CRÍTICA: A Filha do Relojoeiro, Teatro Landor ✭✭✭✭

A Filha do Relojoeiro

Landor Theatre

3 de junho de 2015

4 Estrelas

Na quinta temporada de Buffy, a Caçadora de Vampiros, Spike, o vampiro feroz e maquiavélico, mas no fim heróico (e sempre eletrizante), recebe de presente um robô da Buffy. O robô serve vários propósitos na trama, mas foi criado por causa do desejo de Spike de ter um substituto para a Buffy verdadeira, alguém que ele pudesse amar. Tendo em conta que a série abordava criaturas de fantasia como vampiros e lobisomens, este tipo de artifício narrativo era, em certos aspectos, o mais normal do mundo e, noutros, uma inspiração. E como Spike já estava morto, o factor de repulsa era reduzido.

Do mesmo modo, na mesma série, o amor de Xander por Anya, um demónio de vingança com 1000 anos, era compreensível, enquadrado como estava pelos elementos bizarros e fantásticos da história de Buffy, do seu grupo Scooby e dos seus inimigos e amigos. Buffy era fantasia exemplar — mas tinha muito a dizer sobre preocupações modernas bem reais, como a pressão dos pares, assumir-se, a descoberta da sexualidade, ciúme, obsessão, vingança, interesse próprio, o preço do poder e o poder do amor e do sacrifício.

É, claro, uma das grandes virtudes dos contos fantásticos: conseguem tratar questões morais sérias de forma fluida e estimulante, mas divertida para todos os públicos, porque as linhas narrativas superficiais já forneciam, por si só, comédia e drama — muitas vezes em situações mágicas ou romanticamente intensificadas.

Se anunciassem um novo musical como uma exploração séria da obsessão lasciva, do poder da mentalidade de rebanho, do ostracismo de quem é diferente (por qualquer motivo — raça, género, identidade sexual, pobreza, falta de oportunidades, problemas de saúde) e da misoginia inerente à sociedade, especialmente contra mulheres desfavorecidas, alguém iria ver? Duvido, mesmo que Stephen Sondheim escrevesse a partitura. Claro que ele escreveu esse musical — o conto de fadas de fantasia fragmentada, Into The Woods — mas nunca foi vendido dessa forma. (Mas isso é outra história, não interessa agora...)

Em cena agora no Landor Theatre está The Clockmaker's Daughter, um novo musical (mais especificamente, um conto de fadas musical original) com libreto, música e letras de Michael Webborn e Daniel Finn. Juntamente com Duncton Wood, actualmente em cena no Union Theatre, The Clockmaker's Daughter sustenta plenamente o argumento de que deve ser criado um Teatro Musical Nacional, devidamente financiado através dos fundos da Lotaria, com o único propósito de desenvolver, fazer workshops e lapidar novos musicais. Estas obras estão repletas de excelência, sobretudo ao nível das partituras, e merecem um apoio significativo e consistente.

No programa, Webborn e Finn enunciam o seu propósito:

"Quando começámos a escrever 'The Clockmaker's Daughter', a única coisa de que tínhamos a certeza era que queríamos um novo conto de fadas. Queríamos todos os elementos do formato tradicional: a magia, o ambiente fantástico, os elementos sobrenaturais, o núcleo moral e a simplicidade que vem com a narrativa do género. Mas tinha de ser novo; tinha de ser diferente".

E, nisso, tiveram um sucesso total.

A mulher do relojoeiro morreu, sem filhos. Ele, Abraham, mestre artesão de relógios, cria uma figura feminina mecânica para lhe fazer companhia. Mas cria mais do que esperava e, quando dá corda à sua criação, inserindo uma grande chave nas costas dela, ela ganha vida. Ele tenta manter a presença dela escondida, mas a criatura que fez, Constance, é voraz por conhecimento e experiência. Lê muito, estuda e memoriza e depois aventura-se pelo mundo — onde encontra perda, alegria, aceitação, amor, repulsa, ódio e, por fim, a morte. Há muitos truques e surpresas pelo caminho, mas essa é a essência do conto: tão mágico, fantástico e moral como os melhores.

