ANMELDELSE: Falstaff, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Falstaff

Arcola Studio 1

18/08/15

5 stjerner

‘Folk tager fejl, når de siger, at opera ikke er, hvad det har været. Det er præcis, hvad det har været. Det er dét, der er problemet.’ Noël Coward Da en journalist sent i Verdis liv bad ham definere sin teori om teatret, svarede han blot: ‘Et fyldt et’. Jeg kan forestille mig, at han ville have været særdeles tilfreds med både præstationerne og den udsolgte sal til Fulham Operas opførelse af hans sidste opera Falstaff (1893). Verdi var ikke teoretiker, men en praktisk mand af teatret, og denne opsætning emmede af netop den ånd – en gammel kending blev behandlet med fuld respekt for det musikalske, men åbent for nye koncepter for at tiltrække et nyt publikum. Dette er især nødvendigt i komedier med en specifik historisk ramme. Efter Monty Python og Blackadder er det ikke rigtig muligt at præsentere denne type opera i fuld middelalder-mundering uden en ironisk vinkel; derfor er det i mange henseender bedre at rive den ud af tiden og genfortælle den i en helt anden periode, eller i moderne tøj – som her – hvor den i virkeligheden bliver til The Merry Chavs of Windsor. Resultatet er et af de bedste beviser på Grimeborn-festivalens eksistensberettigelse i denne sæson og en vidunderlig afvisning af Cowards citat øverst i anmeldelsen.

Studio 1 på Arcola kan være en vanskelig scene: selve spillearealet er ret lille, især når der også skal være plads til musikere; og hvis meget af handlingen foregår på den hævede hems, vil mindst en tredjedel af publikum have begrænset udsyn. Det første, man må fremhæve ved denne fremragende produktion, er, at den udnytter teatret yderst tilfredsstillende og minimerer dets begrænsninger.

Der er en flydende dynamik i karakterernes bevægelser, både individuelt og i grupper, hvilket siger alt om instruktør Daisy Evans' erfaring og fleksibilitet. De sublime karakterer Bardolph (Oliver Brignall) og Pistol (Antoine Salmon) farer over gangbroer midt blandt publikum og skaber en utrættelig energi, alt imens de leverer præcise vokale præstationer. Omkring det ene faste punkt – baren på Garter Inn – kommer og går møbler og rekvisitter med lethed, så der altid er plads nok at arbejde på. Der er også meget mere dans end normalt. Jeg har aldrig tænkt på denne opera som havende det store koreografiske potentiale, men der er nu masser af episoder, som det bliver svært at forestille sig uden disse billeder for øje – Falstaffs letfodede minde om sin ungdom som page og en disco-finale i tredje akt er blot to eksempler, der skiller sig ud.

Et hæsblæsende tempo er altafgørende, fordi det kreative team besluttede at køre de første to akter sammen, hvilket medfører en meget lang første halvdel på omkring 100 minutter. At den passerer så hurtigt og mindeværdigt, skyldes naturligvis hele holdet, men måske mest af alle pianisten Jonathan Musgrave, som modtog et velfortjent bifald ved aftenens afslutning. Repetitører får stadig ikke den anerkendelse, de fortjener, men det er svært at se, hvordan Grimeborn kunne eksistere uden dem. Jeg var oprindeligt skeptisk over for, hvordan denne opera ville lyde uden de ekstraordinære strejf af lyksalig orkestrering, som Verdi øser ud over den. Men de strejf af klangfarve og den bravura-teknik, som Musgrave leverede, fik os alle til at glemme, at vi lyttede til en klaverreduktion. Præcise tempi, krydret med hvilepunkter og en bred dynamik, var kernen i denne produktions succes. Ben Woodward satte som musikalsk leder rammen for sangerne, men Musgrave gav os det helt afgørende, sikre fundament gennem hele aftenen.

Det er ikke en nem opera at forløse. Sangerne skal også være skuespillere i topklasse og i stand til at levere komplekse vokallinjer i fuld fart. Musikalsk er den usædvanligt koncentreret. Vidunderlige melodier suser forbi i overflod og eksemplificerer hele det register, Verdi var i stand til i sin sene stil. Vi er vant til, at komponister giver os rig mulighed for at høre temaer vende tilbage i forskellige klæder, så vi fanger deres fulde rigdom. Ikke her. Næsten intet vender tilbage, hvilket har fået visse kommentatorer til at mene, at operaen savner melodi – en ren forvanskning af sandheden. Så sangerne skal virkelig kunne få melodierne til at fænge første gang, samtidig med at de spiller naturalistisk. Det er en svær opgave, men en opgave som dette hold løser til fulde.

Der er ingen svage led, og der er en afslappet selvtillid over ensemblet, som indikerer, at alle er teknisk sikre og i harmoni med produktionens ånd, så de faktisk morer sig. Keel Watson er født til rollen som Falstaff. Han har en enorm stemme, når det kræves, og en listig, glimtende og ubesværet facon i sit bedrag, der gør, at man ser den gamle gavtyv som både skurk og charlatan. De mørkere sider af den tykke ridders indre liv, som librettisten Arrigo Boito dygtigt har indhentet fra Henrik IV-stykkerne, blev også formidlet med følelse og intensitet.

Blandt de øvrige mandlige hovedroller fik Oliver Gibbs som Ford mest muligt ud af sin ‘jalousi’-arie, den eneste sektion i operaen, der leder tankerne tilbage på den gennemsyrende tragiske intensitet i Otello; og Roberto Abate, som den unge elsker Fenton, var fuld af den helt rette romantiske glød og legesyge til at dække karakterens vigtigste facetter. De komiske roller slog, som nævnt, over deres vægtklasse, og de blev suppleret af en passende bøvet Dr. Cajus i skikkelse af Brian Smith-Walters.

De fire kvindelige hovedroller er vokalt markante og samarbejder glimrende som et team. Især Catherine Rogers som Alice Ford var vokalt imponerende og bidrog med lederskab og komisk opfindsomhed, og Lindsay Bramley som Mistress Quickly udnyttede til fulde potentialet for ballade i sin rolle. Alt i alt var disse optrædener langt mindre stive og selvretfærdige, end man normalt ser. Jeg har før set disse roller spillet som ‘Desperate Housewives of Windsor’, men aldrig som en flok ‘Essex Girls’, og det var en forfriskende forandring. Hvem end der har designet kostumerne – som ikke er nævnt i programmet – gjorde et fantastisk stykke arbejde med at parre prangende, uhensigtsmæssige farver med masser af passende smagløs bling.

Ikke alt er perfekt. Af uforklarlige årsager var overteksterne til den fremragende moderne oversættelse af librettoen projiceret på en måde, der gjorde dem usynlige for en stor del af publikum, og jeg syntes også, at det var en anelse tamt at lade Falstaff rulle ind i orkestret med vasketøjet som dramatisering af, at han blev smidt i Themsen. Men pyt: denne aften havde så meget kørende for sig – faktisk så meget mere ægte komik, end man finder i mange traditionelle produktioner – at den fortjener de varmeste anbefalinger.

Fotos: Robert Workman

Læs mere om Grimeborn Festivalen