CRITIQUE : Lady Day au Bar et Grill d'Emerson, Théâtre Wyndham ✭✭✭✭✭

Audra McDonald dans Lady Day at Emerson's Bar and Grill. Photo : Marc Brenner Lady Day at Emerson's Bar and Grill Wyndham’s Theatre 27 juin 2017 Réservez Maintenant

Audra McDonald fait ses débuts à Londres dans le théâtre de la manière la plus étonnante possible dans cette relecture dévastatrice de l'histoire de Billie Holiday. Pendant 90 minutes, elle tient le public en haleine avec une reconstitution magistralement convaincante, audacieusement exposée de la personnalité, des manières, de la voix et de la vision de la première dame du jazz, revisitant sa vie à partir de son dernier concert dans un bar obscur de sa ville natale, Philadelphie – berceau de la constitution américaine, pour ce que cela valait si vous étiez noire et une femme vivant là-bas entre 1915 et 1959. Pourquoi il a fallu 23 ans pour passer du premier rôle principal de McDonald à Broadway (notamment sans considération ethnique dans le casting de Julie Jordan dans Carousel) pour arriver à Londres est un mystère pour quiconque. Eh bien, c'est la meilleure hypothèse de tous ceux qui savent, disons, et bon nombre de personnes au théâtre hier soir pourraient être dites appartenir à cette catégorie : Cameron Macintosh; Nicholas Hytner; Michael Blakemore; Sir Ian McKellan; Noma Dumezweni, et bien d'autres, dans une affaire étincelante accordant une grandeur appropriée à cet événement époqual. Vous devrez leur demander ce qu'ils peuvent ou peuvent ne pas avoir à dire à ce sujet.

Tout ce que je peux rapporter, c'est à quel point cette performance est captivante. Le temps semble s'arrêter. Nous ne vivons pas une heure et demie, mais toute une vie, tout un âge, et toute l'expérience d'être d'ascendance (principalement) afro-américaine, et femme, et dotée d'une sensibilité percevant tout dans la vie avec une intensité poétique, et dotée d'une âme capable d'oublier par de grandes souffrances et de tendre la main pour trouver une expression musicale exquise, et d'avoir vécu cette époque de changement, avec une grand-mère qui avait été esclave et de devenir, entre autres choses, la première chanteuse afro-américaine avec un orchestre blanc, celui d'Artie Shaw, rien de moins. Non, tout le monde ne s'attache pas – au début – à la voix miaulante de cette ouvrière de Pennsylvanie. Mais quand McDonald se tient immobile au centre de la scène au début du spectacle, sous les éclairages d'une confiance sans effort de Mark Henderson, resplendissante dans sa robe de soirée blanche gardenia, brodée et longue au sol, les cheveux brillants et soignés, attachés étroitement sur sa tête et tombant magnifiquement derrière (costumes, Emilio Sosa ; perruque et effets de maquillage spéciaux, J Jared Janas et Rob Greene), et puis elle vous frappe simplement avec « ce » son dans « I Wonder Where Our Love Has Gone » de Buddy Johnson, immédiatement suivi de « When A Woman Loves A Man » de Hanighen, Jenkins et Mercer, et poussant bientôt dans « What A Little Moonlight Can Do » de Harry M Woods, la résistance est inutile. Elle ne prend pas de prisonniers.

Audra McDonald. Photo : Marc Brenner

Ce qui suit est une masterclass sur la façon de tenir une scène et de fasciner un public, le tout fait avec une nonchalance apparente d'ivrogne. Pourtant, il n'y a pas une seconde dans cette pièce qui n'étend et ne développe notre conscience du personnage et ne nous implique plus profondément dans sa vie, ses sentiments et ses pensées. McDonald touche à peu près toutes les notes émotionnelles possibles – il y a de la malice, de la violence (d'autant plus percutante qu'elle survient au moment le moins attendu), de la comédie (avec un tout petit chien, pas moins !), de la politique (l'imitation d'un raciste du sud est hilarante d'acuité et de réalisme frappant), et il y a tellement, tellement plus encore. Il y a l'Amérique, tout entière, étalée devant nous. Il y a le monde d'aujourd'hui aussi, d'une manière vraiment assez inattendue.

Le réalisme du décor – par Christopher Oram – nous attire dans un sentiment de chez-soi, surtout avec toutes les tables et les chaises s'étendant dans les premiers rangs et sur la scène elle-même ; de type parc à thème, nous nous abandonnons à accepter et à nous ouvrir à ce monde. Et, sans l'avoir remarqué, le piège se referme. Soudain, en profitant du cabaret que McDonald présente, nous remarquons que tout ce qu'elle dit est à peu près toujours d'actualité aujourd'hui, aux États-Unis, ici aussi, et ailleurs. Où est la distance entre le récit horrible du lynchage dans « Strange Fruit » et le défilé apparemment sans fin sur YouTube des meurtres de policiers non contestés, réalisés sans arme, sur des Afro-Américains ? Où est la distinction à faire entre les conditions de vie et de travail dans l'Amérique d'avant les droits civiques et, pour prendre un exemple récent, les réglementations de sécurité incendie très différentes appliquées aux gratte-ciels londoniens construits pour les riches et les blancs et celles tolérées à la Tour Grenfell, et ses nombreux, nombreux semblables de pièges à feu ?

Audra McDonald. Photo : Marc Brenner

Lanie Robertson, qui a écrit cette pièce remarquablement puissante, a libéré un monstre de vérité sur scène. Son écriture est toujours adroite, jamais expositionnelle, maîtrisant le ton jetable du tour de chant de cabaret avec aplomb. Et pourtant, il n'y a pas un seul mot qui ne saute pas aux yeux, chargé de sous-texte et plein de danger, de désespoir, de joie et de défi. Lonny Price met en scène – comme il l'a fait à Broadway – avec une brillance discrète ; son contrôle est si complet que nous ne sommes pas conscients de regarder quelque chose qui n'est pas entièrement spontané et préparé sur le moment par ceux sur cette scène. Mais le rythme, le timing, la coordination, la cohésion de tous les éléments ne faiblit jamais pour un instant. Le maître des grands spectacles vus récemment au Colisée est ici tout autant le génie suprême du miniature.

De plus, en plus de l'art fabuleux de McDonald – une recréation étrange de la voix de Holiday qui est en même temps une performance complètement authentique, nous obtenons le trio de premier ordre de Shelton Becton (au piano et également directeur musical, avec quelques répliques à porter également), avec un travail également expert de Frankie Tontoh à la batterie et Neville Malcolm à la basse. Ce répertoire ne pourrait pas souhaiter de plus sympathiques interprètes. Chaque chanson semble fraîche comme une marguerite, comme si elles avaient été écrites avec seulement eux comme interprètes en tête. Et le design sonore soyeux de Paul Groothuis le porte tout dans nos oreilles avec un équilibre sublime et naturel : le vide spacieux du théâtre sonne exactement comme Ronnie Scott.

Alors, cela valait-il la peine d'attendre, Mademoiselle McDonald ? Nous sommes si heureux, si très heureux, que vous soyez ici et avec ce miracle d'un spectacle. S'il vous plaît, s'il vous plaît, s'il vous plaît, ne restez pas loin si longtemps encore ?

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