리뷰: Murder For Two, The Other Palace Studio ✭✭✭✭

에드 맥아더와 제러미 리갓, Murder For Two에서. Murder For Two

디 아더 팰리스 스튜디오

2017년 3월 6일

별 4개

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이 프로덕션의 가장 크고도 핵심적인 성취는, 제러미 리갓과 에드 맥아더가 두 사람만으로 만들어내는 ‘2인극의 묘기’에 있다. 두 배우는 노래하고, 연기하고, 춤추며, 동시에 피아노까지 연주하는 듀오로서 눈부신 기량을 과시한다. 만약 (예를 들어) 페리스와 밀네스 같은 사람들이 갑자기 자신들의 뛰어난 재능을 마음껏 펼치도록 설계된 한 편의 쇼 전체를 통째로 맡게 된다면 어떤 모습일지 궁금했다면, 답은 바로 여기 있다. 탐정물의 골격은 열두 곡에 달하는 멋진 넘버들을 완벽히 감싸며, 리갓과 맥아더는 곡예에 가까운, 정신없이 유쾌한 건반 묘기를 쉼 없이 쏟아낸다. 이 황홀한 장면들만으로도 티켓값은 충분히, 아니 그 이상으로 정당화된다. 실제로 이 둘과 견줄 만한 무대를 어디에서도 찾기 쉽지 않을 것이다.

연출가 루크 셰퍼드(초연을 뉴베리의 워터밀 시어터에서 올린 뒤 이 작품을 디 아더 팰리스 스튜디오로 옮겨온 프로듀서 폴 테일러-밀스와 다시 한번 호흡을 맞췄다)는 작은 스튜디오 무대 위에서 뮤지컬 넘버들을 놀라울 만큼 세련되고 정밀하게 구성해낸다. 오랜 시간 공들여 찾은 끝에, 서로 완전히 다른 경로로 이 작품에 합류한 두 배우는 환한 유머와 즐거운 장난기 속에서 서로의 매력을 한껏 살려준다. 리갓은 악보를 바탕으로 자신의 피아노 파트를 익혔지만, 맥아더는 전적으로 귀로 연주하며, 손이 건반을 치는 영상을 수고롭게 분석해 자기 파트를 공부했다. 놀랍게도 음악감독(MD) 톰 애트우드는 이처럼 전혀 다른 감각을 하나로 융합해, 두 사람이 마치 처음부터 한 몸처럼 자연스럽게 들리도록 해냈다. 넘버들의 완성도는 황홀할 정도로 즐겁고, 오래도록 ‘내가 이걸 직접 봤다니’ 하고 기꺼이 감탄하게 될 경험이다.

제러미 리갓과 에드 맥아더, Murder For Two에서

사실, 이 쇼가 본질적으로 필요한 것은 바로 그것뿐이다. 오히려 이 작품은 블랙박스 스타일의 무대, 예컨대 거울로 된 후면 벽과 피아노를 위한 회전무대가 더 잘 어울릴 것처럼 보일 때가 많다. 그 밖의 모든 것—정말로—은 두 퍼포머의 상상력으로 만들어진다. 한 배우는 사건을 수사하는 경찰을 연기하는데, 그 경찰은 또 상급 형사를 흉내 내고 있고, 다른 배우는 기묘하게 복잡한 살인사건의 ‘용의자’들을 끝도 없이 연기한다. 실제로 이 쇼는 종종 그런 미니멀한 방식으로도 올려진다. 오프브로드웨이 장기 공연은 비교적 단순하고 담백하며 깔끔한 선의 접근을 택했는데, 그것이 어째서 그 엄청난 성공에 기여했는지 쉽게 짐작할 수 있다.

어떤 이유에서인지, 이번 프로덕션은 다른 길을 택했다. 가브리엘라 슬레이드의 ‘낡은 듯한 자연주의’ 무대는 각종 소품으로 가득 차 있는데, 어떤 것은 활용되고 어떤 것은 그렇지 않지만, 이 아늑한 공간에서는 그 모든 것들이 합쳐져 강한 사실감을 만들어낸다. 그러나 대본의 언어는 사실주의와는 거리가 멀다. 이 2인극에서 한 배우(리갓)는 끊임없이 캐릭터를 전환해야 하는데, 슬레이드가 공들여 완성한 정교한 주변 환경과는 좀처럼 편안하게 맞물리지 않는다. 실제로 무대화와 퍼포먼스 사이의 접점 부족은 특히 줄거리 중심으로 길게 이어지는 1막에서 두드러져, 이야기에 정을 붙이거나 결말에 관심을 갖기가 쉽지 않다.

