CRÍTICA: Mary, Hampstead Theatre ✭✭✭

A nossa própria theatreCat Libby Purves analisa a peça Mary, de Rona Munro, no Hampstead Theatre.

Douglas Henshall, Rona Morison e Brian Vernel. Foto: Manual Harlan Mary

Hampstead Theatre

3 Estrelas

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Durante quatrocentos anos, a reputação de Maria, Rainha dos Escoceses, tem sido disputada:  já lhe chamaram vítima e prostituta,  assassina e heroína,  leviana e corajosa. O romantismo floresce no drama e na ópera: era uma jovem mãe, bela,  aprisionada e, por fim, executada pela sua prima Isabel I.  Os dramaturgos costumam concentrar-se nesse último período e em encontros imaginários entre as duas mulheres.  Mas aqui Rona Munro foca-se noutro momento da vida de Maria,  com um olhar moderno e feminino.  A sua paixão histórica iluminou a Escócia e depois o palco do National Theatre há alguns anos com as três “James Plays”, sobre os três primeiros reis com esse nome no séc. XV (há uma quarta peça, que ainda não chegou cá ao sul).

Rona Morison como Agnes. Foto: Manuel Harlan

Mas nesta peça estática mas poderosa, de 90 minutos, em que a própria Rainha está fora de cena, excepto por dois breves vislumbres, Munro concentra-se no período anterior à sua abdicação forçada, em 1567.  O seu marido, Darnley, foi assassinado pelo brutamontes Conde de Bothwell.  Porém, em poucas semanas, Maria — católica, o que gerava inquietação na Escócia recentemente protestante — casa com ele sob ritos protestantes. Por um breve período isso deu-lhe poder, antes de ser derrubado. A peça abre com um criado da corte, Thompson,  acabado de ser espancado por Bothwell, enquanto o velho conselheiro paternal da Rainha, Melville  (Douglas Henshall), diz ao jovem para se limpar e não a assustar, pois ela já está amedrontada.  A terceira pessoa na sala é Agnes,  uma devota entusiasta protestante com pouca paciência para Maria.

Voltamos a encontrá-los meses depois, após a queda de Bothwell, no Palácio de Holyrood, para um longo — por vezes extenuante — embate argumentativo ao estilo de tribunal, em que Thompson e Agnes atacam Melville (figuras imaginadas, mas que representam as paixões políticas e religiosas da época).  Precisam da assinatura dele para a abdicação e a desgraça dela,  insinuando que o casamento com Bothwell deve ser rotulado como traição de meretriz e como culpa pela morte do marido.

Brian Vernel e Rona Morison. Foto: Manuel Harlan

Melville,  que esteve próximo da sua corte durante o período do rapto,  está convencido de que ela foi violada,  sem nunca consentir — atacada, forçada e silenciada. Agnes, de Rona Morison, pilar de um juízo inflexível e de rectidão,  verte desprezo feminino sobre a Maria ausente,  concluindo que, mesmo que tenha sido violada, acabou por gostar e ter sido conivente. Thompson, de Brian Vernel, é pura política,  em staccato, a empurrar o cada vez mais perturbado e defensivo Melville, exigindo pormenores como um advogado de acusação.  O homem mais velho, odiando voltar a contar o que aconteceu à rapariga que conhecia desde a infância, é pressionado a descrever a agressão — pública, perante nobres a bramir, ouvida por ele na sala ao lado.  E, de forma devastadora, a admitir a calma dela depois:  sem pedir ajuda,  sem indignação visível. Isto, à medida que a discussão aquece, é naturalmente usado contra ela.

Rona Morison, Douglas Henshall e Brioan Vernel. Foto: Manuel Harlan

Munro está a sublinhar um ponto muito contemporâneo sobre o trauma e a auto-culpabilização após agressões deste tipo.  Melville sabe o que sabe, mas vai perdendo, lentamente, a firmeza: Munro disse que quer retratar os homens que deixam estas coisas impunes,  e os últimos minutos desta cena fazem-no sem dúvida. A atitude de vergonha subtil de Henshall surge com nitidez. Mas ele é um político e um patriota: o futuro da Escócia, a possibilidade de paz sob uma Regência, estão em jogo.  Em contrapartida, quanto mais Agnes ouve sobre o que quase de certeza aconteceu a outra mulher,  mais a sua mente muda na direcção oposta.  E, envergonhada, acrescenta uma memória horrível da sua própria disponibilidade para assistir impávida quando Maria foi feita prisioneira e clamou, desgrenhada, de uma janela, no meio dos seus captores masculinos. Morison é aqui de um poder arrepiante.

É um bom tema,  e a escrita é incisiva. Mas é uma combustão lenta e longa, estática, pouco dramática até ao último terço. Ainda assim, a plateia manteve-se num silêncio tenso,  chocada. Suponho que esse era o objectivo. O desfecho é súbito e teatral: de repente, um coro — creditado no programa — recorda-nos que, para lá de argumentos apertados em salas pequenas, há um sentimento popular confuso e furioso e um país para salvar.

Em cena até 26 de novembro. Hampsteadtheatre.com