RECENSION: Drowning On Dry Land, New Wimbledon Theatre Studio ✭✭✭✭✭

Drowning On Dry Land

New Wimbledon Theatre Studio

Fredag 21 april 2017

5 stjärnor

Det lilla studioutrymmet som ligger undangömt vid sidan av det enorma New Wimbledon Theatre håller snabbt på att bli en av de mest värdefulla juvelerna i kronan för ATG:s återupptäckt av glömda eller förbisedda klassiker och utvecklingen av nyskriven dramatik. Med en repertoar som tål att jämföras med vad som helst på till exempel Trafalgar 2, har denna enkla ”black box”-scen återigen blivit platsen för ett betydande återseende av en av de främsta skapelserna av en av landets ledande levande dramatiker. Alan Ayckbourns bittersöta, tjekhovska tragikomedi från 2004 om kändiskulturen slår ner på Londons teaterscen med en andlös kraft och en bländande virtuos teknik. Även om West End och National Theatre på senare år har återbesökt etablerade – och populära – pjäser av Ayckbourn, har de inte visat oss något som är riktigt så här bra.

Så, vem ligger bakom denna superprestation? Det kan intressera läsarna att veta att den brittiska teatern – inte för första gången – vänder sig till skådespelarna för sin frälsning. I det här fallet axlar Martin Rossen (just nu aktuell i ensemble för 'An Inspector Calls') rollen som producent tillsammans med David A Ambrose, medan den legendariske Paul Tate står för regin. Vi bör genast påpeka att ingen av dessa herrar har gjort detta tidigare; de gör sin debut i dessa nya funktioner. Och de har inte valt ett ”lätt” stycke att börja med. Faktum är att de knappast kunde ha valt en svårare pjäs att ta sig an. Detta är ett av Ayckbourns mest tonalt överraskande och instabila verk; tekniskt sett är det också ett av hans mest sparsmakade men samtidigt mest intrikat skrivna, där till synes tunn dialog kombineras med ett komplext intrigbygge. Här antyds ofta motivation och reaktioner endast genom de mest subtila skiftningar, antydningar eller betydelseskuggor. Trots allt prat är tystnaden ofta mer vältalig än orden, upprepningar betyder aldrig samma sak, och brutna, ofullständiga fraser landar som en knytnäve i bordet.

Det utgör en skrämmande utmaning för skådespelare. En av anledningarna till att den inte spelas så ofta är nog att man måste rollbesätta den – och spela den – som man skulle göra med Sheridan eller Congreve. Teaterledningar ryggar ofta tillbaka inför ett sådant hinder; det finns för mycket som kan gå snett. Tidigare verk av Ayckbourn är däremot till synes enklare material där skådespelare kan rollbesättas enligt sina ”fack”. Och det är ofta det som sker. Tvådimensionella pappfigurer travar ut, läser sina repliker och försvinner. Visst har vi på senare år sett tillräckligt många sådana nyuppsättningar, fyllda med skådespelare som aldrig får chansen att göra verket rättvisa utan tvingas projicera en katalog av intetsägande schabloner?

Det här är däremot, i bjärt kontrast, vad Ayckbourn kan vara i rätt händer. Tate och Rossen har samlat en ensemble som är perfekt lämpad för karaktärerna i denna sjabbiga historia om kändislivets intriger. Det är ett av produktionens många genidrag att låta den utbildade sångaren Blair Robertson spela huvudrollen som Charlie Conrad: en medieprodukt, en nolla i egen kraft, en man som blivit berömd för att vara en ständig förlorare. Han är övernaturligt inkompetent, okunnig och likgiltig inför sina egna begränsningar, och Ayckbourn ger honom skrämmande långa monologer av till synes svamlande oviktigheter. I sämre händer skulle denna karaktär bara upplösas i ett moln av fånighet. Men Robertson vet hur man hanterar rollen: han behandlar karaktärens tal som oändligt roterande arior av Händel eller Mozart, där melodier splittras i sina beståndsdelar för att sedan granskas, siktas, undersökas och packas undan med kylig men ändå djupt mänsklig omsorg. På så vis skänker han karaktären en intelligens som balanserar hans slående fysiska närvaro, och får publiken att tro på att denna person kan vara både (a) populär i berättelsens offentliga ljus och (b) navet i detta långa drama.

