리뷰: 시계 제작자의 딸, 랜도어 극장 ✭✭✭✭

시계공의 딸

랜드어 극장

2015년 6월 3일

별 4개

미드 버피 더 뱀파이어 슬레이어 시즌 5에서, 잔혹하고 마키아벨리적인 동시에 결국 영웅적이기도 한(그리고 늘 짜릿한) 뱀파이어 스파이크는 버피의 로봇을 선물로 받는다. 이 로봇은 여러 플롯상의 목적을 수행하지만, 본질적으로는 스파이크가 진짜 버피를 대신할 ‘대체품’—그가 사랑할 수 있는 존재—을 갖고 싶어 했기 때문에 만들어진 것이다. 뱀파이어와 늑대인간 같은 판타지 생물들이 등장하는 시리즈라는 점에서 이런 장치는 어떤 면에선 당연했고, 또 어떤 면에선 기발했다. 게다가 스파이크는 이미 죽은 몸이었으니, 혐오감의 문턱도 그리 높지 않았다.

마찬가지로 같은 시리즈에서 잰더가 1000년 묵은 복수의 악마 안야를 사랑하게 되는 것도 이해가 된다. 버피와 ‘스쿠비 갱’(친구들), 그리고 그들의 적과 아군이 뒤섞인 기괴하고 환상적인 서사 속에 놓이기 때문이다. 버피는 모범적인 판타지였지만, 또래 압력, 커밍아웃, 성 정체성의 형성, 질투, 집착, 복수, 자기이익, 권력의 대가, 그리고 사랑과 희생의 힘 같은 현대적 현실 문제에 대해 할 말이 아주 많은 작품이기도 했다.

물론 이것이야말로 환상담의 위대한 장점 중 하나다. 진지한 도덕적 쟁점을 매끄럽고도 사유를 자극하는 방식으로 다루면서, 동시에 폭넓게 즐길 수 있게 만든다. 겉으로 보이는 줄거리만으로도 코미디와 드라마가 충분히 작동하고, 종종 마법적이거나 로맨틱하게 고조된 상황이 그 재미를 더해주기 때문이다.

만약 새 뮤지컬을 ‘욕망 어린 집착’, ‘집단 심리의 힘’, ‘다른 사람(어떤 이유든—인종, 성별, 성적 정체성, 빈곤, 기회의 부족, 건강 문제)을 배척하는 문화’, 그리고 특히 취약한 여성에게 더 가혹하게 작동하는 사회의 구조적 여성혐오를 진지하게 파헤치는 작품이라고 홍보한다면, 과연 누가 보러 갈까? 스티븐 손드하임이 악보를 썼다 해도 말이다. 물론 그는 실제로 그런 뮤지컬—뒤틀린 판타지 동화인 Into The Woods—을 썼지만, 그 작품은 그런 식으로 홍보된 적이 없다. (하지만 그건 또 다른 이야기니, 일단 넘어가자…)

지금 랜드어 극장에서 공연 중인 시계공의 딸은 마이클 웹본과 대니얼 핀이 대본, 음악, 가사를 쓴 신작 뮤지컬(정확히는 ‘오리지널 뮤지컬 요정동화’)이다. 현재 유니언 극장에서 올라가는 Duncton Wood와 함께, 시계공의 딸은 ‘국립 뮤지컬 극장’이 필요하다는 주장을 완벽하게 뒷받침한다. 복권기금에서 제대로 지원을 받아, 신작 뮤지컬을 개발하고 워크숍을 거쳐 다듬는 일에 전념하는 기관 말이다. 두 작품 모두 특히 악곡 면에서 탁월함이 넘치며, 의미 있고 실질적인 지원을 받을 자격이 충분하다.

프로그램 북에서 웹본과 핀은 자신들의 의도를 이렇게 밝힌다.

"우리가 처음 ‘The Clockmaker's Daughter’를 쓰기 시작했을 때, 한 가지 확신한 것이 있었습니다. 우리는 새로운 동화를 원했습니다. 전통적인 형식이 지닌 모든 장치—마법, 환상적인 분위기, 초자연적 요소, 도덕적 핵심, 그리고 장르 서사에서 오는 단순함—을 갖추고 싶었죠. 하지만 새로워야 했고, 달라야 했습니다."

이 점에서 그들은 완벽하게 성공했다.

시계공의 아내는 아이 없이 세상을 떠났다. 시간 장치 제작의 장인인 아브라함은 동반자로 삼을 태엽 인형 여성을 만든다. 그러나 그는 생각했던 것보다 훨씬 큰 것을 만들어낸다. 그녀의 등에 커다란 열쇠를 꽂아 태엽을 감자, 창조물은 생명을 얻는다. 그는 그녀의 존재를 숨기려 하지만, 그가 만든 존재 콘스턴스는 지식과 경험에 굶주려 있다. 그녀는 책을 많이 읽고, 공부하고, 기억한 뒤 세상으로 나아가—상실과 기쁨, 수용과 사랑, 혐오와 증오, 그리고 마침내 죽음을 마주한다. 중간중간 여러 속임수와 놀라움이 있지만, 이야기의 정수는 이것이다. 마법적이고 환상적이며 도덕적인, 전형적인 동화의 본질 말이다.