E é também novo, diferente. Sim, o bolo que Webborn e Finn aqui cozinharam pode ter uma libra de Frankenstein, uma libra de Pigmaleão, uma chávena de O Fantasma da Ópera, colheres bem cheias de A Bela e o Monstro, uma pitada de Pinóquio e um toque de Buffy, mas é, como Jerry Herman poderia ter dito, uma criação muito própria.

Passado numa aldeia irlandesa devidamente rústica, está cheio de personagens familiares: o Presidente da Câmara bafiento e trôpego; o bonito filho do Presidente; a linda noiva do bonito filho do Presidente; o mestre artesão sofrido, solitário e quase eremita; a costureira da aldeia, frontal (uma espécie de cruzamento entre a Sra. Potts e a Úrsula), as suas filhas e o seu filho; e os aldeões. Quase toda a gente é pobre, ou pelo menos não é rica, mas todos parecem suficientemente felizes.

Depois, o caro e insubstituível vestido de noiva da noiva fica arruinado num acidente envolvendo o poço da aldeia, e o desastre e a desgraça passam a rondar a comunidade. É nesse caldeirão que entra Constance, insegura, a explorar o mundo para lá do seu próprio. Ela improvisa um vestido de substituição, muito melhor do que o original estragado, e leva presentes e faz boas acções pelos aldeões. Por fim, eles descobrem que ela é a misteriosa benfeitora e celebram-na — para não falar de se aproveitarem dela.

Abraham avisa Constance de que a aldeia a rejeitará se a sua verdadeira natureza for descoberta. Na verdade, ele quer guardá-la só para si. Constance, depois de provar a vida fora da casa isolada de Abraham, quer mais e, talvez sem surpresa, é apanhada na aldeia quando o seu mecanismo de temporização pára e ela fica imóvel, precisando de ser novamente dada à corda. Abraham, à frente de toda a aldeia, literalmente dá-lhe corda e ela volta à vida. Mas a aldeia já mudou...

Dizer mais seria estragar, imperdoavelmente, uma história que ainda guarda várias surpresas reais antes de terminar. Basta dizer que magia e amor têm ambos um papel importante no desenrolar dos acontecimentos — embora talvez não à maneira habitual da Disney.

É uma grande história, mas o tesouro mais cintilante do espectáculo é a música. Há temas folk, canções de amor, baladas apaixonadas, números cómicos, canções de patter, melodias arrebatadoras, harmonias complexas e uma esplêndida polifonia, tudo com uma pitada de jig irlandesa nas margens. É uma partitura que pede a gritos uma orquestração à altura, com muitas cordas, palhetas e madeiras, para libertar as forças naturais da composição de forma envolvente.

Tal como está, sob a direcção musical de Webborn, a pequena banda e o elenco de vinte combinam-se para dar uma verdadeira noção do poder e do magnetismo intrínsecos da partitura. Muito contribui para isso uma interpretação soberbamente segura da música mais difícil — e deslumbrante — por Jennifer Harding, que se destaca no papel central de Constance.

Harding tem uma voz rica, vibrante, perfeitamente apoiada e sustentada, com um belting forte e um agudo livre e luxuoso. É um prazer ouvi-la enfrentar os grandes números, desfrutar da fusão entre a sua arte e a partitura apaixonada. A sua dicção é impecável, e ela tem essa rara capacidade de dar a medida certa a cada nota e transmitir plenamente o significado de cada palavra, bem como o sentido geral e a escala das emoções e dinâmicas da partitura.

