리뷰: 팔스타프, 아콜라 극장 ✭✭✭✭✭

팔스타프

아르콜라 Studio 1

18/08/15

별 5개

“사람들은 오페라가 예전 같지 않다고 말하지만, 사실 오페라는 예전 그대로다. 그게 문제다.” 노엘 카워드 베르디가 말년에 한 기자로부터 자신의 연극론을 정의해 달라는 질문을 받았을 때, 그는 간단히 이렇게 답했다. “꽉 찬 객석.” 풀럼 오페라가 베르디의 마지막 오페라 팔스타프(1893)를 올린 이번 공연과 매진된 객석을 보며, 베르디가 정말 흡족해했을 거라고 믿고 싶다. 베르디는 이론가가 아니라 현장의 연극인이었고, 이 프로덕션도 정확히 그 정신을 공유한다. 음악적 가치에 대한 온전한 존중을 바탕으로 오랜 사랑을 받아온 작품을 다루되, 새로운 관객을 끌어들이기 위한 신선한 연출 콘셉트에는 열려 있는 것이다. 특히 특정한 역사적 배경을 지닌 코미디에서는 이런 접근이 더욱 필요하다. 몬티 파이선과 블랙애더 이후, 시대극을 대놓고 ‘가터를 교차로 동여맨’ 과장된 고전풍 그대로 진지하게 내미는 건 사실상 불가능하다. 그렇다면 차라리 작품을 ‘시대 밖’으로 꺼내 전혀 다른 시대로 옮겨 오거나, 혹은 이번처럼 현대 의상으로 재제시하는 편이 여러모로 훨씬 낫다. 그렇게 되면 이 작품은 사실상 윈저의 유쾌한 차브들이 된다. 그 결과는 올 시즌 그라임본 정신을 가장 설득력 있게 입증한 사례 중 하나이자, 이 리뷰 머리에 인용한 카워드의 말을 통쾌하게 반박하는 한 방이다.

아르콜라의 Studio 1은 다루기 까다로운 공간일 수 있다. 메인 공연 공간은 꽤 작고(연주자 자리까지 마련해야 한다면 더더욱), 액션이 높은 로프트 공간에서 많이 벌어지면 관객의 최소 3분의 1은 시야가 제한된다. 이 훌륭한 프로덕션에 대해 가장 먼저 짚고 싶은 건, 그런 제약을 최소화하면서도 극장을 매우 만족스럽게 활용해냈다는 점이다.

이곳에서는 인물들이 개인으로든 군집으로든 유려하게 움직이는데, 그 자체가 연출가 데이지 에번스의 경험과 유연성을 웅변한다. 훌륭한 바돌포(올리버 브리그널)와 피스톨(앙투안 살몽)은 관객 사이 통로를 종횡무진하며 지치지 않는 에너지를 뿜어내면서도, 균형 잡힌 성악을 놓치지 않는다. 한 가지 고정점—가터 인의 바—을 중심으로 가구와 소품이 손쉽게 드나들어, 언제나 움직일 수 있는 빈 공간이 충분히 확보된다. 게다가 춤도 평소보다 훨씬 많다. 나는 이 오페라에 안무적 잠재력이 가득하다고 생각해본 적이 거의 없는데, 이제는 이 이미지들 없이 특정 장면들을 떠올리기 어려울 정도다. 어린 시절 시동이었을 때를 ‘발끝이 살랑거리는’ 동작으로 회상하는 팔스타프의 순간, 그리고 3막의 디스코풍 피날레는 특히 눈에 띄는 두 가지 예다.

창작진이 1막과 2막을 이어서 공연하기로 결정했기 때문에, 약 100분에 달하는 매우 긴 전반부를 견인할 ‘탄탄한 속도감’은 더욱 중요했다. 그 시간이 이렇게 빠르고 인상 깊게 지나가는 것은 물론 전 출연진의 공이 크지만, 무엇보다 피아니스트 조너선 머스그레이브 덕이 크다. 그는 공연이 끝날 때 마땅한 기립에 가까운 큰 박수를 받았다. 레페티토르들은 여전히 정당한 평가를 받지 못하지만, 그라임본이 그들 없이 가능할지 상상하기 어렵다. 나는 처음엔 베르디가 이 작품에 쏟아부은 기막힌 관현악의 섬세한 손길 없이 이 오페라가 어떻게 들릴지 회의적이었다. 그러나 머스그레이브가 보여준 색채감과 브라부라적 기교 덕분에, 우리는 모두 지금 듣는 것이 피아노 축약판이라는 사실을 잊게 됐다. 날카로운 템포—곳곳에 숨 고르기 지점을 두고, 넓은 다이내믹으로 변주된—가 이 프로덕션 성공의 핵심이었다. 음악감독 벤 우드워드는 이를 가수들에게 제시했지만, 머스그레이브는 밤 내내 그 무엇보다 중요한, 흔들림 없는 토대를 제공했다.

