ANMELDELSE: Grand Hotel, Southwark Playhouse ✭✭✭

Grand Hotel

Southwark Playhouse

6. august 2015

3 stjerner

Først var det en roman af Vicki Baum. Så et teaterstykke, bearbejdet af først Baum og siden William A. Drake. Derefter den berømte MGM-film fra 1932 med Greta "Jeg vil være alene" Garbo, som vandt en Oscar for bedste film. I 1958 slog holdet bag Kismet – Luther Davis (manuskript), Robert Wright og George Forrest (musik og tekst) – sig sammen om At The Grand, en musicaludgave til Broadway. Den blev aldrig til noget, men tredive år senere fandt det kreative hold sammen igen. Med hjælp fra Maury Yeston (der skrev seks nye sange og reviderede teksterne grundigt) og instruktør/koreograf Tommy Tune, forvandlede de At The Grand til Grand Hotel, som fik en triumferende premiere på Martin Beck Theatre (nu Al Hirschfeld Theatre) på Broadway den 12. november 1989.

Grand Hotel vandt både Tony og Drama Desk-priser for bedste instruktion og bedste koreografi, men ikke for bedste musical. Da Donmar Warehouse genopsatte musicalen i London i 2005, vandt produktionen en Olivier-pris for bedste genopsætning. Priser for bedste genopsætning afhænger naturligvis ikke nødvendigvis af kvaliteten af det oprindelige materiale.

Ti år senere spiller en ny opsætning af Grand Hotel nu på Southwark Playhouse, denne gang instrueret af Thom Sutherland med koreografi af Lee Proud og musikalsk ledelse af Michael Bradley. Det er 105 minutter med blændende dansenumre, frodig og medrivende musik samt nogle fremragende skuespilspræstationer. Dette er en produktion af en musical, der hylder tanken om, at musik og bevægelse kan formes til et specifikt narrativt sprog, der forstærker og belyser fortællingen af en kompleks historie. For det meste fungerer det yderst vellykket.

Lee Prouds koreografi er nøglen til den livskraft og indsigt, vi ser her. På trods af den lidt besynderlige beslutning om at præsentere forestillingen som traverse-teater (med publikum på hver side), hvilket efterlader en relativt smal stribe i midten til al handlingen, sikrer Proud, at de store ensemblenumre er flydende, skarpe og fyldt med detaljer og excentricitet. Uanset om det er foxtrot, vals eller charleston, er der mening og glæde i hvert skridt. Hele castet er velsmurt og leverer de forskellige rutiner med energi og entusiasme. Denne malstrøm af bevægelse er afgørende for at forløse det potentiale, som Grand Hotel besidder.

Handlingen udspiller sig i Berlin i 1928, i foyeren, gangene og værelserne på det titulære Grand Hotel. Værket er veltalende omkring en række forskellige temaer: at leve på en løgn, at få det meste ud af livet, rigdommens faldgruber, forførelse, fantasi over for virkelighed og liv over for død. Det, der gør det engagerende og indimellem ligefrem spændende, er formen: en kontinuerlig strøm af melodi og bevægelse, der skaber et samlet tæppe af skæbner.

Der er mange mennesker på hotellet, men de kender ikke alle hinanden. Nogle, der opholder sig på hotellet hver dag, aner ikke, at andre eksisterer, mens andres liv forandres for altid af tilfældige møder. Skæbne og held viser sig at være lige så vigtige som planlægning og vedholdenhed. Gennem en række korte fortællinger med karakterer, hvis veje krydses eller støder sammen, formår Grand Hotel både at underholde og levere samfundskritik i lige mål.

I det store perspektiv ser stykket på de menneskelige besættelsers nytteløshed, måden historien gentager sig selv på, og hvordan magt og penge kan transformere liv. Den står i gæld til innovationerne fra Cabaret og Chicago, især i måden de sprudlende numre sættes op imod karakterernes dystre øjeblikke. Brugen af den bidske, barske fortæller-lignende figur, Oberst-doktor Otternschlag, giver publikum følelsen af både at være indviet og voyeur, hvilket hæver den følelsesmæssige indsats markant.

Prouds koreografi er gennemsyret af en dyb forståelse for alt dette. Hotellet ses som et spejlbillede af Berlin-oplevelsen og dermed af verdensoplevelsen: mikrokosmosset på hotellet leverer universelle sandheder. Fra den næsten militære åbningsrutine til de intime øjeblikke af smerte eller glæde sørger Proud for, at dansen driver handlingen fremad, fremhæver morskaben og understreger mørket.

