리뷰: 그랜드 호텔, 사우스워크 플레이하우스 ✭✭✭

그랜드 호텔

사우스워크 플레이하우스

2015년 8월 6일

별 3개

처음에는 비키 바움의 소설이었다. 이어 바움이 먼저, 그리고 윌리엄 A. 드레이크가 다시 각색한 연극이 됐다. 그다음에는 1932년 MGM 영화로 크게 알려졌는데, “혼자 있고 싶어(I want to be alone)”로 유명한 그레타 가르보가 주연을 맡았고 아카데미 작품상까지 거머쥐었다. 그리고 1958년, Kismet의 창작진인 루서 데이비스(대본), 로버트 라이트와 조지 포리스트(음악·가사)가 브로드웨이를 겨냥한 뮤지컬 각색 At The Grand를 함께 내놓았다. 성과는 미미했지만, 30년 뒤 이들은 다시 뭉쳐 모리 예스턴(신곡 6곡 작곡 및 가사 대폭 수정)과 연출·안무가 토미 튠의 도움을 받아 At The Grand를 Grand Hotel로 탈바꿈시켰고, 이 작품은 1989년 11월 12일 브로드웨이 마틴 벡 극장(현 알 허시펠드 극장)에서 성대하게 막을 올렸다.

Grand Hotel은 토니상과 드라마 데스크 어워즈에서 최우수 연출상과 최우수 안무상을 받았지만, 최우수 뮤지컬상은 놓쳤다. 2005년 런던에서 돈마가 이 작품을 부활시켰을 때, 그 프로덕션은 올리비에 어워즈 최우수 리바이벌상을 수상했다. 물론 리바이벌상은 원작(원재료)의 완성도에만 달려 있는 건 아니다.

10년이 흐른 지금, 새로운 Grand Hotel 프로덕션이 사우스워크 플레이하우스에서 공연 중이다. 연출은 톰 서덜랜드, 안무는 리 프라우드, 음악감독은 마이클 브래들리. 105분 동안 눈부신 군무, 풍성하고 매력적인 음악, 그리고 몇몇 배우들의 탁월하게 절제된 연기가 이어진다. 이 작품은 음악과 움직임이 특정한 ‘서사 언어’로 빚어져 복잡한 이야기를 더 선명하게 하고, 더 효과적으로 전달할 수 있다는 개념을 기꺼이 껴안는다. 대체로 그 시도는 매우 성공적이다.

이 작품의 활력과 통찰을 이끄는 핵심은 리 프라우드의 안무다. 다소 납득하기 어려운 결정으로 이번 프로덕션이 트래버스(양쪽에서 관객이 마주 보는) 무대 형태로 올려졌고, 비교적 좁은 중앙 통로에서 모든 액션이 벌어져 전체가 묘하게 비좁게 느껴지지만, 프라우드는 대규모 앙상블 넘버를 유려하고 날렵하게, 사건과 기이한 매력으로 가득 채운다. 폭스트롯이든 왈츠든 찰스턴이든, 규모가 크든 작든 모든 스텝에는 목적과 즐거움이 있다. 전 출연진은 훈련이 잘 되어 있고, 각 루틴을 에너지와 열정으로 소화한다. 이 소용돌이 같은 움직임이야말로 Grand Hotel의 잠재력을 해방시키는 데 필수다.

1928년 베를린, 제목 그대로의 그랜드 호텔 로비와 복도, 객실을 배경으로 한 이 작품은 여러 주제를 또렷하게 담아낸다. 거짓된 삶, 삶을 최대한으로 누리는 법, 부의 함정, 유혹과 설득, 환상과 현실, 삶과 죽음. 그리고 이 주제들을 제시하는 형식이 작품을 매력적이고 때로는 짜릿하게 만든다. 멜로디와 움직임이 끊임없이 흐르며 어떤 때는 논점을 세우고, 어떤 때는 파고들고, 또 어떤 때는 다음으로 넘어간다. 하지만 언제나 다른 주제들과 나란히 엮이며 전체를 하나의 태피스트리처럼 짜 올린다.

호텔에는 수많은 사람이 있지만, 서로를 다 아는 건 아니다. 말을 섞거나 거래를 하더라도. 매일 호텔에 있는 사람들 가운데서도 다른 이가 존재한다는 사실조차 모르는 경우가 있고, 반대로 어떤 이들은 우연한 만남으로 인해 삶이 영원히 바뀌기도 한다. 계획과 집념만큼이나 우연과 기회가 중요하다는 사실이 드러난다. 다양한 인물들이 얽힌 짧은 이야기들이 연속적으로 펼쳐지는데, 어떤 서사는 놀라운 방향으로 꺾이고, 어떤 서사는 교차하거나 충돌한다. Grand Hotel은 그 과정에서 오락성과 사회적 논평을 동등한 비중으로 제공한다.

