CRITIQUE : La Fille de l'horloger, Théâtre Landor ✭✭✭✭

La Fille de l'Horloger

Théâtre Landor

3 juin 2015

4 Étoiles

Dans la cinquième saison de Buffy contre les vampires, Spike, le vampire vicieux, machiavélique, mais finalement héroïque (et toujours palpitant) reçoit un robot de Buffy. Le robot sert plusieurs objectifs narratifs, mais il a été créé à cause du désir de Spike d'avoir un substitut à la vraie Buffy, quelqu'un qu'il pourrait aimer. Autant que la série concernait les créatures fantastiques telles que les vampires et les loups-garous, ce type de dispositif de l'intrigue était courant à certains égards, inspiré à d'autres. Parce que Spike était déjà mort, le facteur de répulsion était faible.

De même, dans la même série, l'amour de Xander pour un démon de vengeance de 1000 ans, Anya, était compréhensible, encadré par les éléments bizarres et fantastiques de l'histoire de Buffy, son gang Scooby et leurs ennemis et amis. Buffy était une fantaisie exemplaire - mais elle avait beaucoup à dire sur les préoccupations modernes réelles, telles que la pression des pairs, le coming out, la sexualité émergente, la jalousie, l'obsession, la vengeance, l'intérêt personnel, le prix du pouvoir et le pouvoir de l'amour et du sacrifice.

C'est, bien sûr, l'une des grandes choses des contes fantastiques : ils peuvent traiter de questions morales sérieuses de manière transparente et réfléchie, mais divertissante à tous les niveaux, car les lignes d'intrigue superficielles fournissaient comédie et drame en elles-mêmes, souvent dans des situations magiques ou romantiques exacerbées.

Si vous deviez présenter une nouvelle comédie musicale comme une exploration sérieuse de l'obsession lubrique, du pouvoir de l'esprit de groupe, de l'ostracisme de ceux qui sont différents (pour n'importe quelle raison, race, sexe, identité sexuelle, pauvreté, manque d'opportunités, problèmes de santé) et de la misogynie inhérente de la société, notamment contre les femmes défavorisées, quelqu'un irait-il la voir ? Je doute de cela, même si Stephen Sondheim en écrivait la partition. Bien sûr, il a écrit cette comédie musicale, le conte de fées fantasmé et fracturé, Into The Woods, mais cela n'a jamais été présenté de cette manière. (Mais c'est une autre histoire, peu importe...)

Actuellement au Théâtre Landor se joue La Fille de l'Horloger, une nouvelle comédie musicale (spécifiquement, un conte de fées musical original) avec livre, musique et paroles de Michael Webborn et Daniel Finn. Avec Duncton Wood, actuellement au Théâtre Union, La Fille de l'Horloger fait totalement le cas pour la création d'un Théâtre National de la Comédie Musicale, financé correctement par les fonds de la Loterie, dont le seul but est de développer, pratiquer et affiner de nouvelles comédies musicales. Ces œuvres abondent d'excellence, particulièrement en termes de leurs partitions, et méritent un soutien significatif et substantiel.

Dans le programme, Webborn et Finn expriment leur objectif :

"Quand nous avons commencé à écrire 'La Fille de l'Horloger', la seule chose dont nous étions certains était que nous voulions un nouveau conte de fées. Nous voulions tous les attributs de la forme traditionnelle : la magie, l'ambiance fantastique, les éléments surnaturels, le noyau moral et la simplicité qui accompagne la narration du genre. Mais il devait être nouveau; il devait être différent".

En cela, ils ont totalement réussi.

L'épouse de l'horloger est décédée, sans enfant. Lui, Abraham, un maître artisan des horloges, façonne une femme mécanique pour tenir compagnie. Mais il crée plus qu'il n'en avait prévu, et lorsqu'il remonte son chef-d'œuvre, en insérant une grande clé dans son dos, elle prend vie. Il tente de garder sa présence cachée, mais la créature qu'il a créée, Constance, est avide de connaissances et d'expériences. Elle lit beaucoup, étudie et se souvient, puis s'aventure dans le monde - où elle trouve la perte, la joie, l'acceptation, l'amour, la répulsion, la haine et, finalement, la mort. Il y a de nombreux tours et surprises en cours de route, mais c'est l'essence même du conte : aussi magique, fantastique et moral qu'on puisse l'attendre.

