RECENSIONE: La Figlia dell'Orologiaio, Teatro Landor ✭✭✭✭

La figlia dell’orologiaio

Landor Theatre

3 giugno 2015

4 stelle

Nella quinta stagione di Buffy l’ammazzavampiri, Spike, il vampiro feroce e machiavellico, ma in definitiva eroico (e sempre entusiasmante), riceve in dono un robot identico a Buffy. Il robot serve a diversi scopi narrativi, ma viene creato perché Spike desidera un sostituto della vera Buffy, qualcuno che possa amare. Per quanto la serie si occupasse di creature fantastiche come vampiri e lupi mannari, questo tipo di espediente era, per certi versi, del tutto nella norma, e per altri decisamente ispirato. Poiché Spike era già morto, il fattore “repulsione” risultava piuttosto basso.

Allo stesso modo, nella stessa serie, l’amore di Xander per Anya, un demone della vendetta millenario, era comprensibile, incorniciato com’era dagli elementi bizzarri e fantastici della trama di Buffy, della sua Scooby gang e dei loro nemici e amici. Buffy era fantasy esemplare — ma aveva molto da dire su preoccupazioni moderne reali, come la pressione dei pari, il coming out, la scoperta della sessualità, la gelosia, l’ossessione, la vendetta, l’interesse personale, il prezzo del potere e la forza dell’amore e del sacrificio.

Ed è, naturalmente, una delle grandi qualità dei racconti fantastici: possono affrontare seri dilemmi morali in modo fluido e stimolante, pur restando capaci di intrattenere a tutto tondo, perché le trame in superficie offrivano commedia e dramma di per sé, spesso in situazioni magiche o romanticamente amplificate.

Se pubblicizzassi un nuovo musical come un’analisi seria dell’ossessione lussuriosa, del potere della mentalità da branco, dell’ostracismo verso chi è diverso (per qualsiasi motivo: razza, genere, identità sessuale, povertà, mancanza di opportunità, problemi di salute) e della misoginia intrinseca della società, soprattutto contro le donne svantaggiate… qualcuno andrebbe a vederlo? Ne dubito, anche se la partitura fosse di Stephen Sondheim. Certo, lui quel musical lo ha scritto davvero: la fiaba fantasy spezzata Into the Woods, ma non è mai stata venduta in quei termini. (Ma questa è un’altra storia, lasciamo perdere…)

Ora in scena al Landor Theatre c’è La figlia dell’orologiaio, un nuovo musical (più precisamente, una fiaba originale) con libretto, musiche e testi di Michael Webborn e Daniel Finn. Insieme a Duncton Wood, attualmente in scena all’Union Theatre, La figlia dell’orologiaio dimostra in modo lampante quanto servirebbe un Teatro Nazionale del Musical, finanziato adeguatamente con i fondi della Lotteria, con l’unico scopo di sviluppare, mettere in laboratorio e rifinire nuovi musical. Queste opere traboccano di eccellenza, soprattutto nelle partiture, e meritano un sostegno serio e sostanzioso.

Nel programma di sala, Webborn e Finn dichiarano il loro intento:

"Quando abbiamo iniziato a scrivere 'The Clockmaker's Daughter', l’unica cosa di cui eravamo certi era che volevamo una nuova fiaba. Volevamo tutti gli elementi del modello tradizionale: la magia, il sapore fantastico, gli elementi soprannaturali, il nucleo morale e la semplicità che deriva dalla struttura narrativa del genere. Ma doveva essere nuova; doveva essere diversa".

E, in questo, hanno pienamente centrato l’obiettivo.

La moglie dell’orologiaio è morta, senza figli. Lui, Abraham, un maestro artigiano di segnatempo, costruisce una donna meccanica per farsi compagnia. Ma crea più di quanto avesse previsto e, quando carica la sua creatura inserendo una grande chiave nella schiena, lei prende vita. Cerca di tenere nascosta la sua presenza, ma la creatura che ha fatto, Constance, è famelica di conoscenza ed esperienza. Legge molto, studia e ricorda, poi si avventura nel mondo — dove incontra perdita, gioia, accettazione, amore, ripulsa, odio e, infine, morte. Lungo la strada ci sono molti trucchi e sorprese, ma questa è l’essenza della fiaba: magica, fantastica e morale come poche.