더 큰 그림에서 이 작품은 인간 집착의 허망함, 역사가 반복되는 방식, 그리고 권력과 돈이 삶을 어떻게 변형하고 뒤바꾸는지를 바라본다. 특히 밝고 들뜬 넘버들이 특정 인물들의 어두운 순간들과 대비되는 방식에서 Cabaret와 Chicago가 남긴 혁신의 영향을 상당히 받았다. 독설적이고 거친, 해설자 같은 인물인 오터른슐라크 대령-박사의 존재는 관객에게 내부자이자 관찰자(보이어)의 감각을 동시에 부여하며, 공감의 stakes를 확실히 끌어올린다.

프라우드의 안무는 이런 맥락을 예리하게 이해하고 그 향기를 진하게 풍긴다. 그가 하는 모든 일은 작품의 의도에 대한 관여와 이해를 돕는 데 초점이 맞춰져 있다. 호텔은 베를린의 경험을 비추는 거울이고, 그 베를린은 다시 세계의 경험을 반영한다. 호텔이라는 미시세계는 보편적 진실과 관찰을 제공한다. 거의 군대식으로 시작하는 오프닝 루틴부터, 큰 세트피스와 작은 사건들, 모두가 한데 뛰어노는 환희의 ‘올-인’ 넘버들, 고통이나 기쁨의 더 친밀한 순간들까지—프라우드는 춤이 액션을 밀고 나가며, 재미를 강조하고, 어둠을 밑줄 긋도록 만든다.

연출가 서덜랜드는 그만큼 빛나진 못한다. 작품의 가능성을 키우기보다는 오히려 줄이는 듯한 몇몇 캐스팅 선택, 트래버스 무대가 강요하는 제약, 그리고 나치 독일로의 갑작스럽고 거슬리는 ‘점프’가 결말부 장면들을 거의 질식시키는 듯하다. 여기에 더해 거대한 샹들리에가 계속 존재감을 드러내는데(더듬거리듯 내려오는 샹들리에를 이용한 힘 빠지는 ‘깜짝 엔딩’이 그날 밤의 흐름을 꺼버린다), 이 모든 요소가 프라우드의 성과를 흐리고, 프로덕션이 위대함에 도달하는 것을 가로막는다.

그럼에도 앙상블, 오케스트라, 그리고 브래들리가 보여주는 탄탄한 음악적 역량과 몇몇 핵심 배우들의 개별 역량, 그리고 가끔 처지긴 해도 결코 추진력을 잃지 않는 속도감 덕분에, 서덜랜드는 대단히 즐거운 밤을 만들어냈다.

흥미롭게도, 몇몇 조역이 주연들이 얻지 못한 자신감과 멋을 더 풍성하게 보여준다. 제임스 갠트는 사소한 폭군 로나 역으로 훌륭하다. 호텔의 사회적 체면, 정확성, 질서에 집착하고, 자신이 권력을 쥔 젊은 남성들에게 성적 욕망을 드러내는 호텔 매니저다. 그의 존재감은 음울하면서도 은근히 파고들고, 목소리는 단단하고 또렷하다. 조너선 스튜어트는 프런트 데스크 직원 에릭 역으로 압도적이다. 아내가 첫 아들을 출산 중이지만 수입이 끊길까 두려워 자리를 지켜야 하는 인물. 그는 세 장면에서 번개처럼 빛나며, 그 장면들에서 이날 밤 최고의 연기를 선사한다. 아들의 탄생 소식을 듣는 순간, 로나가 자신에게 성관계를 제안하려 한다는 것을 깨닫는 순간, 그리고 남작에게서 담배 케이스를 선물 받는 순간. 단연 돋보인다.

찰스 해거티는 남작이 빚진 이해관계를 대변하며 그의 미래를 바꿔놓을 방식으로 압박하는 냉혹한 갱스터 역으로 훌륭하지만(놀랄 만큼 활용이 적다), 새뮤얼 J 위어, 리아 웨스트, 듀론 스톡스, 재미 카송고, 라이애넌 하우이스도 조연에서 모두 좋은 일을 해낸다. 이들은 해거티, 갠트, 스튜어트와 함께, 열정과 스타일로 춤을 춘다. 인조 대리석 바닥은 그들의 결합된 에너지와 헌신으로 말 그대로 빛을 뿜는다.