C'est aussi nouveau, différent. Oui, le gâteau que Webborn et Finn ont ici préparé pourrait être une livre de Frankenstein, une livre de Pygmalion, une tasse de Phantom of the Opera, des cuillères de soupes de La Belle et la Bête, une pincée de Pinocchio, et un soupçon de Buffy, mais c'est, comme l'aurait dit Jerry Herman, sa propre création spéciale.

Situé dans un village irlandais rustique convenablement, il est plein de personnages familiers : le maire poussiéreux, chancelant ; le beau fils du maire ; la belle fiancée du fils du maire ; l'artisan maître souffrant, solitaire, reclus ; la couturière du village (un mélange de Mrs Potts et Ursula) ses filles et fils ; et les villageois. Presque tout le monde est pauvre ou du moins pas riche, mais tous semblent assez heureux.

Puis, la robe de mariée coûteuse et irremplaçable de la fiancée est ruinée dans un accident impliquant le puits du village, et le désastre et la misère rôdent dans le village. Dans cette marmite bouillante s'avance Constance, incertaine, explorant le monde en dehors du sien. Elle confectionne une robe de remplacement, bien meilleure que l'originale abîmée, et apporte des cadeaux et fait de bonnes actions pour les villageois. Finalement, ils découvrent son identité en tant que bienfaiteur mystérieux et la célèbrent - sans oublier qu'ils profitent d'elle.

Abraham avertit Constance que le village la rejettera si sa véritable nature est découverte. En vérité, il veut la garder pour lui-même. Constance, ayant goûté à la vie hors de la maison solitaire d'Abraham, veut plus et, peut-être sans surprise, est prise au village, lorsque son mécanisme de synchronisation cesse, et elle se fige, nécessitant d'être remontée. Abraham, devant le village, la remonte littéralement, et elle revient à la vie. Mais le village a changé...

En dire plus serait de gâcher inexcusablement une histoire qui a plusieurs surprises réelles avant de se terminer. Il suffit de dire que la magie et l'amour ont tous deux un rôle significatif à jouer dans le déroulement des événements, bien que pas, peut-être, de la manière habituelle de Disney.

C'est une excellente histoire, mais le trésor le plus scintillant du spectacle est sa musique. Il y a des mélodies folkloriques, des chansons d'amour, des ballades passionnées, des numéros comiques, des chansons bavardes, des mélodies envoûtantes, des harmonies complexes et une splendide polyphonie, le tout avec une touche de gigue irlandaise autour des bords. C'est une partition qui crie pour une orchestration accomplie, impliquant de nombreux cordes, anches et bois, pour libérer les forces naturelles de la composition de manière captivante.

En l'état, sous la direction musicale de Webborn, le petit groupe et la distribution de vingt personnes combinent pour donner un véritable sens de la puissance inhérente et de l'attrait de la partition. Ils sont aidés en cela en grande partie par une prestation superbement assurée de la musique la plus difficile, et magnifique, par Jennifer Harding qui excelle dans le rôle central de Constance.

Harding a une voix riche, vibrante, parfaitement soutenue et soutenue, avec un fort registre de ceinture et un sommet libre et luxueux. C'est un plaisir d'entendre sa participation aux grands morceaux ici, de profiter de la fusion de son art et de la partition passionnée. Sa diction est impeccable, et elle a cette rare capacité à rendre compte correctement de chaque note et à transmettre entièrement la signification de chaque mot et le sens général et l'échelle des émotions et des dynamiques de la partition.

Au-delà de ses compétences vocales, Harding est en pleine forme dans le domaine de l'interprétation. Il est difficile de jouer une créature mécanique de manière à la fois à souligner l'inhumanité de sa nature mécanique et l'âme romantique émergente qui vient de l'alchimie magique de son interaction avec les villageois. Mais Harding réussit cela de manière spectaculaire.

