RECENSIONE: Falstaff, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

Falstaff

Arcola Studio 1

18/08/15

5 stelle

«La gente sbaglia quando dice che l’opera non è più quella di una volta. È quella di una volta. Ed è proprio questo il problema.» Noël Coward Quando, in tarda età, un giornalista chiese a Verdi di definire la sua teoria del teatro, lui rispose semplicemente: «Una sala piena». Mi piace pensare che sarebbe stato molto felice sia dello spettacolo sia del tutto esaurito alle recite della Fulham Opera della sua ultima opera Falstaff (1893). Verdi non era un teorico, ma un uomo di teatro pratico, e questa produzione ne condivideva esattamente lo spirito: trattare un grande classico con pieno rispetto dei suoi valori musicali, ma con apertura a nuove idee di messinscena capaci di attirare nuovo pubblico. È particolarmente necessario nelle commedie con un’ambientazione storica così marcata. Dopo Monty Python e Blackadder non è davvero più possibile presentare questo tipo di opera, tutta giarrettiere incrociate e panno ruvido, senza una chiave ironica; tanto meglio, quindi, in molti sensi, toglierla dal suo tempo e riproporla in un’altra epoca del tutto, o in abiti contemporanei – come qui – dove di fatto diventa Le allegre chav di Windsor. Il risultato è una delle migliori conferme dell’etica “Grimeborn” di questa stagione e una splendida smentita della battuta di Coward posta in apertura di questa recensione.

Lo Studio 1 dell’Arcola può essere uno spazio scomodo: la sala principale è piuttosto piccola, soprattutto se bisogna fare posto anche agli strumentisti; e se gran parte dell’azione si svolge sul soppalco rialzato, almeno un terzo del pubblico avrà una visione parziale di ciò che accade. La prima cosa da dire su questa eccellente produzione è che sfrutta il teatro in modo molto soddisfacente, riducendone al minimo i limiti.

C’è una fluidità nei movimenti dei personaggi, singoli o in gruppo, che dice molto sull’esperienza e sulla flessibilità della regista Daisy Evans. I superbi Bardolfo (Oliver Brignall) e Pistola (Antoine Salmon) scorrazzano sulle passerelle in mezzo al pubblico e sprigionano un’energia ininterrotta, pur offrendo interpretazioni vocali salde e misurate. Attorno all’unico punto fisso – il bar della locanda della Giarrettiera – mobili e oggetti di scena entrano ed escono con facilità, così che c’è sempre abbastanza spazio libero con cui lavorare. C’è anche molta più danza del solito. Non ho mai pensato davvero a quest’opera come ricca di potenziale coreografico, ma ora ci sono numerosi momenti che sarà difficile immaginare senza queste immagini in mente – la rievocazione “punteggiata” e leggera di Falstaff dei suoi anni da paggio e un finale in stile disco del terzo atto sono solo due esempi che spiccano.

Un ritmo sostenuto è ancora più importante perché il team creativo ha deciso di unire i primi due atti, creando un primo tempo molto lungo, di circa 100 minuti. Il fatto che scorra così rapidamente e resti così impresso si deve naturalmente a tutto il cast, ma forse soprattutto al pianista Jonathan Musgrave, che ha ricevuto una meritatissima ovazione al termine della serata. I maestri collaboratori continuano a non ricevere il credito che meritano, ma è difficile immaginare come il Grimeborn potrebbe esistere senza di loro. Inizialmente ero scettico su come quest’opera avrebbe potuto suonare senza gli straordinari tocchi di orchestrazione felice che Verdi vi profonde. Tuttavia, le sfumature di colore e la tecnica di bravura che Musgrave ha messo in campo ci hanno fatto dimenticare di ascoltare una riduzione per pianoforte. Tempi incisivi, variati con momenti di respiro e un’ampia dinamica, sono stati al cuore del successo di questa produzione. Ben Woodward, come direttore musicale, li ha fissati per i cantanti, ma Musgrave ci ha dato la base essenziale, sicura, per l’intera serata.

Non è un’opera facile da portare a compimento. I cantanti devono essere anche attori di prim’ordine e saper rendere linee vocali complesse mentre sono in movimento. Musicalmente è di una concentrazione eccezionale. Melodie meravigliose sfrecciano via con prodigalità, mostrando tutta la gamma di ciò che Verdi era capace di fare nel suo stile tardo. Siamo abituati a compositori che ci offrano molte occasioni per riascoltare i temi che tornano in vesti diverse, così da coglierne tutta la ricchezza. Qui no. Quasi nessuno ritorna, portando alcuni commentatori a considerare quest’opera poco melodica: una caricatura della verità. Perciò i cantanti devono davvero riuscire a far “arrivare” le melodie pienamente al primo ascolto, oltre a recitare con naturalezza. Una richiesta enorme, che questo cast soddisfa.

Non ci sono anelli deboli, e l’ensemble ha una sicurezza rilassata che indica come tutti siano tecnicamente solidi e in sintonia con lo spirito della produzione, tanto da potersi divertire. Keel Watson è perfetto per il ruolo di Falstaff. Quando serve ha una voce imponente, e un modo furbo, scintillante e disinvolto di ingannare che ti fa vedere il vecchio furfante come insieme canaglia e seduttore. Anche i lati più oscuri della vita interiore del cavaliere panciuto, abilmente inseriti dalle parti di Enrico IV dal librettista Arrigo Boito, sono stati resi con sentimento e intensità.

Tra gli altri protagonisti maschili, Oliver Gibbs nei panni di Ford ha sfruttato al massimo la sua aria della «gelosia», l’unico punto dell’opera che rimanda all’intensità tragica bruciante di Otello; e Roberto Abate, come il giovane innamorato Fenton, era pieno della giusta combinazione di ardore romantico a cuore aperto e giocosità, coprendo i principali aspetti del personaggio. I ruoli comici, come ho già notato, hanno fatto ben più del previsto, e sono stati completati da un dottor Cajus opportunamente rozzo, interpretato da Brian Smith-Walters.

Le quattro protagoniste femminili sono vocalmente ben caratterizzate e collaborano con efficacia come squadra. In particolare Catherine Rogers, nel ruolo di Alice Ford, è stata vocalmente imponente e ha dato leadership e inventiva comica, mentre Lindsay Bramley, come Mistress Quickly, ha enfatizzato il potenziale da sobillatrice del suo personaggio. Nel complesso, queste interpretazioni erano molto meno rigide e moralistiche di quanto accada di solito. In passato ho visto questi ruoli giocati come le «casalinghe disperate di Windsor», ma non come un gruppetto di ragazze dell’Essex: è stato un cambiamento rinfrescante. Chiunque abbia disegnato i costumi – non indicato in programma – ha fatto un ottimo lavoro nel “combinare” colori sgargianti e volutamente in contrasto con un bel po’ di pacchiano bling.

Non tutto è perfetto. Per qualche ragione inspiegabile, i sopratitoli dell’eccellente traduzione moderna del libretto sono stati proiettati in modo tale da lasciare una vasta parte del pubblico senza visuale; e ho anche trovato un po’ debole, come soluzione drammaturgica, far rotolare Falstaff nell’orchestra insieme al bucato per rappresentare il suo scaricamento e tuffo nel Tamigi. Ma pazienza: questa serata aveva così tanti punti di forza, e in effetti molta più comicità genuina di quanta se ne trovi in molte produzioni tradizionali, da meritare il massimo elogio.

Foto: Robert Workman

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