Hans maka, Linzi, spelas av den fascinerande Janine Pardo. Hon börjar berättelsen som den kapabla organisatören av sin framgångsrike makes liv, men har blivit alltmer frustrerad och understimulerad i den rollen. Hennes resa är dynamisk och inspirerande när hon gradvis frigör sig själv. Charlies problem är att han aldrig riktigt vet vem han är, och därför aldrig riktigt förstår vem någon annan är heller. Inklusive kvinnan han är gift med. Oförmögen att kommunicera detta, ens till sin elegante agent Jason (spelad med pondus av Malcolm Jeffries), sträcker han sig klumpigt ut, först mot den sluga kändisjournalisten Gale Gilchrist (en alltför trovärdig och febrig Louise Devlin), och därefter ödesdigert mot den falskt oskyldiga mimaren Marsha Bates (Olivia Busby, vars Salome-liknande avtagande av slöjor och förklädnader genom produktionen är en av dess absoluta höjdpunkter).

Som medhjälpare i denna trassliga väv av relationer finns ett par kändisadvokater. Först den snitsige och obeveklige Hugo (Philip Gill, som mjölkar sin enda fantastiska scen på varje läcker vändning och stämningsskifte, och som hotar att stjäla hela föreställningen i den ”skenrättegång” som inleder andra akten), och sedan hans något mindre effektiva men tolererade sparringpartner Simeon Diggs (John Craggs, som underbart nog slutar med att göra lika mycket skada för sin klient som motståndaren Hugo). De fyra sinnrikt konstruerade akterna utspelar sig på samma herrgårdsterrass utanför det Conradska residenset och punkteras av de sista två rollerna i denna klassiskt sinnade ensemble på nio: Frida Strom är ”Laura” och Ellie Ward är ”Katie”. De är två livliga flickor som inleder och avslutar varje fas i dramat (utom dess slut) genom att rusa runt som ett par skrikande harpyor. Utan begripligt tal, begränsade till skratt, fniss, rop och flämtningar, är deras effekt brutalt aggressiv och helt avgörande för att etablera den hårdhet som ligger under Charlies tillsynes skyddade och pittoreska tillvaro.

Andra karaktärer nämns vid namn men dyker aldrig upp: paret Conrads barn, vars kalas är orsaken till att den destruktiva katalysatorn Marsha anländer (barnunderhållaren som delar efternamn med ägarna till ett visst ökänt motell); och där finns Gales flickvän som säljer droger, vars åtal och fängelsevistelse slutligen blottar Gales hjärta och visar en själ som kämpar med sin sårbarhet med en ärlighet som Charlie helt saknar. Hugo, som använt ett avslöjande om sin egen homosexualitet som vapen för att knäcka Marshas fall, avslöjar senare Imogen för oss, som vi antas tro är hans fru. Alla karaktärer runt Charlie rationerar noga hur mycket vi får veta om dem, vilket understryker hans egen oförmåga att kontrollera sin livsresa med samma precision. Varje element i pjäsen är nödvändigt: ta bort något och berättelsen blir lidande. Om det finns där, är det för att det behövs. Detta är dramatik av högsta klass.

Föreställningen presenteras på en enkel men snygg scenografi av Natalie Foy, kostym (som sitter som en smäck) står Emily Howard för, och Tom Coombs levererar en anspråkslös men effektiv ljus- och ljudbild.

Om det finns någon punkt där texten kanske får övertaget över sina tolkare, så är det möjligtvis i slutavsnittet där Charlie tycks försvinna helt. Men allt detta är förberett. Han talar faktiskt utförligt om just detta ämne tidigare i pjäsen, i sin mest fokuserade och introspektiva stund, där han för ett ögonblick tycks förstå vad hans liv handlar om. Men vid det laget har publiken redan sett flera andra karaktärer ”försvinna”: vissa har glidit iväg, andra har stigit in i den berömmelse som huvudpersonen en gång åtnjöt. I slutändan handlar det om att ”finnas där” – kanske lika mycket en fråga om godtycklig slump som något planerat eller önskat. På detta sätt avslutar Ayckbourn sin märkligt rörande och vackra tragikomedi om vår moderna tid. Tack och lov att Rossen och Tate finns där för att öppna upp den för oss igen.

Denna pjäs spelades under en enda vecka på New Wimbledon Studio. Om någon önskar förlänga dess spelperiod, vänligen kontakta producenten via hans bolag, Bournyack Theatre Company.

Foton: Paddy Gormley

LÄS MER OM BOURNYACK THEATRE COMPANY