빅토리아 세라는 살아남고 도약할 길을 찾는 임신한 타이피스트 플렘헨을 연기한다. 그는 “Girl in the Mirror”의 매 구절에 활력과 확신을 불어넣고, 이 불운한 인물의 삶의 궤적을 꽤 훌륭하게 그려낸다. 때때로 빛과 거리낌 없는 매력이 더 어울릴 순간에 약간 지나치게 진지해 보이기도 하지만, 전반적으로 매우 성공적이다. 다만 제이콥 채프먼이 연기하는 프라이징과 맞붙는 장면들은 어렵다. 길을 완전히 잃어버린 사업가인 프라이징을 채프먼은 지나치게 무미건조하고 목석처럼 표현한다. 머리 색(회색)은 맞을지 몰라도, 복잡한 캐릭터를 생동감 있게 만들어 설득하는 능력은 부족하다. 그 결과 프라이징의 이야기선과 닿아 있는 다른 인물들의 서사까지 함께 손해를 봤다. 이해하기 힘든 선택이었다. 회색 머리카락이 실력을 대체할 순 없고, 이 캐스트 안에는 분명 그 역할을 훨씬 훌륭하게 해낼 만한 사람이 여럿 있었다.

죽을병에 걸린 회계사 크리겔라인 역에서 조지 레이는 이상적인 캐스팅이라기엔 너무 젊어 보였지만, 퍼포머이자 가수로서의 기량은 왜 그가 캐스팅됐는지 분명히 보여준다. 외형은 맞지 않을지 몰라도, 그는 모든 굴곡에 완전히 몰입해 연기했다. 연약하면서도 낙관적이고, 용서하는 인물로. 삶의 모든 측면에 대한 기쁜 축제처럼 느껴지기도 한다. 레이는 불가능해 보이는 것을 가능하게 만든다. 그의 연기는 발레리 컷코와 데이비드 델브의 연기와 뚜렷한 대비를 이뤘는데, 두 사람 모두 캐릭터가 가진 잠재력을 스쳐 지나가게 했다. 델브는 대령-박사 역에서 비장함과 침만 과하게 내세워, 변덕스럽고도 마음을 건드리는 면을 놓쳤다. 컷코는 퇴색해 가는 발레 디바를 사랑하는 비밀스러운 여성 동성애자 팬을 지나치게 노골적으로 연기했다. 더 섬세했다면 “How Can I Tell Her”의 전달력이 훨씬 커졌을 것이다.

뜻밖의, 그리고 이례적인 중심 커플로서 스콧 가넘과 크리스틴 그리말디는 세대 차와 격렬한 케미스트리 및 찬란한 매력의 결핍을 딛고, 의외로 효과적인 ‘예상치 못한 사랑’ 이야기를 만들어낸다. 가넘의 남작은 충분히 멋스럽지도, 충분히 사람을 끌어당기지도 못했고, 훌륭하고 또렷한 테너 음색을 지녔음에도 종종 지나치게 힘을 줘 진정으로 매혹적이기 어렵다. 관객은 노래에 ‘빠져들기’보다 ‘노래를 듣게’ 된다. 그리말디는 찬란한 프리마 발레리나로는 설득력이 부족했고, 오히려 쇠락해 가는 연극계 디바에 가까워 보였다. 움직임은 과거의 승리한 백조의 호수들을 떠올리게 할 만큼 가볍지도, 반짝이지도 않았다.

그럼에도 두 사람이 함께 “Love Can't Happen”의 찬란한 물결 속으로 들어가면, 둘 다 제대로 순간을 붙잡는다. 허세와 호기 속에서 진심으로 감동적이고 기분 좋게 따뜻한 커플링을 제시하며, 솔직함의 순간을 만들어낸다. 또한 서덜랜드가 장미꽃잎을 모티프로—열정과 이루지 못한 약속을 상징하는 표식으로—사용한 방식도 효과적이다. 꽃잎의 달콤한 이상은 달콤쌉싸름한 결합과 그 이후의 여파와 훌륭하게 대비된다.

결국 이 프로덕션은 대본(북)이 가진 결함을 꽤 선명하게 드러낸다. 프라우드의 안무가 그 결함을 훌륭하게 분산시키고 흐릿하게 만들긴 하지만, 캐스팅과 연출이 결함을 다시 또렷이 보이게 한다. 어떤 브로드웨이 뮤지컬에 견줘도 최고 수준인 순간이 있는 음악조차, 덜 효과적인 대목에서도 매력적이고 밝게 들리는 음악조차, 그 장애물들을 완전히 넘어설 수는 없다.

더 넓은 공간, 몇몇 역할의 더 나은 캐스팅, 그리고 연출적 ‘혁신’에 대한 의존을 줄였더라면(홀로코스트가 Cabaret의 결말로는 잘 맞을지 몰라도, 여기서는 히틀러가 집권하기 5년 전의 사건들이라 덜 설득력 있다) 이번 프로덕션은 진짜로 날아올랐을지도 모른다. 하지만 현재의 모습만으로도, Grand Hotel이 주는 즐거움과 그것이 제공하는 가능성을 상쾌하게 상기시킨다.

이를 보고 있노라면, 가르보의 영원한 영혼이 탐탁지 않아할지도 모르지만, 왠지 ‘혼자 있고 싶지 않다’는 마음이 든다.