리뷰: 오페라 홀랜드 파크에서 상연된 '세 왕의 사랑' ✭✭✭✭✭

알레드 홀(Aled Hall) 플라미니오 역, 미하일 스베틀로프(Mikhail Svetlov) 아르키발도 역, 사이먼 소프(Simon Thorpe) 만프레도 역, 나탈랴 로마니우(Natalya Romaniw) 피오라 역의 라모레 데이 트레 레(L'Amore Dei Tre Re, ‘세 왕의 사랑’)

오페라 홀랜드 파크

28/07/15

별 5개

오페라 홀랜드 파크는 한때 명성을 누렸으나 이제는 거의 무대에서 자취를 감춘 이탈리아 오페라 레퍼토리의 작품들을 되살리는 데 있어 탄탄한 실적을 자랑한다. 올해의 초점은 이탈로 몬테메치(Italo Montemezzi)의 세 왕의 사랑으로, 1913년 라 스칼라에서 초연된 뒤 특히 뉴욕 메트로폴리탄 오페라에서 제2차 세계대전 이후까지 여러 차례 재공연되며 꾸준히 사랑받았던 작품이다. 다만 이 작품은 어디에 놓아야 할지 단번에 분류하기가 쉽지 않다. 같은 시대적 배경과 멜로드라마라는 공통점 때문에 푸치니와 비교하고 싶어지지만, 결국 그 비교는 그다지 도움이 되지 않는다.

이 작품은 푸치니나 베르디보다는, 20세기 첫 10년 동안 이탈리아에서 지연되었던 바그너와 리하르트 슈트라우스의 수용에서 훨씬 더 많은 영향을 받았다. 사실 푸치니나 베르디를 기대하고 이 작품을 접한다면 실망할 가능성이 크다. 핵심은 정교하게 쌓아 올린 화성의 복잡성과, 짧은 선율 또는 파편들이 반음계적 밀도로 서로의 안팎과 위아래에서 끓어오르듯 얽히는 데 있다. 푸치니의 트레이드마크였던, 숨을 길게 내쉬듯 이어지며 점점 확장되는 선율은 여기서 찾기 어렵다.

오케스트라는 동시대의 대부분 베리스모 오페라보다 훨씬 더 전면에 나서며, 때로는 지배적이기까지 하다. 실제로 어떤 대목에서는 작곡가가 독일 작곡가들의 어법을 거의 인용하고 확장하는 듯한 순간도 있다. 예컨대 3막 서두에는 슈트라우스의 죽음과 변용을 분명히 떠올리게 하는 대목이 있고, 작품의 중심을 이루는 농염한 사랑의 이중창은 선례이자 모델로서 바그너의 트리스탄과 이졸데 2막 없이는 상상하기 어렵다. 그렇다고 해서 음악적 팔레트가 한 번 갖춰지고, 강력한 추진력을 지닌 정통 멜로드라마 줄거리와 맞물릴 때 이 작품이 결코 모방작이 되는 것은 아니다. 또한 이 작품에는 독일적이라기보다 분명히 이탈리아적인 정치적 의제가 존재하며, 이번 훌륭한 프로덕션은 그 지점을 강하게—그리고 마땅히—부각시킨다.

사이먼 소프(Simon Thorpe) 만프레도 역, 미하일 스베틀로프(Mikhail Svetlov) 아르키발도 역

오페라는 3막으로 나뉘지만 각 막이 30분을 넘지 않기에, 제작진은 인터벌 없이 한 번에 이어서 올리기로 결정했다. 이 역시 훌륭한 선택이다. 각 막 전에는 강렬하게 묘사적인 오케스트라 서주가 있는데, 이를 막 사이의 간주처럼 활용하면 흐름을 끊지 않고 액션을 지속시키는 데 큰 도움이 된다. 음악과 네 명의 주역 성악가들이 만들어내는 밀도가 워낙 높아, 막상 공연을 보고 나오면(좋은 의미에서!) 고작 90분짜리였다는 사실이 믿기지 않을 정도다. 배경은 표면상 중세 이탈리아다. 몇 해 전 북쪽에서 침입해 알투라/이탈리아를 정복한 아르키발도(미하일 스베틀로프)는 공주 피오라(나탈랴 로마니우)를 자신의 아들 만프레도(사이먼 소프)와 강제로 결혼시키는데, 피오라는 이미 토착 이탈리아인 아비토(조엘 몬테로)와 약혼한 상태다.

