ANMELDELSE: Grand Hotel, Southwark Playhouse ✭✭✭

Grand Hotel

Southwark Playhouse

6. august 2015

3 stjerner

Først var det en roman av Vicki Baum. Deretter et skuespill, omarbeidet først av Baum, og siden av William A. Drake. Så ble det en berømt MGM-film i 1932, med Greta «I want to be alone» Garbo i hovedrollen, som vant en Oscar for beste film. I 1958 slo teamet bak Kismet, Luther Davis (manus), Robert Wright og George Forrest (musikk og sangtekster), seg sammen om At The Grand, en musikalversjon for Broadway. Den ble ingen suksess, men tretti år senere samlet det kreative teamet seg på nytt. Med hjelp fra Maury Yeston (som skrev seks nye sanger og reviderte tekstene kraftig) og regissør/koreograf Tommy Tune, ble At The Grand forvandlet til Grand Hotel, som åpnet med dundrende suksess på Martin Beck Theatre (nå Al Hirschfeld Theatre) på Broadway den 12. november 1989.

Grand Hotel vant Tony- og Drama Desk-priser for beste regi og beste koreografi, men ikke for beste musikal. Da Donmar satte opp musikalen i London i 2005, vant produksjonen en Olivier-pris for beste nyoppsetning. Priser for beste nyoppsetning avhenger selvfølgelig ikke alltid av kvaliteten på selve råmaterialet.

Et tiår senere spilles en ny produksjon av Grand Hotel på Southwark Playhouse, denne gangen regissert av Thom Sutherland med koreografi av Lee Proud og musikalsk ledelse av Michael Bradley. Det er 105 minutter med blendende dansenumre, fyldig og tiltalende musikk, og noen glimrende avmålte prestasjoner. Dette er en musikalproduksjon som omfavner tanken om at musikk og bevegelse kan formes til et spesifikt narrativt språk for å forsterke og belyse en kompleks historie. Stort sett er dette svært vellykket.

Lee Prouds koreografi er selve nøkkelen til spillegleden og innsikten her. Til tross for at et merkelig valg har ført til at forestillingen spilles i en travers-løsning (med publikum på hver side), med en relativt smal stripe i midten der alt skjer, slik at alt føles litt for trangt, sørger Proud for at de store ensemblenumrene er flytende, presise og fulle av detaljer og eksentrisitet. Enten det er foxtrot, vals eller charleston, i liten eller stor skala, er det mening og glede i hvert skritt. Hele ensemblet er veltrent og leverer de ulike numrene med energi og entusiasme. Dette mylderet av bevegelser er avgjørende for å utløse potensialet i Grand Hotel.

Handlingen er lagt til Berlin i 1928, i den storslåtte foajeen, korridorene og rommene i det titulære Grand Hotel. Verket er veltalende om en rekke temaer: å leve på en løgn, å få det meste ut av livet, rikdommens fallgruver, forførelse og overtalelse, fantasi kontra virkelighet, og liv og død. Det som gjør det engasjerende, og til tider sitrende, er formen som brukes: en kontinuerlig strøm av melodi og bevegelse som stadig utforsker nye sider ved fortellingen og vever det hele sammen til et imponerende teppe.

Det er mange mennesker på hotellet, men ikke alle kjenner hverandre, selv om de snakker sammen eller gjør forretninger. Noen som er på hotellet hver dag, aner ikke at andre eksisterer, mens andre får livene sine endret for alltid gjennom helt tilfeldige møter. Tilfeller og muligheter viser seg å være like viktige som planlegging og utholdenhet. Gjennom en serie korte historier som involverer et bredt persongalleri – der noen historier tar overraskende vendinger og andre kolliderer – underholder Grand Hotel og leverer sosial kommentar i like store doser.

I et større perspektiv ser stykket på det meningsløse i menneskelige besettelser, hvordan historien gjentar seg, og hvordan makt og penger kan transformere liv. Det skylder mye til innovasjonene fra Cabaret og Chicago, særlig i måten sprudlende numre settes opp mot dystre øyeblikk for enkelte karakterer. Bruken av en sarkastisk, bjeffende fortellerfigur, oberst-doktor Otternschlag, lar publikum føle seg som både innsidere og kikkere, noe som øker den emosjonelle innsatsen betraktelig.

Prouds koreografi preges av en dyp forståelse for alt dette, og alt han gjør har som mål å hjelpe publikum med å engasjere seg i verkets hensikt. Hotellet blir sett på som et speilbilde av Berlin-opplevelsen, som igjen speiler verden: mikrokosmoset i hotellet gir universelle sannheter. Fra den nesten militære åpningen til de mer intime øyeblikkene av smerte eller glede, sørger Proud for at dansen driver handlingen fremover, fremhever det morsomme og understreker mørket.