그러면서도 이 작품은 새롭고, 다르다. 그렇다, 웹본과 핀이 구워낸 이 케이크의 레시피에는 1파운드의 프랑켄슈타인, 1파운드의 피그말리온, 한 컵의 오페라의 유령, 수북이 떠 넣은 미녀와 야수 한 숟갈들, 피노키오 한 꼬집, 그리고 버피 한 방울쯤이 들어 있을지도 모른다. 하지만 제리 허먼이 말했다면 그랬을 법하게도, 이것은 ‘자기만의 특별한 창조물’이다.

배경은 소박하고 정취 있는 아일랜드 시골 마을. 익숙한 인물들이 가득하다. 고리타분하고 흐느적거리는 시장, 시장의 잘생긴 아들, 그 잘생긴 아들의 아름다운 약혼녀, 상처 입고 외로운 은둔자 같은 장인, 그리고 마을의 재봉사(미세스 포츠와 우르술라를 섞어 놓은 듯한 인물)와 그녀의 딸들, 아들, 그리고 마을 사람들. 거의 모두가 가난하거나 최소한 부유하진 않지만, 다들 그럭저럭 행복해 보인다.

그러다 마을 우물과 관련된 사고로 약혼녀의 값비싸고 대체 불가능한 웨딩드레스가 망가지면서, 재난과 불행이 마을을 뒤덮기 시작한다. 그 ‘용광로’ 속으로 콘스턴스가 들어온다. 자신만의 세계 밖을 탐색하며 조심스레. 그녀는 망가진 원래 드레스보다 훨씬 멋진 새 드레스를 뚝딱 만들어내고, 선물을 나누며 마을 사람들에게 선행을 베푼다. 결국 사람들은 신비한 후원자가 그녀였음을 알아차리고 그녀를 축하한다—그리고 말할 것도 없이, 그녀를 이용하기 시작한다.

아브라함은 콘스턴스에게, 정체가 드러나면 마을이 그녀를 거부할 것이라고 경고한다. 사실 그는 그녀를 자기 곁에만 두고 싶다. 아브라함의 외딴 집 밖에서의 삶을 맛본 콘스턴스는 더 많은 것을 원한다. 그리고 어쩌면 예상대로, 마을에서 그녀의 타이밍 장치가 멈춰버리는 순간 들키고 만다. 그녀는 멈춰 선 채, 다시 태엽을 감아야 한다. 아브라함은 마을 사람들 앞에서 말 그대로 그녀에게 태엽을 감고, 그녀는 다시 살아난다. 하지만 마을의 분위기는 이미 돌아섰다…

이 이상 말하면, 결말까지 가기 전 여러 차례 등장하는 ‘진짜 놀라움’을 용서 없이 망쳐버리게 될 것이다. 다만 한 가지는 분명하다. 사건이 펼쳐지는 과정에서 마법과 사랑은 모두 중요한 역할을 한다. 다만 어쩌면, 우리가 익숙한 디즈니식 방식은 아닐지도 모른다.

이야기도 훌륭하지만, 이 작품의 가장 빛나는 보물은 음악이다. 포크풍 넘버, 러브송, 격정적인 발라드, 코미디 넘버, 빠른 대사처럼 쏟아지는 패터 송, 치솟는 선율, 복잡한 화성, 그리고 근사한 폴리포니까지—가장자리에는 아이리시 지그가 살짝 뿌려져 있다. 이 악보는 많은 현악기와 리드 악기, 목관을 동원한 완성도 높은 오케스트레이션을 갈망한다. 그럴 때 작곡이 지닌 자연스러운 힘이 가장 매혹적으로 풀려날 테니 말이다.

다만 현재 형태에서도, 웹본의 음악감독 아래 소규모 밴드와 20명에 달하는 출연진이 힘을 합쳐 악보가 지닌 본래의 힘과 매력을 충분히 느끼게 해준다. 무엇보다 중심 역할인 콘스턴스를 맡은 제니퍼 하딩이 가장 어렵고도 아름다운 음악을 아주 노련하게 소화해내며 큰 힘이 되어준다.

하딩의 목소리는 풍성하고 생기 있으며, 지지와 유지가 완벽하다. 탄탄한 벨팅과, 자유롭고 호화로운 고음도 갖췄다. 큰 넘버들을 정면으로 돌파하는 그녀의 노래를 듣는 즐거움, 그리고 그녀의 예술성과 열정적인 악보가 맞물리는 순간을 지켜보는 기쁨이 크다. 딕션도 흠잡을 데 없고, 모든 음에 정확한 분량을 부여하면서 모든 단어의 의미와 악보가 지닌 감정의 크기와 역학을 온전히 전달하는 드문 능력을 지녔다.