이 불행한 결합이 개인적으로도 정치적으로도 어떤 파국을 낳는지가 곧 작품의 핵심이다. 이번 프로덕션은 시대를 현대의 라틴 독재정권으로 옮겨놓았지만, 그 과정에서 잃는 것은 아무것도 없다. 복수, 금지된 사랑, 기사도적 무용담, 살인, 절망적인 자살이라는 주요 테마는 시간과 공간에 갇혀 있지 않기 때문이다. 만프레도가 자리를 비운 사이 피오라는 아비토와의 관계를 다시 이어가지만, 진실을 눈치챈 아르키발도의 증오를 사게 된다. 그러나 그는 눈이 멀어 결정적인 증거를 잡아내지 못한다. 일은 예상 가능한 속도로 나쁘게 흘러가고, 아르키발도의 교활함이 역으로 그를 파멸로 이끌면서 시체가 하나둘 늘어난다. 피오라의 복수에 시민 합창이 가담하면서 액션은 정치적 날을 세우고, 여기에는 가브리엘레 단눈치오의 제자였던 대본가 셈 베넬리(Sem Benelli)의 이레덴티즘(오스트리아로부터 영토를 되찾아 이탈리아로 편입하려는) 성향이 뚜렷하게 배어 있다.

나탈랴 로마니우(Natalya Romaniw) 피오라 역, 조엘 몬테로(Joel Montero) 아비토 역

이처럼 끝없이 치솟는 멜로드라마가 제대로 작동하려면, 관련된 모든 사람들이 그 세계에 100% 몸을 던져야 한다. 가벼운 코미디에서처럼, 공연이 지속되는 동안에는 그 관습을 완전히 믿어야 한다. 아이러니나 ‘거리두기’ 장치를 들이대는 순간, 이 기묘한 건축물 전체가 무너져 내릴 것이다. 이번 프로덕션의 강점은 오페라 홀랜드 파크가 그 목표를 향한 절대적인 헌신을 실제로 전달한다는 점이며, 그 결과 모든 면에서 통쾌한 승리를 거둔다.

무대는 피오라가 거주하는 성의 탑을 필요로 하며, 그곳에서 만프레도에게 작별을 알리기 위해 커다란 흰 깃발을 내걸어야 한다. 그 탑은 남성적·왕권적 권력의 위압적인 상징이면서도, 동시에 유연하게 활용 가능한 공간이어야 한다. 연출가 마틴 로이드-에번스(Martin Lloyd-Evans)와 팀은 대체로 그 요구를 충족시킨다. 무대를 지배하는 콘크리트 블록은 위압적이면서도 활용도가 높다. 화살구멍 형태의 틈은 애도의 꽃을 꽂는 자리로도 쓰이며, 외부 계단은 중요한 장면들을 고도를 주면서도 전면으로 끌어내는 데 기여한다—물론 나는 가수들의 안전 문제에 대해 약간의 걱정이 들기도 했다! 출연진 모두가 훌륭했는데, 특히 로마니우와 스베틀로프에게 찬사를 보내고 싶다. 둘의 대면 장면은 진정한 힘을 지녔고, 각각의 성악은 오케스트라가 전력으로 몰아칠 때에도 그 위로 확실히 뻗어 나가야 했다. 소프와 몬테로는 인물의 뉘앙스를 확장할 기회가 상대적으로 적다. 두 배역은 독자적 정체성을 구축하기보다는 줄거리를 전개하는 기능에 더 가깝기 때문이다. 하지만 작곡가는 두 남자에게도 아주 훌륭한 성악적 순간들을 선사한다. 피오라와의 농밀한 이중창에서도, 마지막의 자기희생 장면에서 둘이 함께 부르는 대목에서도 그렇다. 그들은 그 순간들을 멋지게 살려냈다. 조역들도 매우 유능하게 채워졌고, 합창은 점령 권력에 대한 애도와 공격성을 힘 있게 투사하며, 적절히 끓어오르는 원한을 설득력 있게 표현했다.

그러나 이 오페라의 찬란한 별은 오케스트라였다. 피터 로빈슨(Peter Robinson)의 노련하고 정교한 지휘 아래, 시티 오브 런던 신포니아(City of London Sinfonia)는 그야말로 최고의 밤을 선사했다. 합주가 응집되는 순간마다 짜릿함과 위험을 감수하는 듯한 감각이 있었고, 동시에 특히 목관을 중심으로 한 조용한 순간들이 많았는데, 이는 인물과 감정을 섬세하게 받쳐주는 효과적인 밑그림이 됐다. 몬테메치는 ‘한 작품으로 기억되는 작곡가’에 가까웠을지 모르지만, 이번 공연은 그의 걸작을 옹호할 수 있는 최상의 근거를 제시했다. 이 부활 공연의 명성이 국내외에서 추가 공연의 물결을 자극하길 바랄 뿐이다. 이날 밤 전체는 오페라 홀랜드 파크의 ‘최고의 모습’을 보여주었다.