Avec son sang-froid habituel, Robert McWhir dirige les événements avec compétence et clarté. C'est, en vérité, une grande et épique pièce de théâtre musical. Elle serait vue au mieux de son avantage sur une grande scène, avec des décors et des costumes époustouflants ; un véritable sens de l'échelle qui convient au concept de conte de fées. Que McWhir parvienne à faire fonctionner une telle pièce aussi bien que cela dans l'espace intime qu'est le Théâtre Landor mérite un réel crédit. C'est ambitieux et cela paie.

Robbie O'Reilly fait du bon travail dans le département de la chorégraphie et David Shields rend le décor intriguant et ludique, évoquant différents lieux très bien. Le sens du temps et de l'horlogerie est toujours présent dans le décor, mais pas de manière fastidieuse ou ennuyeuse. Malheureusement, l'éclairage de Richard Lambert ne rend pas justice ni au décor ni à la compagnie - il se peut qu'une ampoule ait sauté la nuit où j'ai assisté, car les choses semblaient très étranges dans ce domaine.

Il y a beaucoup de travail extrêmement déterminé de la part de la compagnie, avec particulièrement de bonnes performances de la part d'Emily Peach, Ryan Lynch, Kathryn Laura Aiken et Paul Bradshaw. Alyssa Martyn est très douce en tant qu'Amelia, et elle est effectivement impressionnante dans la scène du deuxième acte où elle défie l'esprit de troupeau du village et soulève des questions morales de manière efficace. Elle a une voix douce mais agréable qui se juxtapose contre sa force de caractère.

Alex Spinney (Henry), Rob McManus (Maire Glynn), Alan McHale (Will) et Max Abraham (Sam) ont tous des moments d'inspiration dans leurs rôles, ont tous l'apparence et correspondent à leurs rôles, mais pourraient tous se permettre d'être plus assurés dans leur prestation.

Ma' Riley de Jo Wickham est trop grotesque pour apporter la pathos et le cœur que le personnage devrait avoir; Natalie Harman, en tant que sa fille, Rhiannon, prend son inspiration de Wickham, ce qui est compréhensible, mais cela signifie que la complexité et l'intérêt de son personnage sont quelque peu perdus. Dans les deux cas, moins pourrait certainement être plus.

En tant qu'Abraham, l'horloger titulaire, Lawrence Carmichael n'apporte pas au rôle ce qui est nécessaire. Il est difficile d'entendre les mots qu'il chante et, plus souvent qu'à son tour, il y a de sérieux problèmes de ton. Une grande partie de l'exposition et de la fondation émotionnelle repose sur ses épaules, et bien qu'il ait des moments incontestables d'intuition, le fardeau est trop lourd pour lui.

En partie, cela est dû à l'écriture. Son premier solo est difficile à comprendre parce que son histoire personnelle n'est pas éclaircie avant que cela n'arrive; son intérêt pour Constance est écrit comme très effrayant dans certaines parties du récit; et, bien qu'il crée Constance, et soit clé de la meilleure surprise du spectacle, le rôle n'est pas écrit comme sympathique ou amical dans de nombreux aspects, et nécessite donc le genre de traitement délicat que requièrent des rôles comme la Bête dans La Belle et la Bête, mais sans la récompense que la Bête reçoit dans son récit. En outre, il n'y a jamais de moment pour que Constance et Abraham aient un numéro musical où la joie de leur relation unique est clairement montrée. Tous ces éléments combinés font que le rôle d'Abraham demande beaucoup - alors qu'étant donné la richesse du matériel, il n'est pas nécessaire que cette demande soit si grande.

C'est une comédie musicale fascinante, captivante, fantastique, rayonnante de possibilités et de vérité. Elle est confrontante par endroits et déchirante par d'autres. Et elle est pleine de moments magiques. Potentiellement, une véritable grande comédie musicale britannique.

Une chose est sûre - vous ne regarderez pas l'horloge pendant que vous regardez La Fille de l'Horloger.

La Fille de l'Horloger se joue jusqu'au 4 juillet au Théâtre Landor