RECENSIE: Falstaff, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Falstaff

Arcola Studio 1

18/08/15

5 Sterren

‘Mensen hebben ongelijk als ze zeggen dat opera niet meer is wat het was. Het is precies wat het vroeger was. Dat is nou juist het probleem.’ Noël Coward Toen Verdi op late leeftijd door een journalist werd gevraagd naar zijn theatertheorie, antwoordde hij simpelweg: ‘Een vol theater’. Ik denk dat hij erg gelukkig zou zijn geweest met zowel de uitvoering als de uitverkochte zaal bij Fulham Opera’s vertolking van zijn laatste opera Falstaff (1893). Verdi was geen theoreticus maar een man van de praktijk, en deze productie ademde precies diezelfde sfeer uit – een oude klassieker werd met alle respect voor de muzikale waarden behandeld, maar stond open voor nieuwe concepten om een nieuw publiek te trekken. Dit is vooral nodig bij komedies met een specifieke historische setting. Na Monty Python en Blackadder is het eigenlijk niet meer mogelijk om dit soort opera’s in traditionele klederdracht te presenteren zonder een ironische invalshoek; het is daarom in veel opzichten beter om het uit de tijd te trekken en in een heel andere periode te plaatsen, of in hedendaagse kleding – zoals hier – waardoor het effectief The Merry Chavs of Windsor wordt. Het resultaat is een van de beste bewijzen voor het Grimeborn-ethos van dit seizoen en een prachtige weerlegging van het Coward-citaat boven deze recensie.

Studio 1 in de Arcola kan een lastige ruimte zijn: het speelvlak is vrij klein, zeker als er ook nog ruimte moet zijn voor instrumentalisten; en als veel actie plaatsvindt in de verhoogde loft, dan heeft minstens een derde van het publiek beperkt zicht. Het eerste dat opvalt aan deze uitstekende productie is dat er zeer slim gebruik wordt gemaakt van het theater, waarbij de beperkingen tot een minimum worden beperkt.

Er zit een enorme souplesse in de bewegingen van de personages, of ze nu alleen zijn of in een groep, wat veel zegt over de ervaring en flexibiliteit van regisseur Daisy Evans. De sublieme Bardolph (Oliver Brignall) en Pistol (Antoine Salmon) rennen over de loopplanken tussen het publiek door en stralen een onvermoeibare energie uit, terwijl ze vocaal beheerst blijven presteren. Rondom het enige vaste punt – de bar van de Garter Inn – komen en gaan meubels en rekwisieten met gemak, zodat er altijd voldoende werkruimte overblijft. Er zit ook veel meer dans in dan gebruikelijk. Ik had deze opera nooit echt gezien als iets met veel choreografisch potentieel, maar er zijn nu tal van scènes die ik me voortaan niet meer zonder deze beelden kan voorstellen – Falstaffs lichtvoetige herinnering aan zijn jeugd als page en de disco-finale van de derde akte zijn slechts twee opvallende voorbeelden.

Een vlot tempo is des te belangrijker omdat het creatieve team besloot de eerste twee aktes achter elkaar door te spelen, wat zorgt voor een erg lange eerste helft van ongeveer 100 minuten. Dat de tijd zo snel en gedenkwaardig voorbijvliegt, is natuurlijk te danken aan de cast, maar misschien wel bovenal aan pianist Jonathan Musgrave, die na afloop een welverdiende ovatie kreeg. Repetitoren krijgen nog steeds niet de eer die ze verdienen, maar het is moeilijk voor te stellen hoe Grimeborn zonder hen zou kunnen bestaan. Aanvankelijk was ik sceptisch over hoe deze opera zou klinken zonder de prachtige orkestratie die Verdi eroverheen heeft gestrooid. Echter, de kleurdetails en de bravura-techniek van Musgrave zorgden ervoor dat we allemaal vergaten dat we naar een piano-reductie luisterden. Scherpe tempi, afgewisseld met rustpunten en een grote dynamiek, vormden de kern van het succes. Muzikaal leider Ben Woodward zette de lijnen uit voor de zangers, maar Musgrave bood de hele avond de essentiële, solide basis.

Dit is geen gemakkelijke opera om neer te zetten. De zangers moeten ook acteurs van topniveau zijn en in staat zijn om complexe vocale lijnen al bewegend uit te voeren. Muzikaal is het uitzonderlijk geconcentreerd. Prachtige melodieën flitsen voorbij en tonen het volledige spectrum van waartoe Verdi in zijn late stijl in staat was. We zijn gewend dat componisten ons volop de kans geven om thema's in verschillende gedaanten te horen terugkeren, zodat we hun rijkdom kunnen absorberen. Hier niet. Bijna niets keert terug, wat sommige critici tot de onjuiste conclusie leidde dat de opera niet melodieus zou zijn. De zangers moeten de melodieën dus direct bij de eerste kans laten binnenkomen, terwijl ze ook nog eens overtuigend moeten acteren. Een flinke uitdaging, maar deze cast slaagt erin.

Er zijn geen zwakke schakels en het ensemble straalt een ontspannen zelfvertrouwen uit; iedereen is technisch sterk genoeg en zit zo goed in de geest van de productie dat ze zichtbaar plezier hebben. Keel Watson is een geboren Falstaff. Hij heeft een enorme stem wanneer dat nodig is en een sluwe, twinkeling in zijn ogen waarmee hij de oude schurk neerzet als zowel een bedrieger als een charmeur. De donkere kanten van het innerlijk van de dikke ridder, vakkunstig door librettist Arrigo Boito overgenomen uit de Henry IV-stukken, werden met gevoel en intensiteit overgebracht.

Bij de andere mannelijke hoofdrollen maakte Oliver Gibbs als Ford indruk met zijn ‘jaloezie’-aria, het enige deel van de opera dat herinnert aan de tragische intensiteit van Otello; en Roberto Abate was als de jonge minnaar Fenton precies de juiste mix van romantisch vuur en speelsheid. De komische rollen waren, zoals gezegd, ijzersterk en werden aangevuld door een heerlijk botte Dr. Cajus van Brian Smith-Walters.

De vier vrouwelijke hoofdrollen zijn vocaal onderscheidend en werken uitstekend samen als team. Met name Catherine Rogers als Alice Ford was vocaal imposant en toonde leiderschap en komisch vernuft, en Lindsay Bramley als Mistress Quickly benutte al het potentieel voor kattenkwaad in haar rol. Al met al waren deze vertolkingen veel minder stijf en braaf dan gebruikelijk. Ik heb deze rollen eerder gezien als ‘Desperate Housewives of Windsor’, maar nog nooit als een stel ‘Essex Girls’ (volks en brutaal), en het was een verfrissende verandering. Degene die de kostuums heeft ontworpen – niet vermeld in het programmaboekje – heeft fantastisch werk geleverd door schreeuwerige, vloekende kleuren te combineren met de nodige smakeloze bling-bling.

Niet alles is perfect. Om onverklaarbare redenen waren de boventitels van de uitstekende moderne vertaling zo geprojecteerd dat een groot deel van het publiek ze niet kon zien, en ik vond het rollen van Falstaff in het orkest (samen met de was) een tikkeltje mager als manier om zijn dumpen in de Theems te dramatiseren. Maar ach: deze avond had zoveel positieve kanten en bevatte zoveel meer oprechte humor dan menig traditionele productie, dat het de hoogste lof verdient.

Foto's: Robert Workman

Lees meer over het Grimeborn Festival