Ed è anche nuova, diversa. Sì, la torta che Webborn e Finn hanno sfornato potrebbe avere mezzo chilo di Frankenstein, mezzo chilo di Pigmalione, una tazza di Il fantasma dell’Opera, cucchiaiate colme de La Bella e la Bestia, un pizzico di Pinocchio e un’ombra di Buffy, ma è — come avrebbe potuto dire Jerry Herman — una creazione tutta sua.

Ambientato in un villaggio irlandese rustico al punto giusto, è popolato di figure familiari: il Sindaco polveroso e rimbambito; il bel figlio del Sindaco; la splendida promessa sposa del bel figlio del Sindaco; il maestro artigiano solitario, ferito e schivo; la schietta sarta del villaggio (una sorta di incrocio fra Mrs Potts e Ursula), le sue figlie e suo figlio; e i paesani. Quasi tutti sono poveri o almeno non ricchi, ma sembrano comunque abbastanza soddisfatti.

Poi l’abito da sposa costoso e insostituibile della promessa sposa viene rovinato in un incidente che coinvolge il pozzo del villaggio, e la disgrazia e la miseria si aggirano fra le case. In quel calderone entra Constance, incerta, mentre esplora il mondo al di fuori del proprio. Confeziona in un lampo un abito sostitutivo, molto migliore dell’originale rovinato, porta doni e compie buone azioni per gli abitanti. Alla fine scoprono che è lei la misteriosa benefattrice e la celebrano — per non dire che approfittano di lei.

Abraham avverte Constance che il villaggio la respingerà se la sua vera natura verrà scoperta. In realtà, lui la vuole tutta per sé. Constance, dopo aver assaggiato la vita fuori dalla casa solitaria di Abraham, ne vuole di più e, forse non sorprende, viene smascherata in paese quando il suo meccanismo di temporizzazione si ferma e lei si immobilizza, avendo bisogno di essere ricaricata. Abraham, davanti al villaggio, la carica letteralmente e lei torna in vita. Ma il villaggio ormai è cambiato…

Dire di più vorrebbe dire rovinare imperdonabilmente una storia che riserva diverse vere sorprese prima di arrivare alla fine. Basti dire che magia e amore hanno entrambi un ruolo importante nello svolgersi degli eventi, anche se forse non nel consueto modo “alla Disney”.

È una gran storia, ma il tesoro più scintillante dello spettacolo è la musica. Ci sono melodie folk, canzoni d’amore, ballate appassionate, numeri comici, canzoni di patter, linee melodiche che si impennano, armonie complesse e splendida polifonia, con una spolverata di jig irlandese ai margini. È una partitura che grida per un’orchestrazione di alto livello, con molte corde, ance e legni, per sprigionare le forze naturali della composizione in modo travolgente.

Così com’è, sotto la direzione musicale di Webborn, la piccola band e il cast di venti elementi si uniscono per restituire una reale sensazione della potenza e dell’attrazione intrinseche della partitura. E in questo sono aiutati non poco da un’esecuzione superba, sicura e impeccabile della musica più difficile — e più splendida — da parte di Jennifer Harding, che eccelle nel ruolo centrale di Constance.

Harding ha una voce ricca e vibrante, perfettamente appoggiata e sostenuta, con un belt solido e un registro acuto libero e sontuoso. È un piacere sentirla affrontare i grandi numeri, godendosi la fusione fra la sua arte e la partitura appassionata. La sua dizione è impeccabile, e possiede quella rara capacità di dare il giusto peso a ogni nota e trasmettere pienamente il significato di ogni parola e il senso complessivo e l’ampiezza delle emozioni e delle dinamiche della partitura.

Oltre alle sue doti canore, Harding è in forma smagliante anche come attrice. Non è facile interpretare una creatura meccanica in modo da mettere in risalto sia l’inumanità della sua natura artificiale sia l’emergere di un’anima romantica, frutto dell’alchimia magica del suo rapporto con gli abitanti del villaggio. Ma Harding ci riesce in modo spettacolare.

