CRÍTICA: The White Feather, Union Theatre ✭✭✭✭✭

David Flynn em The White Feather. Foto: Scott Rylander The White Feather

Union Theatre

18 de setembro

5 estrelas

O General Sherman disse uma vez, e ficou célebre, que “a guerra é um inferno”. E, por isso mesmo, é perfeitamente compreensível que seja um verdadeiro desafio retratar no palco o horror e a complexidade da guerra. As produções que o tentam fazer podem facilmente resvalar para o patriotismo exibicionista e unidimensional, ou para um tom moralista e excessivamente idealista nas suas mensagens.

The White Feather consegue caminhar nessa linha muito ténue; é por isso que é um triunfo e merece todos os elogios que lhe têm chegado. A história acompanha uma aldeia de East Anglia, Upton Davey, enquanto tenta lidar com as pressões e a instabilidade da Primeira Guerra Mundial. Homens de todas as classes sociais são recrutados e coagidos a contribuir para o esforço de guerra, incluindo o menor de idade Harry Briggs.

A guerra cobra o seu preço e o jovem Harry é executado por ‘cobardia’ (muito provavelmente sofria do que hoje reconheceríamos como PTSD). A sua irmã Georgina fica a braços com o estigma social imposto pelas viúvas de guerra ‘verdadeiras’, à medida que se vão revelando as circunstâncias por detrás da morte de Harry. Entretanto, o rico proprietário de terras, Sr. Davey, é obrigado a esconder a sua relação homossexual com um dos seus funcionários e luta para aceitar as suas perturbadoras experiências de guerra.

O texto, de Ross Clark e Andrew Keates, é imensamente estimulante e cheio de camadas, incorporando com fluidez temas maiores como género, sexualidade, classe e política. Seja a injustiça de Davey — educado mas sem esperança — a saltar etapas até ao posto de oficial, seja a angústia vivida pelos aldeões homossexuais, torna-se claro que a vida na aldeia é muito mais fraturada do que parece à primeira vista. Para além de rica em drama, a escrita também soa adequada ao período, com uma atenção cuidada ao detalhe histórico.

A peça é intrinsecamente política, mas de um modo ternurento que coloca as personagens e as suas histórias em primeiro lugar. Mostra todos os lados da guerra; sim, pode unir pessoas, mas também pode rasgar comunidades, quer através de traumas físicos como o choque de guerra, quer através da dor emocional de perder quem se ama. Uma segunda parte mais sombria é ainda mais abalada por duas reviravoltas verdadeiramente inteligentes, que oferecem uma perspetiva renovada sobre o espetáculo e as personagens.

David Flynn e Abigail Matthews em The White Feather. Foto: Scott Rylander

A partitura é realmente excelente, com uma série de números arrebatadores, sustentados por uma banda de três músicos, com forte presença de cordas. Set Them In Stone, uma canção dura e ao mesmo tempo lírica, com harmonias maravilhosas, foi a minha favorita — mas havia muitas canções fantásticas por onde escolher, todas bem interpretadas e carregadas de emoção. Um número particularmente inspirado foi Harry’s Letter; a letra foi retirada da carta militar censurada de Harry, e as supressões foram refletidas por uma interrupção na música.

Abigail Matthews é doce, mas firme, como a dedicada irmã que se torna ativista, Georgina Briggs. Tem uma voz poderosa e abriu a segunda parte de forma fulminante com a sua balada a solo My Little Boy, Harry. Está à altura de David Flynn no papel de Sr. Davey, que oferece uma interpretação sensível e comovente de um homem dividido entre a sua sexualidade, o sentido de dever e a crença na ‘ordem natural’ do sistema de classes. O Sr. Davey surge como uma espécie de vilão e, ainda assim, mantém-se simpático e digno de empatia; muito disso se deve a uma prestação vocal e de interpretação muito forte por parte de Flynn.

Adam Pettigrew é dolorosamente triste e abatido como o traumatizado Harry, e Zac Hamilton é atrevido, mas sincero, como o companheiro masculino do Sr. Davey, Edward. O solo de Hamilton, We Buried a Good Man Today, é devastadoramente triste, à medida que um Edward em lágrimas tenta aceitar a sua perda; está, de facto, maravilhosamente interpretado. Dito isto, a personagem não foi fácil de definir e pareceu transformar-se de simulador para objetor de consciência por convicção com demasiada rapidez.

Também merece destaque Christopher Blades, que interpreta várias personagens e cujos tons operáticos e sonoros dão o arranque à produção. Foi um trabalho de ensemble brilhante e, embora tenha havido uma ou outra fala tropeçada, isso inevitavelmente será limado ao longo da temporada.

A encenação é consistentemente boa, culminando numa cena final de cortar o coração e executada na perfeição, em que todos os elementos se juntam de forma exemplar. Não consigo avaliar devidamente os sotaques de East Anglia apresentados, mas soaram autênticos — mérito, portanto, para a preparação de dialecto de Sarah Stephenson. A iluminação de Neill Brinkworth é cuidadosamente pensada, com os tons resultantes de amarelo e castanho caqui a criarem o efeito certo.

O cenário temporal da peça vai mudando ao longo do espetáculo — no Ato Dois passou de 1918 para 1947 para 2006 e depois voltou a 1949 no espaço de quinze minutos! Embora isto seja usado com grande eficácia, talvez se pudesse ter feito mais para assinalar essas mudanças, já que o elenco e os adereços não ‘envelheciam’ de forma visível — foi fácil acompanhar com o programa na mão, mas talvez fosse útil maior clareza para quem não o tivesse.

The White Feather é tudo aquilo que o teatro musical deve ser — vai fazê-lo pensar profundamente sobre coragem, guerra e a natureza da humanidade até ao caminho de regresso a casa. Se houver justiça, esta produção empolgante terá uma temporada mais longa ou uma segunda casa, para alcançar o público mais vasto que merece.

The White Feather está em cena no Union Theatre até 17 de outubro de 2015