Para além das suas qualidades como cantora, Harding está em forma brilhante na interpretação. É difícil representar uma criatura mecânica de forma a sublinhar tanto a inumanidade da sua natureza como máquina como a alma romântica emergente que nasce da alquimia mágica da sua interacção com os aldeões. Mas Harding consegue-o de forma espectacular.

Com a sua habitual desenvoltura, Robert McWhir dirige o espectáculo com competência e clareza. Este é, na verdade, um grande e épico trabalho de teatro musical. Seria visto com maior vantagem num palco grande, com cenários e figurinos deslumbrantes; uma verdadeira noção de escala, como convém ao artifício de conto de fadas. Que McWhir consiga fazer uma peça assim funcionar tão bem no espaço íntimo do Landor merece crédito. É ambicioso — e resulta.

Robbie O'Reilly faz um bom trabalho na coreografia e David Shields cria um cenário intrigante e lúdico, evocando muito bem diferentes locais. A sensação de tempo e de relojoaria está sempre presente no cenário, mas nunca de uma forma cansativa ou repetitiva. Infelizmente, a luz de Richard Lambert não favorece muito nem o cenário nem a companhia — pode ter havido um foco avariado na noite em que assisti, porque tudo pareceu muito estranho nesse departamento.

Há muito trabalho tremendamente empenhado por parte de toda a companhia, com prestações especialmente boas de Emily Peach, Ryan Lynch, Kathryn Laura Aiken e Paul Bradshaw. Alyssa Martyn é muito doce como Amelia, e é de facto impressionante na cena do segundo acto em que desafia a mentalidade de rebanho da aldeia e levanta questões morais de forma eficaz. Tem uma voz discreta, mas agradável, em contraste com a força do seu carácter.

Alex Spinney (Henry), Rob McManus (Presidente Glynn), Alan McHale (Will) e Max Abraham (Sam) têm todos momentos inspirados nos seus papéis, todos têm o aspecto certo e assentam bem nas personagens, mas todos poderiam ser mais seguros na sua prestação.

A Ma' Riley de Jo Wickham é uma caricatura demasiado grotesca para trazer a comoção e o coração que a personagem deveria oferecer; Natalie Harman, como a filha, Rhiannon, segue a deixa de Wickham, o que é compreensível, mas faz com que a complexidade e o interesse da sua personagem se percam um pouco. Em ambos os casos, menos seria, sem dúvida, mais.

Como Abraham, o relojoeiro do título, Lawrence Carmichael não traz ao papel o que é necessário. É difícil ouvir as palavras que canta e, na maioria das vezes, há problemas sérios de afinação. Grande parte da exposição e da base emocional assenta nos seus ombros e, embora haja momentos inequívocos de percepção, o peso é demasiado para ele carregar.

Em parte, isto tem a ver com a escrita. O seu primeiro solo é difícil de compreender porque o seu passado não é tornado claro antes de acontecer; o seu interesse por Constance é escrito como bastante sinistro em partes da narrativa; e, embora ele crie Constance e seja fundamental para a melhor surpresa do espectáculo, o papel não está escrito como gentil ou simpático em muitos aspectos e, por isso, exige um tipo de delicadeza que vem com papéis como o Monstro em A Bela e o Monstro, mas sem a recompensa que o Monstro tem na sua narrativa. Além disso, nunca há oportunidade para Constance e Abraham terem um número musical em que a alegria da sua relação única fique clara. Tudo isto combinado torna o papel de Abraham uma exigência colossal — quando, dada a riqueza do material, não havia necessidade de essa exigência ser tão grande.

Este é um musical envolvente, absorvente e fantástico, radiante de possibilidades e verdade. Em alguns momentos é confrontador e, noutros, dilacerante. E está cheio de momentos mágicos. Potencialmente, um musical britânico verdadeiramente grande.

Uma coisa é certa — não vai ficar a olhar para o relógio enquanto vê The Clockmaker's Daughter.

The Clockmaker's Daughter está em cena até 4 de julho no Landor Theatre