Con la consueta disinvoltura, Robert McWhir dirige il tutto con abilità e chiarezza. In verità, questo è un grande pezzo di teatro musicale, epico per ambizione. Renderebbe al massimo su un grande palcoscenico, con scenografie e costumi stupefacenti; con un vero senso della scala, come si addice alla cornice fiabesca. Che McWhir riesca a far funzionare un’opera del genere così bene nello spazio intimo del Landor merita un autentico riconoscimento. È ambizioso, e ripaga.

Robbie O’Reilly fa un ottimo lavoro con le coreografie e David Shields firma una scenografia intrigante e giocosa, capace di evocare molto bene luoghi diversi. Il senso del tempo e dell’ingranaggio è sempre presente in scena, ma non in modo tedioso o stanco. Purtroppo, le luci di Richard Lambert non rendono troppi favori né alla scenografia né alla compagnia — forse la sera in cui ho assistito c’era un faro saltato, perché in quel reparto le cose sembravano decisamente strane.

La compagnia offre moltissimo lavoro di grande dedizione, con prove particolarmente riuscite di Emily Peach, Ryan Lynch, Kathryn Laura Aiken e Paul Bradshaw. Alyssa Martyn è deliziosa nei panni di Amelia ed è davvero notevole nella scena del secondo atto in cui sfida la mentalità da branco del villaggio e solleva questioni morali con efficacia. Ha una voce discreta ma piacevole, messa in contrasto con la sua forza di carattere.

Alex Spinney (Henry), Rob McManus (il Sindaco Glynn), Alan McHale (Will) e Max Abraham (Sam) hanno tutti momenti d’ispirazione nei loro ruoli, sono tutti credibili e adatti alle rispettive parti, ma a tutti gioverebbe una maggiore sicurezza nell’interpretazione.

La Ma’ Riley di Jo Wickham è una caricatura troppo grottesca per portare la tenerezza e il pathos che il personaggio dovrebbe restituire; Natalie Harman, nel ruolo di sua figlia Rhiannon, segue l’impostazione di Wickham — comprensibilmente — ma così si perde un po’ la complessità e l’interesse del suo personaggio. In entrambi i casi, meno sarebbe decisamente di più.

Nei panni di Abraham, l’orologiaio eponimo, Lawrence Carmichael non porta in scena ciò che il ruolo richiede. È difficile capire le parole che canta e, più spesso di quanto si vorrebbe, ci sono seri problemi di intonazione. Gran parte dell’esposizione e delle fondamenta emotive poggia sulle sue spalle e, sebbene non manchino momenti di intuizione, il peso è troppo grande da sostenere.

In parte, è una questione di scrittura. Il suo primo assolo è difficile da comprendere perché il suo passato non è reso chiaro prima che accada; il suo interesse per Constance, in alcuni punti della narrazione, è scritto in modo decisamente inquietante; e, sebbene lui crei Constance e sia decisivo per la migliore sorpresa dello spettacolo, la parte non è pensata come gentile o amabile sotto molti aspetti, e quindi richiede la delicatezza che si associa a ruoli come la Bestia in La Bella e la Bestia, ma senza la stessa “ricompensa” che la Bestia ottiene nel suo arco narrativo. Inoltre, non c’è mai l’occasione per Constance e Abraham di avere un numero musicale in cui sia chiara la gioia del loro rapporto unico. Tutti questi elementi insieme rendono il ruolo di Abraham una richiesta enorme — quando, dato il materiale così ricco, non ce ne sarebbe alcun bisogno.

È un musical coinvolgente, assorbente, fantastico, raggiante di possibilità e verità. In alcuni punti è spiazzante e in altri spezza il cuore. Ed è pieno di momenti magici. Potenzialmente, un musical britannico davvero grande.

Una cosa è certa: con La figlia dell’orologiaio non guarderete l’orologio.

La figlia dell’orologiaio è in scena fino al 4 luglio al Landor Theatre