리뷰: 사랑의 측면, 사우스워크 플레이하우스 ✭✭✭✭

줄리언 이브스가 맨체스터의 호프 밀 시어터에서 런던 사우스워크 플레이하우스로 이전해 온, 앤드루 로이드 웨버(대본 각색), 찰스 하트·돈 블랙(가사)의 뮤지컬 Aspects of Love를 리뷰한다.

Aspects of Love의 펠릭스 모스와 켈리 프라이스. 사진: 파멜라 레이스 Aspects of Love

사우스워크 플레이하우스

2019년 1월 10일

별 4개

티켓 예매 요즘 앤드루 로이드 웨버의 뮤지컬들이 다시금 재조명되는 흐름이 뚜렷한데, 이번 작품 역시 그 반가운 ‘부활’ 목록에 또 하나를 더한다. 맨체스터 호프 밀 시어터에서 시작된 이번 프로덕션은 제작자 짐 키어스테드와 케이티 립슨이 원제작 극장과 긴밀히 협업해 훌륭하게 되살려냈고, 이제 남런던의 사우스워크 플레이하우스 무대로 당당히 자리를 옮겼다.  목요일 프레스 나이트에는 공동 작사가인 돈 블랙과 찰스 하트도 자리를 지켜, 최정상급 체임버 뮤지컬로 빛나는 재탄생을 직접 목격했다. 10명의 배우가 두 대의 피아노와 타악기 반주만으로도 얼마나 효과적으로 이야기를 풀어내는지, 보고 듣는 재미가 각별했다.  배우들 역시 같은 느낌을 받았는지, 누구나 이 작품이 ‘뮤지컬’이라기보다 모두가 노래하고—그리고 때때로 놀라울 정도의 효과로—춤추는 ‘연극’에 가깝다는 데 동의하는 분위기였다.

Aspects of Love의 제롬 프라동, 켈리 프라이스, 펠릭스 모스. 사진: 파멜라 레이스

이번 프로덕션에서 가장 먼저 시선을 사로잡는 것은 제이슨 덴비어의 아름다운 디자인이다. 우리는 ‘세트’라기보다 하나의 ‘환경’ 속으로 즉시 들어선다. 천장에는 나이트클럽 조명이 매달려 있고, 뒤쪽 벽면은 하얀 루버 도어로 채워져 있으며, 극장의 상징적인 정사각형 돌출 무대 가장자리는 카바레 테이블과 의자로 둘러져 있다.  큼직한 광고판 두어 개가 (수차례에 이르는) 장소 전환을 알려주고, 아론 J 두트슨의 조명은 시선과 분위기의 미세한 변화를 놓치지 않는다. 도심과 전원, 극장과 집, 열차 객실이나 해외의 군영까지—그리고 17년에 걸친 사랑과 상실의 서사가 쉼 없이 뻗어나가는 모든 지점을—앞뒤로 오가며 섬세하게 따라간다.  데이비드 가넷의 1955년 동명 소설을 바탕으로 한 이 작품에서, 흥미롭게도(그리고 늘 새로운 표현의 길을 찾는 예술가다운 선택으로) 로이드 웨버 본인이 대본을 각색했다.  가사—정말로 또렷하고, 아름답고, 명확한 문장들—는 그의 오랜 협업자 두 사람에게 맡겨졌다. 돈 블랙은 ‘Tell Me On A Sunday’의 친밀함을, 찰스 하트는 ‘오페라의 유령’의 오페라적 스케일을 가져온다.  그 결과 Aspects는 한쪽의 가까이 속삭이는 감촉과 다른 한쪽의 로맨틱한 드라마를 멋지게 융합해, 탁월한 효과를 낸다.

Aspects of Love의 마달레나 알베르토. 사진: 파멜라 레이스 이 작품은 1989년 프린스 오브 웨일스 극장에서 초연 당시 3년이라는 긴 기간을 성공적으로 달리며, 그 과정에서 마이클 볼을 스타로 만들었고 대중음악 레퍼토리에 들어갈 만한 훌륭한 신곡들을 대거 탄생시켰다.  이후 브로드웨이, 남아프리카공화국, 네덜란드 등 세계를 돌았고, 영국에서도 여러 차례 재공연되며 눈부신 캐스팅을 선보이기도 했다.  다만 작품 안에는 어딘가 더 개인적이고 섬세한 이야기가 숨어 있다는 인식이 있었고, 2010년 메니어 초콜릿 팩토리에서 트레버 넌의 버전이 그 가능성을 처음 보여줬다.  5년 뒤 로이드 웨버는 소규모 공연 버전을 직접 제작했고, 이제 호프 밀의 예술감독이기도 한 조너선 오보일의 손을 통해 그 에디션의 첫 프로덕션을 만나게 됐다.  런던에서는 리드 한 명만 바뀐 채 사실상 동일한 캐스트가 무대에 오르는데, 마달레나 알베르토가 킴벌리 블레이크를 대신한다.

