivt etablerer henne som gruppens alfahunn. Det reiser også spørsmålet om det var Edna Tobias en gang hadde et sidesprang med – Claire plager Tobias med sin kunnskap om hendelsen, men det blir aldri klart hvem kvinnen var; Claire selv eller noen andre? Tobias' giftige fordømmelse av Edna rett før denne scenen setter spørsmålstegn ved deres forbindelse. Hvorfor hater han henne så intenst? Higgins gir liv til disse understrømmene med mesterlig letthet.

Som partner til Higgins finner vi den fantastiske Bob Balaban som den tilsynelatende milde og unnselige Harry. Han er en mester i stillhet, pauser og subtil trussel. Han kan drikke en slurk whisky som om han slapp en atombombe. Hans siste scene med Tobias, der han tvinger sin gamle venn til å reevaluere livet sitt, er utrolig kraftfull og preget av behersket vrede. Sammen gjør Balaban og Higgins denne produksjonen til den suksessen den er. De forstyrrer og omskaper balansen i hjemmet de invaderer.

Lindsay Duncan leverer en mer edruelig tolkning av den alkoholiserte Claire enn jeg noensinne har sett, og overraskende nok fungerer det ekstremt godt. Hun etablerer overbevisende vanene og fakterne til en livslang misbruker; hun har vodka, gin og whisky i årene, sammen med isen som vanligvis følger med. Det er ikke en spesielt spiss eller overflatisk prestasjon, men Duncan utstråler smerte og intelligens i like deler. Hun drikker for å drikke, ikke for å døyve. Hennes innsats med trekkspillet er rett og slett genial.

Fysisk og vokalt fungerer hun utmerket som søsteren til Glenn Closes Agnes og tanten til Martha Plimptons ubalanserte Julia. Skuespillerne har valgt å skape en tydelig følelse av familie. Duncans klær markerer også hennes stil som en motsetning til Agnes, og det kan hende hun søker å hinte til Claires seksualitet med sitt kortklipte hår og buksedresser. Uansett er dette en nøyaktig, fint kalibrert og effektiv Claire; morsom og forferdelig på samme tid.

Martha Plimpton treffer ikke like godt. Hun blir for skrikende og ungdommelig som Julia. Selv om Julia kanskje aldri ble voksen, viser ikke Plimpton tegn til de livserfaringene hun må ha gjort seg gjennom fire ekteskap. Det høye toneleiet i hennes spill står i kontrast til resten av ensemblets dypere puls, noe som kunne ha fungert om hun ikke virket så ute av kontroll. Men kanskje det var hele poenget.

John Lithgow imponerer, som alltid, i rollen som den eldre patriarken Tobias. Han virker likegyldig og uinteressert i første akt, men det er bare en smart måte å vise hvordan Tobias håndterer kvinnene i sitt liv. Han deler ut brennevin som en lege deler ut medisiner under en epidemi; han har etablert barskapet som sitt domene, et sted hvorfra han kan berolige de aggressive kreftene som vandrer i stuen hans.

Han våkner brutalt til liv når han diskuterer skjebnen til katten som nektet å lystre og døde for det, og hans voksende følelse av raseri og utilstrekkelighet er fint avstemt. Hans to store scener i siste akt er strålende: Agnes som forteller ham at det er hans valg hva de skal gjøre med plagen som har rammet dem, og Harry som forteller ham at han og Edna reiser fordi vennskapet ikke var det de trodde det var. Lithgow er spesielt god når han faller sammen under Bob Balabans kjølige, kirurgiske disseksjon.

Til slutt har vi Glenn Close, hvis Agnes er både hverdagslig og lysende. Hun drypper av dannet affektasjon, skjuler sin avsmak for situasjonen og lider hver gang hun må kvele en konflikt for å gjenopprette balansen i hjemmet. Hun er mest effektiv i de øyeblikkene hun observerer andre, vurderer dem og bestemmer seg for hvordan de skal håndteres. Hun er levende og fokusert i hvert eneste øyeblikk på scenen.

Hun velger ikke en lyrisk tilnærming til teksten, noe som virkelig betaler seg. Scenen der hun skjeller ut Lithgows Tobias for hans nektelse av samleie etter dødsfallet til deres lille sønn, er opprivende – et fantastisk kaleidoskop av følelser og traumer. Hun mestrer de lange monologene godt, og jeg satte spesielt pris på åpnings- og slutttalene, der hun snakker om frykten for å gå fra forstanden og, i siste akt, sollysets helende kraft. For meg var hun den perfekte Agnes for denne produksjonen: elegant, hevngjerrig, bitter, sarkastisk og uopprettelig såret. En kraftig cocktail.

Det er også sterke prestasjoner fra de to andre sentrale karakterene – frykt og alkohol. Begge virker permanent til stede på scenen i ulike former, og begge er essensielle for livsnerven i Mackinnons visjon. Interessant nok, der hennes Who's Afraid of Virginia Woolf ga deg lyst til å løpe rett til nærmeste bar, har denne produksjonen motsatt effekt. Den får deg til å stoppe opp.

Santo Loquasto har skapt en fantastisk scenografi: det ser ut som det overdådige hjemmet til en velstående pensjonist. Her er ulike nivåer, rom som egentlig ikke brukes, en storslått trapp og en reell følelse av falmet makt og storhet. Baren er passende nok sentralt plassert. Ann Roths kostymer er stilfulle og særpregede, og forsterker følelsen av penger og rang – kontrasten mellom klærne til Edna og Harry og de andre er slående. Brian Macdevitt lyssetter det hele vakkert, og hans skildring av natt som faller og morgen som gryr, er rørende og treffende.

Dette er en stjernespekket oppsetning av en ekte amerikansk klassiker. Det er ingen konvensjonell produksjon, og den er desto mer interessant av den grunn.

Gå og se den. Gjør opp din egen mening.