이 오페라는 무대에 올리기 쉽지 않다. 가수들은 최상급 연기자이기도 해야 하고, 달리면서도 복잡한 성악 선율을 정확히 전달해야 한다. 음악적으로는 극도로 압축돼 있다. 베르디가 후기 양식에서 보여줄 수 있는 모든 것을 담아낸 놀라운 선율들이 아낌없이, 눈 깜짝할 새 지나간다. 우리는 보통 작곡가들이 멜로디를 다양한 모습으로 재등장시켜 그 풍성함을 충분히 인지하게 해주는 데 익숙하다. 하지만 여기서는 아니다. 거의 어떤 선율도 돌아오지 않기에, 일부 평자들은 이 오페라를 ‘선율이 없다’고까지 말하지만, 그것은 사실을 왜곡한 주장이다. 그러니 가수들은 자연주의적 연기를 하면서도, 처음 한 번 등장하는 선율을 단번에 관객의 귀에 각인시켜야 한다. 엄청난 요구지만, 이 캐스트는 해낸다.

허술한 고리는 없다. 앙상블에는 느긋한 자신감이 흐르는데, 이는 모두가 기술적으로 충분히 안정돼 있고 프로덕션의 정신과도 딱 맞아떨어져 즐기고 있다는 신호다. 킬 왓슨은 팔스타프 역에 천생이다. 필요할 때는 거대한 목소리를 터뜨리고, 능청스럽고 반짝이는, 여유 있는 속임수의 태도로 이 늙은 악당을 사기꾼이자 매력가로 동시에 보이게 만든다. 대본가 아리고 보이토가 헨리 4세 희곡들에서 교묘하게 끌어와 심어 놓은 ‘뚱뚱한 기사’의 내면 어두운 면도, 감정과 강도로 설득력 있게 전달됐다.

다른 남성 주역들 가운데, 포드 역의 올리버 깁스는 ‘질투’ 아리아를 최대한 살려냈다. 이 대목은 이 오페라에서 유일하게 오텔로를 떠올리게 하는 날카로운 비극적 격정이 번뜩이는 부분이다. 젊은 연인 펜턴 역의 로베르토 아바테는 인물의 주요 면모를 아우를 만큼, 열린 마음의 로맨틱한 열정과 장난기를 적절히 갖추고 있었다. 앞서 말했듯 코믹 역할들은 기대 이상으로 강펀치를 날렸고, 브라이언 스미스-월터스가 연기한 카이우스 박사의 적절히 무례한(딱 그만큼 천박한) 분위기가 이를 잘 받쳐줬다.

네 명의 여성 주역들은 각자 뚜렷한 성악적 개성을 지녔고, 팀으로도 훌륭하게 호흡했다. 특히 앨리스 포드 역의 캐서린 로저스는 성량과 존재감이 돋보이며 리더십과 코믹한 발상을 보여줬고, 미스트리스 퀴클리 역의 린지 브램리는 역할의 장난기 가득한 음모성을 한껏 끌어올렸다. 전체적으로 이들의 연기는 통상보다 훨씬 덜 점잖고, 덜 도덕군자 같았다. 나는 이 배역들이 ‘윈저의 절박한 주부들’처럼 연기되는 것을 본 적은 있지만, 에식스 걸들 무리로 그려진 건 처음이었고 신선한 변화였다. 의상 디자이너가 누구인지는 프로그램에 적혀 있지 않았지만, 요란하게 충돌하는 색 조합에 ‘촌스럽게 빛나는’ 블링을 넉넉히 매치한 솜씨는 대단했다.

모든 것이 완벽한 것은 아니다. 이유를 알 수 없게도, 훌륭한 현대어 대본 번역의 서타이틀이 상당수 관객에게 보이지 않도록 투사됐고, 빨랫더미와 함께 팔스타프를 오케스트라 쪽으로 굴려 보내는 장면은 그가 템스강에 버려져 풍덩 빠지는 상황을 드라마틱하게 보여주는 방식으로는 조금 힘이 빠진다고 느꼈다. 하지만 그 정도는 괜찮다. 이 밤은 장점이 너무 많았고, 사실 많은 전통적 프로덕션에서보다 훨씬 더 진짜 웃음을 줬다. 최고 찬사를 받을 자격이 충분하다.

사진: 로버트 워크먼

그라임본 페스티벌에 대해 더 알아보기