Aspects of Love의 제롬 프라동과 마달레나 알베르토. 사진: 파멜라 레이스

그리고 우리는 이들의 캐릭터를 통해 이 이야기를 온몸으로 살아낸다.  알베르토는 이전 공연을 위한 준비 시간이 고작 2주였다고 믿기 어려울 만큼, 조각가 줄리에타 트라파니 역으로 위엄 있는 연기를 펼친다. 목소리는 압도적이며, 앞쪽으로 잘 모아지는 소리를 능숙하게 컨트롤해 모든 단어의 각 음절을 또렷하고 선명하게 전달한다. 한 구절 한 구절을, 마치 아름다운 피겨린을 빚는 예술가처럼 정성스럽게 다듬어 노래한다.  그녀가 노래하는 순간 관객의 마음을 훔쳐가며, 강렬한 서정성으로 우리를 들어 올린다.  반대편에서, 다소 거칠고 충동적이며 변덕스러운 배우 로즈 바이버트 역의 켈리 프라이스 또한 최상급이다. 그녀는 이야기 속에서 점점 더 커지고, 때로는 눈앞에서 순간순간 변모한다. 주변 사람들—특히 남자들—에 대한 마음과 헌신이 옮겨가고, 바뀌고, 발전했다가 무너지는 과정을 생생히 보여준다.  사실 이 작품은 두 여성의 이야기다.  흥미롭게도 최근 채링 크로스 시어터에서 재공연된 ‘The Woman In White’에서도 확인했듯, 로이드 웨버는 이 장르에서 여성에게 가장 뛰어난 드라마틱한 역할을 써주는 작곡가 중 한 명이다.  거대한 프로덕션의 화려함을 걷어낸 이번 버전에서는, 그들의 운명과 감정, 생각, 두려움과 희망이 그의 풍성하고 유려한 선율을 따라 이어지는 모든 미묘한 움직임 속에 정교하게 새겨져 있음을 보게 된다.

반면 남성 캐릭터들은 이 영웅들(?) 앞에서 사실상 조연으로 밀려난다.  로즈의 새로운 정복 대상인, 어딘가 어색하고 촌스러운 17세 소년 알렉스 딜링엄 역은 비교적 신예인 펠릭스 모스가 공감 가고 설득력 있게 그려낸다. 그는 훌륭한 목소리를 가졌고, 연기적 기술의 다른 면들을 발전시킨다면 앞으로 크게 성장할 것이 분명하다. 시간이 지나면 드라마적 역량도 자연스레 좋아질 테고(젊은 성악가들, 특히 남성들에게서 자주 보게 되는 과정이기도 하다).  다만 모스에게 더 어려운 과제는 17년의 세월을 건너 훨씬 나이 든 인물로 보이게 해야 하는 부분인데, 이건 결코 쉬운 일이 아니다.  한편 더 원숙한 인물인 조지 딜링엄 삼촌 역의 제롬 프라동은 세대 간 긴장을 유쾌하게 활용하며, 로이드 웨버의 가장 사려 깊은 순간들을 담고 있는 자신의 넘버를—이 트루프에서 가장 연장자이자 현명한 인물답게—세심하고 품위 있게 들려준다. 다만 때로는 캐릭터화의 초점이 살짝 흐트러지는 순간도 보인다.  마르셀 리샤르 역의 미날 파텔은 따뜻한 성음을 선사하고, 엘리너 월시는 제니 딜링엄을 놀랍도록 설득력 있는 ‘10대 팜므파탈’로 만들어낸다.  이 작품 속에서는 모두가 모두를 사랑한다… 그것도 가능한 한 가장 난장판스럽고 복잡하게.  실제로 옆집에 산다면 아마 피하고 싶을 타입들이지만, 블랙과 하트의 서정적 시어와 로이드 웨버의 황홀한 선율에 맡기다 보면, 어느새 우리도 저들처럼 살고 싶어져 버린다!