가창 실력에 더해, 연기 면에서도 하딩은 눈부신 컨디션이다. 톱니바퀴 같은 기계적 비인간성과, 마을 사람들과의 상호작용에서 피어나는 로맨틱한 영혼을 동시에 드러내며 ‘태엽 장치 존재’를 연기하는 일은 결코 쉽지 않다. 하지만 하딩은 이를 놀랄 만큼 훌륭하게 해낸다.

로버트 맥휘어는 특유의 능숙함으로 공연을 기술과 명료함을 갖춰 이끈다. 사실 이 작품은 크고, 서사적인 뮤지컬이다. 웅장한 무대에서 화려한 세트와 의상, 동화적 설정에 걸맞은 스케일까지 갖추면 가장 빛날 것이다. 그럼에도 맥휘어가 랜드어의 친밀한 공간에서 이만큼 잘 작동하게 만든 것은 분명 큰 공이다. 야심차고, 그 야심이 제대로 결실을 맺는다.

안무는 로비 오라일리가 탄탄하게 해냈고, 데이비드 실즈의 무대는 흥미롭고 장난기 있게 여러 장소를 훌륭히 환기한다. 시간과 시계장치의 감각이 세트 전반에 늘 присутств하지만, 지루하거나 진부한 방식이 아니다. 다만 리처드 램버트의 조명은 세트와 앙상블에 그다지 도움이 되지 못한다. 내가 관람한 날 스폿 조명이 하나 나갔던 건지, 그 부분은 꽤 이상하게 느껴졌다.

앙상블 전체가 엄청난 몰입도로 임하며, 특히 에밀리 피치, 라이언 린치, 캐스린 로라 에이킨, 폴 브래드쇼의 활약이 돋보인다. 앨리사 마틴은 아멜리아를 무척 사랑스럽게 그려내고, 2막에서 마을의 ‘무리 심리’에 맞서 도덕적 질문을 던지는 장면에서는 특히 인상적이다. 조용하지만 прият한 목소리가 그녀의 강한 성격과 대비를 이루며 효과를 낸다.

알렉스 스피니(헨리), 롭 맥매너스(글린 시장), 앨런 맥헤일(윌), 맥스 에이브러햄(샘)도 각자 역할에서 영감이 번뜩이는 순간들이 있고, 외형적으로도 역할에 잘 어울린다. 다만 전달력 면에서는 좀 더 자신감 있고 안정감 있게 다듬을 여지가 있다.

조 위컴의 마’ 라일리는 다소 지나치게 그로테스크한 희화화로 흘러, 캐릭터가 지녀야 할 애잔함과 중심을 충분히 전달하지 못한다. 딸 리애넌 역의 내털리 하먼은 위컴의 톤을 따라가는데, 이해는 되지만 그 결과 캐릭터의 복합성과 흥미가 다소 사라진다. 두 경우 모두, 확실히 ‘덜어낼수록 더 좋아지는’ 지점이 있다.

제목의 시계공 아브라함을 맡은 로런스 카마이클은 이 역할에 필요한 것을 충분히 가져오지 못한다. 노래하는 가사가 잘 들리지 않고, 상당히 자주 음정 문제가 눈에 띈다. 많은 설명과 감정적 토대가 그의 어깨 위에 얹혀 있는데, 통찰이 번뜩이는 순간들이 분명 있음에도 그 짐은 그에게 너무 무겁다.

부분적으로는 대본의 문제이기도 하다. 첫 솔로는 그가 부르기 전에 배경이 명확히 제시되지 않아 이해하기가 어렵고, 콘스턴스를 향한 그의 관심이 서사의 일부에서 꽤 섬뜩하게 쓰이기도 한다. 또 콘스턴스를 창조했고 작품의 가장 큰 반전을 여는 핵심 인물이면서도, 캐릭터 자체는 여러 면에서 친절하거나 호감 있게 그려지지 않는다. 그래서 미녀와 야수의 야수 같은 역할이 요구하는 섬세한 처리—하지만 야수가 서사에서 받는 ‘보상’은 없는—가 필요해진다. 또한 콘스턴스와 아브라함이 그들만의 특별한 관계에서 오는 기쁨을 분명히 보여주는 듀엣 넘버가 끝내 없다. 이런 요소들이 합쳐져 아브라함이라는 역할은 ‘엄청난 난제’가 된다. 하지만 소재가 이렇게 풍성하다면, 굳이 그 난제가 이토록 거대할 필요는 없다.

이 작품은 매혹적이고 몰입감 높은, 환상적인 뮤지컬로 가능성과 진실로 빛난다. 어떤 부분에서는 정면으로 맞닥뜨리게 하고, 또 다른 부분에서는 가슴을 찢어놓는다. 그리고 마법 같은 순간들로 가득하다. 잠재적으로, 진정 위대한 영국 뮤지컬이 될 수 있는 작품이다.

확실한 한 가지—시계공의 딸을 보는 동안엔 시간이 가는 줄 모를 것이다.

시계공의 딸은 랜드어 극장에서 7월 4일까지 공연된다