CRÍTICA: L'Amore Dei Tre Re, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Aled Hall como Flaminio, Mikhail Svetlov como Archibaldo, Simon Thorpe como Manfredo e Natalya Romaniw como Fiora em L'Amore Dei Tre Re (O Amor de Três Reis)

Opera Holland Park

28/07/15

5 Estrelas

A Opera Holland Park tem um historial distinto na recuperação de obras do repertório operático italiano que outrora foram célebres e que, entretanto, mais ou menos caíram no esquecimento. Este ano, o foco está em O Amor de Três Reis, de Italo Montemezzi, apresentado pela primeira vez na La Scala em 1913 e muito retomado — nomeadamente no Metropolitan Opera, em Nova Iorque — até depois da Segunda Guerra Mundial. Não é uma obra fácil de enquadrar. A tentação é compará-la a Puccini, dado o período e a aposta no melodrama; mas, na verdade, essa comparação acaba por ser pouco útil.

Esta obra deve muito mais à receção tardia de Wagner e de Richard Strauss em Itália, na primeira década do século XX, do que a Puccini ou Verdi. Aliás, quem chegar a esta ópera com essas expectativas dificilmente não ficará desiludido. O centro de gravidade está numa complexidade harmónica elaboradamente sobreposta e em melodias curtas ou fragmentos que fervilham e se contorcem uns nos outros, em volta e por cima, numa densidade cromática intensa. Não encontramos aqui o tipo de melodia longa, de grande fôlego e em permanente expansão, pela qual Puccini se tornou famoso.

A orquestra é muito mais proeminente — e, por vezes, dominante — do que na maioria das óperas veristas da época; e há, de facto, secções em que o compositor parece quase citar e desenvolver materiais dos compositores alemães. Por exemplo, no início do Ato Três há uma reminiscência específica de Morte e Transfiguração, de Strauss, e o dueto amoroso carregado de erotismo no centro da obra é inimaginável sem o Ato Dois de Tristão e Isolda como precedente e modelo. Ainda assim, não se trata de modo algum de uma peça derivativa, uma vez que a paleta musical é colocada ao serviço de um enredo melodramático sem travões, com grande força narrativa. Há também uma agenda política especificamente italiana — e não alemã — que é destacada com força (e com razão) nesta excelente produção.

Simon Thorpe como Manfredo e Mikhail Svetlov como Archibaldo

A ópera divide-se em três atos, mas como cada um não dura mais de meia hora, a equipa criativa decidiu apresentá-la sem intervalo. Mais uma vez, é uma ótima decisão. Há prelúdios orquestrais fortemente descritivos antes de cada ato, e eles funcionam muito bem como interlúdios, ajudando a manter a ação contínua. A intensidade da música e as interpretações dos quatro protagonistas são tais que saímos com a sensação de que a ópera durou bem mais (no melhor sentido!) do que meros noventa minutos. O cenário é supostamente a Itália medieval, onde, alguns anos antes, Archibaldo (Mikhail Svetlov) invadiu a partir do Norte e conquistou Altura/Itália. Ele obrigou a Princesa Fiora (Natalya Romaniw) a casar com o seu filho Manfredo (Simon Thorpe), apesar de ela já estar comprometida com um italiano nativo, Avito (Joel Montero).

A ação retrata as consequências deste casamento desastroso — tanto no plano pessoal como no político. A produção desloca a ação para uma ditadura latina contemporânea e nada se perde com isso, uma vez que os temas centrais de vingança, amor proibido, bravura cavalheiresca, assassinato e suicídio desesperado dificilmente estão limitados por tempo ou lugar. Na ausência de Manfredo, Fiora retoma a sua ligação com Avito, mas desperta a inimizade de Archibaldo, que adivinhou a verdade e, devido à sua cegueira, é incapaz de a provar de forma conclusiva. Tudo acaba mal com rapidez previsível, e os cadáveres vão-se acumulando à medida que Archibaldo é punido de forma definitiva, vítima da sua própria astúcia que correu mal. A ação ganha uma aresta política quando o coro de cidadãos se envolve na vingança por Fiora; e aqui há mais do que um traço das simpatias irredentistas do libretista Sem Benelli, discípulo de Gabriele D’Annunzio, determinado a recuperar para Itália territórios então sob domínio austríaco.

Natalya Romaniw como Fiora e Joel Montero como Avito

Para uma produção funcionar com este tipo de melodrama em crescendo, todos os envolvidos precisam de se entregar por completo — e, tal como na comédia ligeira, acreditar plenamente nas suas convenções durante toda a representação. A obra não tolera ironia nem dispositivos de distanciamento sem que todo o estranho edifício colapse. A força desta produção está no facto de a Opera Holland Park transmitir, de facto, um compromisso soberano com a proposta — e, por isso mesmo, o resultado é um sucesso triunfal em todos os aspetos.

O cenário exige uma torre de castelo onde Fiora reside e de onde tem de exibir um grande estandarte branco para assinalar a despedida de Manfredo. Precisa de ser um símbolo ameaçador do poder masculino e real, e ao mesmo tempo um espaço flexível. Aqui, o encenador Martin Lloyd-Evans e a sua equipa conseguem-no na maior parte do tempo. O bloco de betão que domina o palco é simultaneamente opressivo e versátil. As seteiras tornam-se, de forma comovente, locais para flores de luto, e as escadas exteriores permitem que algumas das cenas mais importantes sejam elevadas e colocadas bem no centro — embora eu tenha sentido alguma ansiedade quanto às implicações de saúde e segurança para os cantores! Todo o elenco está em excelente forma, com destaque especial para Romaniw e Svetlov, cujas cenas em conjunto tiveram uma força real, e que, individualmente, tiveram de se projetar sobre uma orquestra em plena intensidade. Thorpe e Montero têm menos oportunidades de desenvolver nuances de personagem — os seus papéis são mais funcionais para o enredo do que para a construção de uma identidade própria. Ainda assim, o compositor oferece a ambos momentos vocais muito marcantes, quer nos duetos ardentes com Fiora, quer depois, juntos, na cena final de imolação. E eles aproveitaram esses momentos com brilho. Os papéis secundários foram assumidos de forma muito competente, e o coro transmitiu tanto o luto como a agressividade perante um poder ocupante com vigor eficaz e um ressentimento a fervilhar no ponto certo.

A grande estrela refulgente da ópera, porém, foi a orquestra: a City of London Sinfonia, sob a batuta hábil e precisa de Peter Robinson, teve uma noite memorável. Os momentos de conjunto trouxeram verdadeiro arrepio e uma sensação de risco assumido; mas houve também muitos instantes mais contidos, sobretudo nas madeiras, que ofereceram um sublinhado delicado e eficaz de carácter e emoção. Montemezzi pode ter sido, em certa medida, um compositor de uma só obra, mas esta interpretação apresentou o melhor argumento possível para a sua obra-prima, e só podemos esperar que a reputação desta reposição estimule uma vaga de novas apresentações no Reino Unido e no estrangeiro. Toda a noite mostrou a Opera Holland Park no seu melhor.