Aspects of Love의 펠릭스 모스. 사진: 파멜라 레이스

주요 인물들 주변에는, 줄리아 J 네이글의 엘리자베스, 제이슨 카즈디의 운동신경 좋고 민첩한 위고 르 뫼니에(및 다수 역할), 잭 처름스의 제롬(외), 엘리너 잭슨의 매력적인 웨이트리스·배우 등으로 구성된 아담한 앙상블이 자리한다.  이들은 영화라면 노련한 카메오 배우들이 맡았을 법한 배역들을 빈틈없이 채워, 중심 인물들의 삶을 둘러싸야 할 ‘현실감’을 만들어낸다.

음악은 음악감독(Richard Bates)이 훌륭하게 이끈다. 그는 경력이 풍부한 프로페셔널로, 두 대의 피아노 중 한 대를 맡아(다른 한 대는 톰 치펀데일이 연주하는데, 언제나 음악감독과 완벽히 한 몸처럼 들린다) 명료하고 지적인 연주를 들려준다. 제스 클라크의 타악기 효과도 사랑스럽다.  다만 업라이트 피아노(이번 프로덕션)와 그랜드 피아노(예컨대 채링 크로스의 최근 ‘미카도’)를 사용할 때의 차이는 분명히 존재한다.  이는 연주자들의 문제가 아니라, 이 음악의 퀄리티가 정말로 최고의 악기를 요구한다는 뜻이다. 하지만 베이츠와 치펀데일은 그런 악기를 제공받지 못한다. 극장에 공간이 없다고 말할 수도 있겠지만, 어차피 앰프를 쓴다면 피아노를 무대 밖에 두는 방식도 가능하지 않을까.  음악과 배우들의 사운드 운용 또한 아쉬움이 있다. 사운드 디자이너 제임스 니컬슨은, 우리들이 공연 후 바에서 축하를 하러 나간 뒤에도, 눈에 띄게 티가 나는 기술적 문제 몇 가지를 여전히 고치느라 분주했다.  조속히 정리되길 바란다.

전체적으로 보자면, 오보일은 인물들 사이의 ‘플레이’가 자유롭고 편안하며—무엇보다—즉흥적이고 자연스러울 때, 그리고 드라마의 정확한 윤곽에 현미경처럼 정교하게 맞물릴 때, 참으로 행복한 순간들을 많이 만들어낸다. 그 드라마의 까다로움은 거의 체호프적이라고 할 만큼, 평균적인 뮤지컬의 대본을 훨씬 넘어선다!  동시에, 동선(블로킹)은 보이지만 실행의 디테일이 그만큼 따라오지 못하는 순간들도 적지 않다.  사우스워크 플레이하우스의 무대에서는 그런 빈틈을 숨길 방법이 없다.  정말로 배우들이 할 일을 기다리며 서 있는 듯 보이는 때도 있다.  우리는 이를 어느 정도 용서하게 되는데, 결국 악보와 가사의 마법이 그런 정적을 곧 구해낼 것임을 알고 있기 때문이다.  샘 스펜서-레인이 안무적 역량을 제대로 펼칠 기회를 얻는 순간(사실상 2막의 단 한 곡에서 그것이 제대로 날아오르는데, 그 장면은 놀라울 만큼 훌륭하다)이 오면, 무대에는 절실히 필요했던 역동성이 더해진다.  어쩌면 이런 에너지가 다른 곳에서도 더 많이 존재해도 좋았을 것이다—그리고 분명 좋은 효과를 냈을 것이다.  공연이 진행될수록 이런 ‘틈’들이 채워지고, 프로덕션이 지향하는 비전이 더 완전하게 구현되며 풍성해지리라 상상해 본다.  적어도, 그렇게 되기를 바란다.

그럼에도 종합하면, 이는 훌륭한 성취다.  이 작품은 앤드루 로이드 웨버가 이 나라에서뿐 아니라, 어느 곳 어느 시대를 놓고 보아도 뮤지컬 씨어터의 가장 놀랍고 기억에 남는 창작자 중 한 명임을 다시 한 번 깨닫게 한다.  이번 프로덕션은 그 사실을 새롭게 환기시키는 아름다운 무대이며, 그의 창조적 상상력이 빚어낸 소중하고 짜릿한 세계로 우리를 실어 나른다.  이 작품을 보고 나면, 로이드 웨버의 음악은 며칠, 몇 주 동안 귀에 맴돌 것이다. 그리고 영국 뮤지컬계의 거장 작사가 돈 블랙과 찰스 하트가 써 내려간 우아하고 정교한 단어들이 그 울림과 함께 오래 붙어 다닌다.

2019년 2월 9일까지

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