レビュー: コンサート版『ザ・ハイヤード・マン』、カドガン・ホール ✭✭✭✭✭

『The Hired Man』コンサート版

カドガン・ホール

2016年9月22日（木）

★★★★★

ここ数年、エドワード・セッカーソンをはじめ多くの人々が、ハワード・グダルは卓越したミュージカル作家であり、そしてその第一作『The Hired Man』こそが（現時点で）最高傑作だと世に向けて語り続けてきた。1984年にチャリング・クロス・ロードの、いまは姿を消したアストリア劇場でまずまずのロングランを果たして以来、この作品は英国各地で繰り返し上演され、さらに世界へも旅している。グダル本人もテレビでおなじみの顔となり、合唱音楽の分野でもキャリアを築きつつ、刺激的で風変わりで、興味深く思索的なミュージック・シアターを書き続けてきた。近作では爽快な『ベッカムに恋して』が記憶に新しい。一方で、この世の“セッカーソンたち”は、彼のデビュー作の偉大さを私たちに折に触れて思い出させ続けているのだ。

そして先週木曜、「Really Useful Group Ltd.との取り決めにより」（同社のアンドリュー・ロイド＝ウェバーが、当時のウエストエンド初演を強力に後押ししたことで知られる）、カドガン・ホールはこの作品の豪華なコンサート上演をステージに載せた。するとまたしても、なぜこの作品をミュージカル・シアターの最高峰の達成のひとつとして大切にすべきなのかを、私たちは目と耳で思い知らされることになった。ひと言で、息をのむ。むしろ装置や衣裳、照明や振付、そして劇場ならではの華やかな演出から解放され、コンサートという場で精密に“検証”されることで、その美点はいっそう鮮明に浮かび上がってくる。

そして、その美点の数々！ メルヴィン・ブラッグが原作小説を書き、グダルはその小説をもとに本作を作り上げた。さらに24歳の作曲家兼作詞家だったグダルに口説かれ、ブラッグ自身がミュージカル版の脚本（ブック）も手がけることになったという。今回の公演では、そのブラッグが舞台上に立ち、いつもながらの温かさと明快さでナレーションを朗読してくれたのがなんとも贅沢だった。一方、指揮台に立ったのは若きアンドリュー・リニー。ミュージカル界に鮮烈に登場し、注目度の高いクレジットを次々と重ねている才人である。彼はここでバンドと歌手陣を小気味よいテンポで牽引し、グダルの透明感ある音楽の肌理に、繊細な場面でさえも凛としたエネルギーを吹き込んだ。編成はピアノ、チェンバロ、ハープ、トランペットというグダルのオリジナルのスコアを基本に、弦セクションが厚めに補強されていた。

音楽構造の巧みさは、あらゆるナンバーで明らかだ。声と楽器の組み合わせが見事に調整され、世紀転換期のカンブリアを舞台にしたタレンタイア家の叙事詩的ドラマが順に立ち上がる。9人の主要キャストに加え、23人の充実したアンサンブルが歌唱パートを担った。主役を務めたのはジョン・オーウェン＝ジョーンズ。これまで数々の大役で示してきた、ミュージカル主演俳優としての堂々たる力を余すところなく発揮する。隣に立つ妻エミリー役のジェナ・ラッセルは、驚くほどのリアリティと複雑さを一瞬一瞬に宿した。ショーン・カーンズがタレンタイアの鋼のように厳しくも公正な雇い主を演じ、ナイジェル・リチャーズは主人公の快活な兄を担う。これだけでも十分すごい？ まだ続く。ほかのタレンタイア家の面々はスチュワート・クラーク、エヴリン・ホスキンズ、ジェームズ・ムーアが演じ、エミリーの友人サリー役にはジェシカ＝ルイーズ・パーキンソン。演出（ステージング）はサミュエル・ホプキンスが端正な哀感をもってまとめ、台詞のアクセント指導はコナー・ニーヴス。さらにバレット・ホジソンの映像投影とサラ・リードマンの照明が、魔法の仕上げとなった。

まさに夢のような顔ぶれで、響きも圧巻だ。これに触発されるように、実力派ぞろいのシニア・アンサンブル（たとえば『Children of Eden』でアダム／ノアを歌い、近頃も耳に残るスティーヴン・バリーの見事な声も含まれていた）に、レイン・シアター・アーツの若い声が加わり、全体として本当に壮大な歌唱が実現した。それらをシータ・ミストリーのサウンド・デザインが、驚くほど明瞭かつバランスよく引き出していたのも特筆したい。こうして体験全体が日常的な“劇場の時間”から持ち上げられ、かつての礼拝堂という場の助けもあってか、オラトリオの陶酔的な高みへと押し上げられていく。

この比喩は示唆に富む。小説の家族叙事を3時間の舞台に凝縮する以上、時系列はしばしば加速せざるを得ない。幕と幕の間には16年の大きな跳躍があり（若き情熱が誤解と過ちに翻弄され、やがて年齢がもたらす知恵と受容へと落ち着いていくという点で、同じく時間の飛躍をもつ『冬物語』を思わせる）、第二幕の途中では第一次世界大戦が、ほとんど反響を残さぬほどの勢いで駆け抜けていく。だが、これが問題になることは決してない。なぜならグダルの音楽が自らの時間を保ち、自らの物語を語るからだ。モティーフの情報やアイデア、管弦楽の色彩、声の個性を使い、再び使い、さらに繰り返し用いながら、散漫で広がりのある物語の要素を作品の調和ある建築へと統合していくのである。

グダルは、同じことを音楽的に5回、6回と続けて言ってみせることができる。そこには親しみと“分かる”感覚が生まれるが、彼は常に微細な、あるいは大胆な変化でその言葉を生き生きとさせ、物語の進行を絶えず前へ押し出していく。その結果、私たちは彼の語りにいつも「居場所」を感じながら、物語の細部を無理なく受け取り理解できるのだ。そこに、見事に磨き上げられた歌詞が加わって完成する。言葉は音符そのもののように音楽のテクスチャへ織り込まれ、彼は言語の音楽性――音色や響き、打楽器的・旋律的な効果――に徹底して敏感だ。この芸術の達人の手にかかると、英語は彼の交響的ヴィジョンのなかで、もうひとつの楽器となる。これほど高い水準で仕事ができるアーティストは、そう多くないだろう。ワーグナーにはできた。だが、音楽的な才能と文学的な才を、これほど崇高な美しさで結び合わせられる作曲家が他にどれほどいるだろうか。

だからこそ、過大評価どころか、エドワード・セッカーソンはもっと大きな声で“あの太鼓”を叩き続けるべきなのかもしれない。次にこの作品が観られるのは11月、Maidenhead Operatic Societyでの上演だ。待っていられる？