ELEŞTİRİ: Falstaff, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Falstaff

Arcola Studio 1

18/08/15

5 Yıldız

‘İnsanlar operanın artık eski tadı olmadığını söylediklerinde yanılıyorlar. Opera tam olarak eskiden neyse odur. Yanlış olan da bu zaten.’ Noël Coward Verdi, hayatının sonlarına doğru bir gazeteci tarafından tiyatro teorisini tanımlaması istendiğinde basitçe cevap vermişti: ‘Dolu bir salon’. Fulham Opera'nın Verdi'nin son operası Falstaff (1893) performanslarındaki hem oyuncu performansından hem de biletleri tükenen kapalı gişe temsilden oldukça memnun kalacağını düşünmek isterim. Verdi bir teorisyen değil, pratik bir tiyatro adamıydı ve bu prodüksiyon da tam olarak aynı ruhu paylaşıyordu – eski bir başyapıta müzikal değerleri açısından tam saygı gösterirken, yeni izleyicileri çekmek için yeni prodüksiyon konseptlerine açık bir yaklaşım. Bu, özellikle belirli bir tarihi dokusu olan komedilerde oldukça gereklidir. Monty Python ve Blackadder'dan sonra, bu tür bir operayı ironik bir bakış açısı katmadan, o eski usul fırfırlı ve ağır kostümlerle sunmak pek mümkün değil; bu yüzden eseri zamansızlaştırıp tamamen başka bir dönemde veya –burada olduğu gibi– günümüz kıyafetleriyle, yani bir nevi Windsor'un Şen Apaçileri olarak sunmak çok daha iyi bir sonuç veriyor. Sonuç, Grimeborn ruhunun bu sezondaki en iyi kanıtlarından biri ve bu incelemenin başındaki Coward alıntısına harika bir tekzip niteliğinde.

Arcola'daki Studio 1 zorlayıcı bir alan olabilir: ana performans alanı oldukça küçük, özellikle enstrümantalistler için de yer ayırmanız gerekiyorsa; ve eğer aksiyonun çoğu yüksek asma kat bölümünde geçiyorsa, izleyicilerin en az üçte birinin olup bitenleri kısıtlı bir görüş açısıyla izleyeceği kesin. Bu mükemmel yapım hakkındaki ilk söylenmesi gereken şey, tiyatronun kısıtlı imkanlarını en aza indirirken alanı son derece tatmin edici şekilde kullanmasıdır.

Karakterlerin bireysel veya grup halindeki hareketlerinde, yönetmen Daisy Evans'ın deneyimi ve esnekliği hakkında çok şey anlatan bir akıcılık var. Müthiş performanslarıyla Bardolph (Oliver Brignall) ve Pistol (Antoine Salmon), seyircilerin arasındaki yürüme yollarında koştururken bir yandan da dengeli vokal performanslarını bozmadan durmak bilmez bir enerji yayıyorlar. Tek sabit nokta olan Garter Hanı'nın barı etrafında, mobilyalar ve aksesuarlar büyük bir kolaylıkla yer değiştiriyor, böylece çalışmak için her zaman yeterli boş alan kalıyor. Ayrıca normalden çok daha fazla dans var. Bu operayı daha önce hiç koreografik potansiyeli yüksek bir eser olarak düşünmemiştim ama artık bu sahneleri o görüntüler olmadan hayal etmek zor olacak; Falstaff’ın sayfa görevlisi olduğu gençlik günlerini parmak uçlarında süzülerek hatırlaması ve Üçüncü Perde'nin disko tarzı finali göze çarpan örneklerden sadece ikisi.

Yaratıcı ekibin ilk iki perdeyi birleştirme kararı almasıyla temponun yüksek olması çok daha önemli hale gelmiş, zira bu durum yaklaşık 100 dakikalık çok uzun bir ilk yarı ortaya çıkarmış. Zamanın bu kadar hızlı ve akılda kalıcı geçmesi elbette tüm ekibin başarısı, ama her şeyden önce gecenin sonunda haklı bir alkış tufanı koparan piyanist Jonathan Musgrave'in emeği büyük. Korrepetitörler hala hak ettikleri değeri göremiyorlar ancak Grimeborn'un onlarsız nasıl gerçekleşeceğini hayal etmek güç. Başlangıçta, Verdi'nin cömertçe kullandığı o olağanüstü orkestrasyon dokunuşları olmadan bu operanın nasıl tınlayacağı konusunda şüphelerim vardı. Ancak Musgrave'in sunduğu renkli dokunuşlar ve bravura tekniği, hepimize bir piyano düzenlemesi dinlediğimizi unutturdu. Keskin tempolar, huzur anlarıyla çeşitlenen dinamik aralık, bu yapımın başarısının merkezindeydi. Müzik direktörü Ben Woodward bunları şarkıcılar için belirledi, ancak Musgrave tüm gece boyunca bize o vazgeçilmez, güvenli temeli sağladı.