Instruktør Sutherland klarer sig ikke helt så godt. Der er nogle ejendommelige casting-valg, og de begrænsninger, der følger med traverse-scenen, samt det pludselige, skurrende spring frem mod Nazityskland, kvæler næsten de afsluttende scener. Alt dette, sammen med den konstante tilstedeværelse af den store lysekrone (og en lidt tam overraskelsesfinale), trækker ned i Prouds bedrifter og forhindrer produktionen i at nå de helt store højder.

Men ikke desto mindre har Sutherland, takket være de stærke musikalske færdigheder hos ensemblet, orkestret og Bradley, samt de individuelle præstationer, skabt god underholdning i et tempo, der aldrig mister fremdrift.

Interessant nok spilles nogle af de mindre roller med en elegance og energi, som nogle af hovedrollerne mangler. James Gant er fremragende som den lille tyran Rohna, hotelinspektøren med sans for social status og orden. Hans tilstedeværelse er rugende og hans stemme fast og klar. Jonathan Stewart er enestående som Erik, receptionisten hvis kone er ved at føde deres første søn, men som må blive på sin post af frygt for at miste sin indkomst. Han er elektrisk i sine nøglescener og leverer aftenens bedste skuespil her. Fremragende.

Charles Hagerty er glimrende (men skammeligt underbrugt) som den nådesløse gangster, der presser baronen; Samuel J. Weir, Leah West, Durone Stokes, Jammy Kasongo og Rhiannon Howys gør alle et stort arbejde i mindre roller og danser med gejst og stil. Det imiterede marmorgulv stråler af deres samlede energi.

Victoria Serra spiller Flaemmchen, den gravide maskinskriverske, der leder efter en vej ud. Hun lægger masser af liv og overbevisning i hver en frase af "Girl in the Mirror". Hun virker en anelse for alvorlig til tider, hvor udstråling og ubehersket charme måske havde været bedre, men samlet set er hun meget vellykket. Hendes karakter har svære scener med Jacob Chapmans lidt træagtige Preysing – en forretningsmand, der har mistet fodfæstet helt. Chapman har måske den rette hårfarve (grå), men han formår ikke at gøre sin komplekse karakter troværdig. Det er uforklarligt, da flere i castet tydeligvis kunne have løftet rollen bedre.

Som den dødeligt syge bogholder, Kringelein, virkede George Rae for ung til rollen, men hans evner som både skuespiller og sanger viste tydeligt, hvorfor han blev valgt. Han ser måske ikke rigtig ud til rollen, men han spiller den med fuldt engagement i hver en følelsesmæssig drejning. Raes præstation står i skarp kontrast til Valerie Cutko og David Delve, som begge lader deres karakterers potentiale glide mellem fingrene. Delve var som oberst-doktoren for præget af galde og spyt, og Cutko var alt for åbenlys som den hemmelige lesbiske beundrer; lidt mere subtilitet ville have gjort hendes levering af "How Can I Tell Her" langt mere effektfuld.

Som det usædvanlige centrale par overvandt Scott Garnham og Christine Grimaldi en vis aldersforskel og en mangel på gnistrende kemi og skabte en overraskende rørende fortælling om uventet kærlighed. Garnhams baron var ikke helt flot eller charmerende nok, og selvom han har en fremragende tenor, pressede han sin klang for ofte. Grimaldi overbeviste ikke helt som den store primaballerina; hun virkede mere som en teatralsk diva i forfald.

Og dog, sammen i den storslåede "Love Can't Happen", løftede de begge niveauet og præsenterede et oprigtigt rørende par, et øjebliks ærlighed i et hav af bluf og pral. Sutherlands brug af rosenblade som et gennemgående symbol på passion og uindfriede løfter fungerer godt – det sukkersøde ideal i kronbladene står i fremragende kontrast til den bittersøde forening og dens efterspil.

I sidste ende udstiller denne produktion fejlene i manuskriptet ret tydeligt, og selvom Prouds koreografi gør sit bedste for at aflede opmærksomheden, sikrer castingen og instruktionen, at de forbliver synlige. Ikke engang musikken, som når den er bedst er på højde med det bedste fra Broadway, kan overvinde de udfordringer.

Mere plads, bedre casting i visse roller og mindre fokus på instruktørens egne påfund (referencer til Holocaust fungerer måske som slutning på Cabaret, men virker mindre overbevisende her, hvor handlingen udspiller sig fem år før Hitler kom til magten) kunne have fået denne produktion til for alvor at lette. Som den står nu, er den dog en livlig påmindelse om glæden ved Grand Hotel og de muligheder, stykket rummer.

At se den giver en lyst til ikke at være alene, måske til ærgrelse for Garbos evige ånd.