CRITIQUE : L'Amore Dei Tre Re, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Aled Hall dans le rôle de Flaminio, Mikhail Svetlov dans celui d'Archibaldo, Simon Thorpe dans celui de Manfredo et Natalya Romaniw dans celui de Fiora dans L'Amore Dei Tre Re (L'Amour de Trois Rois)

Opéra de Holland Park

28/07/15

5 Étoiles

L'Opéra de Holland Park a une réputation distinguée pour ressusciter des œuvres du répertoire lyrique italien autrefois renommées et aujourd'hui plus ou moins tombées dans l'oubli. Cette année, l'accent est mis sur L'Amour de Trois Rois d'Italo Montemezzi, présenté pour la première fois à la Scala en 1913 et beaucoup repris, notamment au Metropolitan Opera de New York, jusqu'après la Seconde Guerre mondiale. Ce n'est pas une œuvre facile à classer. La tentation est de la comparer avec Puccini, étant donné la même période et le focus sur le mélodrame ; mais en réalité, cela n'est finalement pas utile.

Cette œuvre doit beaucoup plus à la réception retardée de Wagner et de Richard Strauss en Italie au début du XXe siècle qu'à Puccini ou Verdi. En fait, quiconque aborde cette œuvre avec ces dernières attentes risque d'être déçu. L'accent est mis sur une complexité harmonique élaborée et des mélodies courtes ou des fragments qui se tortillent, s'entrecroisent et se superposent dans une complexité chromatique. On ne trouve pas le genre de mélodie longue et expansive pour laquelle Puccini était célèbre.

L'orchestre est beaucoup plus présent, voire dominant, que dans la plupart des opéras verismo de l'époque, et il y a même des sections où le compositeur semble presque citer et élaborer à partir des compositeurs allemands. Par exemple, au début du troisième acte, il y a une réminiscence spécifique de Mort et Transfiguration de Strauss, et le duo d'amour torride au centre de l'œuvre est inimaginable sans l'acte deux de Tristan et Isolde à la fois comme précédent et modèle. Cependant, ce n'est en aucun cas une œuvre dérivative une fois que la palette musicale est placée contre un scénario mélodramatique complet avec un grand élan narratif. Il y a aussi un programme politique, spécifiquement italien plutôt qu'allemand, qui est fortement mis en avant et à juste titre dans cette excellente production.

Simon Thorpe dans le rôle de Manfredo et Mikhail Svetlov dans celui d'Archibaldo

L'opéra est divisé en trois actes, mais comme chacun dure moins d'une demi-heure, l'équipe créative a décidé de le jouer d'une traite. Encore une fois, c'est une bonne décision. Il y a des préludes orchestraux puissamment descriptifs avant chaque acte qui peuvent bien servir d'interludes pour maintenir la continuité de l'action. L'intensité de la musique et des performances données par les quatre principaux interprètes font que l'on sort en ayant l'impression que l'opéra a duré bien plus longtemps (dans le bon sens du terme !) que les simples quatre-vingt-dix minutes qu'il fait en réalité. Le cadre est censé être l'Italie médiévale où, quelques années auparavant, Archibaldo (Mikhail Svetlov) a envahi du nord et conquis Altura/Italie. Il a contraint la princesse Fiora (Natalya Romaniw) à se marier avec son fils Manfredo (Simon Thorpe) bien qu'elle soit déjà fiancée à un Italien natif, Avito (Joel Montero).

L'action décrit les conséquences de cette mésalliance à la fois personnelles et politiques. La production relocalise l'action dans une dictature latine contemporaine, et ne perd rien en chemin, étant donné que les principaux thèmes de la vengeance, de l'amour interdit, des prouesses chevaleresques, des meurtres et des suicides désespérés ne sont guère limités par le temps ou l'espace. En l'absence de Manfredo, Fiora reprend sa liaison avec Avito, mais s'attire l'inimitié d'Archibaldo qui a deviné la vérité mais est, en raison de sa cécité, incapable de la prouver de manière concluante. Les choses se terminent mal avec une rapidité prévisible et les cadavres s'accumulent progressivement alors qu'Archibaldo est définitivement puni par sa propre astuce mal tourné. L'action acquiert une dimension politique alors que le chœur de citoyens se mêle à la vengeance de Fiora, et ici il y a plus qu'une trace des sympathies irrédentistes du librettiste Sem Benelli, un disciple de Gabriele D’Annunzio, déterminé à récupérer du territoire pour l'Italie de l'Autriche.

Natalya Romaniw dans le rôle de Fiora et Joel Montero dans celui d'Avito

Pour qu'une production fonctionne pour ce genre de mélodrame vertigineux, tous les participants doivent s'y engager totalement et - tout comme dans la comédie légère - croire en ses conventions complètement pendant la durée de la performance. Elle ne supportera ni ironie ni dispositifs de distanciation sans faire s'effondrer tout l'édifice bizarre. La force de cette production est que l'Opéra de Holland Park TRANSMET une implication souveraine pour la cause, et par conséquent, c'est un succès triomphant sur tous les fronts.

Le décor exige une tour de château où réside Fiora et d'où elle doit déployer un grand étendard blanc pour faire ses adieux à Manfredo. Elle doit être un symbole intimidant du pouvoir masculin et royal ainsi qu'un espace flexible. À cet égard, le metteur en scène Martin Lloyd-Evans et son équipe réussissent pour l'essentiel. Le bloc de béton qui domine la scène est à la fois intimidant et flexible. Ses meurtrières doublent de manière poignante des emplacements pour des fleurs de deuil et les escaliers extérieurs permettent que certaines des scènes les plus importantes soient à la fois élevées et au premier plan - bien que j'ai eu quelques inquiétudes quant aux implications en matière de santé et de sécurité pour les chanteurs ! Tous les acteurs sont en grande forme, avec des honneurs particuliers à Romaniw et Svetlov, dont les scènes ensemble avaient une réelle puissance, et qui individuellement ont dû projeter au-dessus d'un orchestre à plein régime. Thorpe et Montero ont moins d'opportunités de développer des nuances de caractère – leurs rôles sont plus fonctionnels par rapport à l'intrigue qu'à développer une identité distincte. Mais le compositeur offre aux deux hommes quelques très beaux moments vocaux, à la fois dans des duos torrides avec Fiora et ensuite ensemble dans la scène finale d'immolation. Ils ont saisi ces moments avec flair. Les rôles secondaires étaient remplis très habilement, et le chœur projetait à la fois le deuil et l'agression envers une puissance occupante avec une vigueur effective et un ressentiment adéquatement bouillant.

La véritable étoile de l'opéra était toutefois l'orchestre : le City of London Sinfonia sous la baguette habile et précise de Peter Robinson a eu une soirée mémorable. Les moments concertés avaient un véritable frisson et un sens du risque ; mais il y avait aussi de nombreux moments plus calmes, en particulier avec les bois, qui offraient une illustration efficace et délicate des personnages et des émotions. Montemezzi a peut-être été un compositeur d'une seule œuvre, mais cette performance a fait le meilleur défense de son chef-d'œuvre, et nous ne pouvons qu'espérer que la réputation de cette renaissance stimulera une vague de nouvelles représentations chez nous et à l'étranger. Toute la soirée a montré l'Opéra de Holland Park à son meilleur niveau.