Bu, sahnelenmesi kolay bir opera değil. Şarkıcıların aynı zamanda birinci sınıf oyuncular olmaları ve koşturmaca içindeyken karmaşık vokal partilerini seslendirebilmeleri gerekiyor. Müzikal açıdan olağanüstü yoğun bir eser. Harika melodiler, Verdi'nin geç dönem tarzında neler yapabileceğinin tüm yelpazesini sergileyerek cömertçe akıp geçiyor. Bestecilerin melodileri farklı kılıklarda tekrar duymamız için bize pek çok şans vermesine, böylece zenginliklerini tam olarak kavramamıza alışkınızdır. Burada durum öyle değil. Melodilerin neredeyse hiçbiri geri dönmüyor, bu da bazı yorumcuların bu operayı melodisiz sanmasına neden oluyor ki bu gerçeğin çarpıtılmasıdır. Bu yüzden şarkıcıların, hem doğal bir oyunculuk sergileyip hem de ilk seferde melodileri izleyiciye tam olarak geçirebilmeleri gerekiyor. Zor bir görev ancak bu kadro bunun altından kalkıyor.

Zayıf halka yok; ekipte, herkesin teknik olarak yeterince güvende olduğunu ve eğlenmek için yapımın ruhuyla uyum içinde olduğunu gösteren rahat bir özgüven var. Keel Watson, Falstaff rolü için biçilmiş kaftan. Gerektiğinde devleşen bir sese ve bu yaşlı hovardayı hem bir dolandırıcı hem de karizmatik bir adam olarak görmenizi sağlayan kurnaz, pırıltılı ve rahat bir tavra sahip. Şişman şövalyenin iç dünyasının, libretist Arrigo Boito tarafından IV. Henry oyunlarından ustalıkla aktarılan karanlık yönleri de duygu ve yoğunlukla yansıtılmış.

Diğer erkek başroller arasında, Ford rolündeki Oliver Gibbs, operanın Otello'nun sarsıcı trajik yoğunluğunu anımsatan tek bölümü olan ‘kıskançlık’ aryasının hakkını verdi; genç aşık Fenton rolündeki Roberto Abate ise karakterinin ana yönlerini yansıtacak doğru türden açık kalpli bir romantizm ve neşeye sahipti. Komedi rollerinin, daha önce belirttiğim gibi, etkisi çok büyüktü ve Brian Smith-Walters'ın uygun şekilde kaba hatlı Dr. Cajus karakteriyle tamamlandılar.

Dört kadın başrol, vokal olarak birbirinden ayırt edilebilir ve bir ekip olarak harika uyum sağlıyorlar. Özellikle Alice Ford rolünde Catherine Rogers vokal olarak etkileyiciydi, liderlik ve komedi yaratıcılığı sundu; Lindsay Bramley ise Mistress Quickly rolündeki oyunbazlık potansiyelini sonuna kadar kullandı. Sonuç itibariyle bu performanslar, genellikle olduğundan çok daha az ağırbaşlı ve kendini beğenmişti. Bu rollerin daha önce ‘Windsor'un Umutsuz Ev Kadınları’ olarak oynandığını görmüştüm, ama ‘Essex Kızları’ olarak değil; bu ferahlatıcı bir değişiklik olmuş. Programda adı geçmese de kostümleri kim tasarladıysa, rüküş ve uyumsuz renkleri tam kıvamında zevksiz takılarla ‘eşleştirerek’ harika bir iş çıkarmış.

Her şey kusursuz değil elbet. Librettonun mükemmel modern çevirisinin üst yazıları, açıklanamaz bir nedenle izleyicilerin büyük bir kısmının göremeyeceği şekilde yansıtılmıştı; ayrıca Falstaff’ın çamaşırlarla birlikte orkestra boşluğuna yuvarlanmasını, Thames Nehri'ne atılmasını dramatize etmek için biraz zayıf bir yöntem olarak buldum. Ama olsun: Bu akşam o kadar çok artısı vardı ki, aslında pek çok geleneksel yapımda bulunandan çok daha fazla samimi komedi barındırıyordu ve bu yüzden en yüksek övgüyü hak ediyor.

Fotoğraflar: Robert Workman

Grimeborn Festivali hakkında daha fazla bilgi edinin