Regissør Sutherland lykkes ikke like godt. Det er noen merkelige castingvalg som svekker stykket, begrensningene som følger av sceneløsningen, og et merkelig, skjærende frempek mot nazitiden som nesten kveler slutten. Alt dette, sammen med den konstante tilstedeværelsen av en stor lysekrone (med en tam overraskelse mot slutten), tar oppmerksomheten bort fra Prouds prestasjoner og hindrer produksjonen i å nå de helt store høydene.

Men likevel, gitt de sterke musikalske ferdighetene til ensemblet, orkesteret og Bradley, samt de individuelle ferdighetene til nøkkelpersonene, har Sutherland levert flott underholdning i et tempo som sjelden mister drivet.

Merkelig nok spilles noen av de mindre rollene med en eleganse og stil som enkelte av hovedrollene mangler. James Gant er utmerket som den lille tyrannen Rohna, hotellsjefen med sans for status, orden og unge menn han har makt over. Han er mørk og snikende, med en stødig stemme. Jonathan Stewart er fremragende som Erik, resepsjonisten hvis kone er i ferd med å føde deres første sønn, men som må bli på post av frykt for å miste jobben. Han er elektrisk i tre nøkkelscener: når han får nyheten om fødselen, når han innser at Rohna prøver å forføre ham, og når han får baronens sigarettetui. Enestående skuespill.

Charles Hagerty er glimrende (men skammelig lite brukt) som en nådeløs gangster, og Samuel J. Weir, Leah West, Durone Stokes, Jammy Kasongo og Rhiannon Howys gjør alle en solid innsats i mindre roller. Sammen med Hagerty, Gant og Stewart danser de med stor stil og energi. Det falske marmorgulvet formelig stråler av deres felles innsats.

Victoria Serra spiller Flaemmchen, den gravide stenografen som leter etter en vei opp og frem. Hun legger kraft og overbevisning i «Girl in the Mirror» og skildrer denne uheldige karakteren godt. Hun kan virke litt vel alvorlig til tider, men totalt sett er hun svært vellykket. Karakteren hennes har vanskelige scener med Jacob Chapmans noe stive og kjedelige Preysing. Chapman har kanskje den rette hårfargen (grå), men mangler evnen til å gjøre denne komplekse karakteren levende. Det er uforklarlig: grått hår bør ikke erstatte skuespillerferdigheter, og det var flere i ensemblet som åpenbart kunne ha fylt denne rollen bedre.

Som den dødelig syke bokholderen Krigelein, virket George Rae kanskje for ung, men hans tekniske ferdigheter som sanger og skuespiller viste klart hvorfor han fikk rollen. Han spiller ut hver eneste vending med skjør optimisme. Det er en livsbekreftende prestasjon. Dette sto i kontrast til Valerie Cutko og David Delve, som begge lot potensialet i sine roller gå tapt. Delve, som oberst-doktoren, ble for mye spytt og sinne, og Cutko var altfor åpenbar som den hemmelige lesbiske beundreren til den falmende ballettdivaen; her hadde subtilitet gjort «How Can I Tell Her» mye sterkere.

Som det uvanlige paret i sentrum, klarte Scott Garnham og Christine Grimaldi å overvinne både aldersforskjell og mangel på gnist til å produsere en overraskende rørende historie om uventet kjærlighet. Garnhams baron var ikke helt karismatisk nok, og selv om han har en flott tenor, presset han stemmen for ofte til å være virkelig trollbindende. Grimaldi overbeviste ikke helt som en verdenskjent prima ballerina; hun virket mer som en teaterdiva på retur. Bevegelsene hennes var ikke lette eller skimrende nok til å antyde en fortid med triumfer i Svanesjøen.

Og likevel, sammen i den praktfulle «Love Can't Happen», hevet begge seg og presenterte et genuint rørende møte – et øyeblikk av ærlighet i et hav av bløff og store ord. Sutherlands bruk av roseblader som et gjennomgående symbol på lidenskap og uoppfylte løfter fungerer godt – den rosenrøde idealiseringen står i utmerket kontrast til den bittersøte virkeligheten.

Til syvende og sist viser denne produksjonen svakheter i manuset ganske tydelig. Selv om Prouds koreografi gjør en fantastisk jobb med å distrahere fra disse feilene, sørger castingen og regien for at de forblir synlige. Ikke engang musikken, som på sitt beste er fullt på høyde med alt annet på Broadway, kan overvinne alle hindringene.

Mer plass, bedre casting i enkelte roller og mindre tillit til regimessige påfunn (Holocaust fungerer som avslutning i Cabaret, men passer dårligere her hvor handlingen foregår fem år før Hitler kom til makten) kunne ha fått denne forestillingen til å virkelig fly. Slik den står nå, er den imidlertid en frisk påminnelse om gleden ved Grand Hotel og de mulighetene stykket byr på.

Å se den får en til å ønske å ikke være alene, kanskje til fortvilelse for Garbos evige ånd.