제러미 리갓과 에드 맥아더, Murder For Two에서.

여기에 더해, 뮤지컬을 대하는 미국의 관계는 우리와는 매우, 매우 다르다. ‘The Drowsy Chaperone’과 마찬가지로, 이 작품은 뮤지컬 극장에 대한 국가적 집착과, 거의 ‘국민 예술’이라 불러도 될 만큼 장르에 바치는 애정 어린 존중 위를 달린다. 하지만 미국에서 널리 통용되는 그 매체에 대한 공통의 믿음은, 이곳에서는 그대로 적용되지 않는다. 영국에서 뮤지컬은 여전히 다소 ‘별종’처럼, ‘정통’ 연극의 한 단계 아래쯤 되는 존재로 여겨지기도 한다. 브로드웨이에서 대극장으로 3년간 공연하며 거대한 성공을 거둔 ‘In The Heights’와, 테일러-밀스와 셰퍼드가 사우스워크 플레이하우스 프로덕션을 킹스 크로스의 더 작은 공간에서 올리기 위해 얼마나 고된 싸움을 치러야 했는지를 비교해보면 도움이 될 것이다. 당초 4개월로 편성됐던 공연은, 작품의 탁월함에 대한 의지와 신념만으로 여러 차례 연장되어 결국 15개월이라는 훌륭한 기간을 채웠다. 그리고 ‘In The Heights’는 이 기묘한 작품보다 훨씬 ‘팔기 쉬운’ 타이틀이다.

관객을 찾는 과제는, 이야기를 들려준다기보다 이야기를 해체하는 데 가까운 엔터테인먼트일수록 더 커진다. 우리가 보게 되는 것은 (뮤지컬 코미디라고 홍보되긴 하지만) ‘전통적인’ 뮤지컬 코미디라기보다는, 편견과 안락한 익숙함을 향해 달려드는 스티븐 버코프식의 공격에 더 가깝다. 기억하라: 제목이 말해주듯 무대 위에는 단 두 사람뿐이다. 그렇다면 그 둘은 누구인가? 영국 관객에게 이 작품을 설득하려면, 버코프와 조앤 콜린스의 ‘Decadence’ 같은 스타일로 제시하는 방식을 상상해볼 수도 있겠다. 이 작품에는 비슷한 종류의 광기, 단절감, 무정부적 에너지, 자기만족적 소동이 충분히 있다. 그런 무대 언어는 이 작품의 수많은 특이점과 이곳 관객 사이의 간극을 메우는 데 꽤 도움이 될지 모른다. 또한 그것은 삶과 죽음이 걸린 이야기—기만, 배신, 욕망, 탐욕, 복수 등—에 어쩌면 필요한 ‘날’을 소재에 더해줄 것이다. 그런데 여기서 대본은 마치 우리를 앤디 하디의 세계로 밀어넣으려는 듯, 홍차 한 잔과 훔친 아이스크림 같은 엉뚱하고 몽롱한 농담들을 던진다.

그렇다면 조 키노시안의 경련할 만큼 밝고 쾌활한 음악과, 켈런 블레어의 또렷하고 지적으로 자극적인 가사가, 디 아더 팰리스에서 우리가 마주하는 먼지 낀 필름 느와르풍 실내보다 과연 더 ‘제자리를 찾을’ 수 있을까? 단언하기는 어렵다. 두 송라이터가 대본(북)까지 함께 만들었는데, 미국에서는 그것이 전혀 해가 되지 않은 듯하다. 다만 영국 관객에게도 그만큼 직접적으로, 그리고 매력적으로 다가갈지는 두고 볼 일이다. 연극적으로는 상당히 정적인 편으로, 대사가 많고 행동은 사실상 거의 없다. 조명이 가끔 깜빡이는데(왜인지는 크리스 위더스에게 물어보시길), 네 번째 벽을 넘나드는 캠프하고 ‘아는 척’하는 수다가 이어진다. 물론 2막 중반쯤 꽤 흥미로운 일이 벌어지긴 하고, 그것은 대단히 사랑스럽지만, 동시에 다른 부분의 사건성 부족을 더 도드라지게 만들기도 한다. 하지만 괜찮다. 작가들의 지극히 창의적이고, 눈부시게 편곡된 노래들은 당신을 놀라게 하고 기쁘게 만들 것이다. 노래를 위해서라도 가서 즐겨보라. 이런 종류의 자기만족이 당신을 해치진 않는다.

사진: 스콧 라일랜더

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