RECENSIE: Grand Hotel, Southwark Playhouse ✭✭✭

Grand Hotel

Southwark Playhouse

6 augustus 2015

3 Sterren

Eerst was het een roman van Vicki Baum. Daarna een toneelstuk, achtereenvolgens bewerkt door Baum zelf en William A. Drake. Toen volgde de beroemde MGM-film uit 1932 met Greta "I want to be alone" Garbo in de hoofdrol, die een Oscar won voor Beste Film. In 1958 sloegen Luther Davis (script), Robert Wright en George Forrest (muziek en tekst) — het team achter Kismet — de handen ineen voor At The Grand, een musicalbewerking voor Broadway. Dat werd geen succes, maar dertig jaar later kwam het creatieve team weer samen om, met hulp van Maury Yeston (die zes nieuwe nummers schreef en de teksten grondig herzag) en regisseur/choreograaf Tommy Tune, At The Grand om te vormen tot Grand Hotel. Deze versie ging op 12 november 1989 triomfelijk in première in het Martin Beck Theatre (tegenwoordig het Al Hirschfeld Theatre) op Broadway.

Grand Hotel won Tony en Drama Desk Awards voor Beste Regie en Beste Choreografie, maar greep naast de prijs voor Beste Musical. Toen de Donmar Warehouse de musical in 2005 in Londen hernam, won de productie de Olivier Award voor beste revival. Prijzen voor beste revival zeggen natuurlijk niets over de kwaliteit van het bronmateriaal.

Tien jaar later speelt er een nieuwe productie van Grand Hotel in de Southwark Playhouse, geregisseerd door Thom Sutherland met choreografie van Lee Proud en muzikale leiding van Michael Bradley. Het resultaat is 105 minuten aan flitsende dansnummers, weelderige muziek en een aantal prachtig uitgebalanceerde vertolkingen. Deze productie omarmt het idee dat muziek en beweging kunnen worden gesmeed tot een specifieke verteltaal die een complex verhaal verrijkt en verheldert. Grotendeels is dit zeer geslaagd.

De choreografie van Lee Proud is hier de sleutel tot zowel de uitbundigheid als de diepgang. Ondanks de vreemde keuze voor een traverse-opstelling (waarbij het publiek aan twee kanten zit), met slechts een smalle strook in het midden voor alle actie waardoor alles merkwaardig krap aanvoelt, zorgt Proud ervoor dat de grote ensemblenummers vloeiend, strak en vol verrassende details zitten. Of het nu gaat om een foxtrot, wals of charleston, grootschalig of intiem, elke stap heeft een doel en straalt plezier uit. De gehele cast is uitstekend getraind en brengt de verschillende routines met tomeloze energie. Deze wervelwind van beweging is essentieel om het potentieel van Grand Hotel te ontsluiten.

Het stuk speelt zich af in het Berlijn van 1928, in de majestueuze foyer en kamers van het titelgevende Grand Hotel. Het vertelt een welbespraakt verhaal over diverse thema's: leven met een leugen, alles uit het leven halen, de valkuilen van rijkdom, verleiding en overreding, fantasie versus realiteit, en leven en dood. Wat het boeiend en bij vlagen meeslepend maakt, is de vorm: een ononderbroken stroom van melodie en beweging die soms een punt maakt, het dan verkent en weer verder trekt – maar altijd verweven met andere thema's om een overkoepelend wandtapijt te vormen.

Er verblijven veel mensen in het hotel, maar ze kennen elkaar lang niet allemaal, zelfs als ze met elkaar spreken of zaken doen. Sommigen die dagelijks in het hotel zijn, weten niet van het bestaan van anderen, terwijl voor weer anderen hun leven voorgoed verandert door een toevallige ontmoeting. Toeval en kans blijken net zo belangrijk als planning en doorzettingsvermogen. Via een reeks korte verhalen met uiteenlopende personages — waarvan sommigen verrassende wendingen nemen en anderen elkaar kruisen of botsen — biedt Grand Hotel entertainment en maatschappijkritiek in gelijke mate.

In een breder perspectief kijkt het stuk naar de zinloosheid van menselijke obsessies, de manier waarop de geschiedenis zich herhaalt en hoe macht en geld levens kunnen transformeren. Het is veel verschuldigd aan de vernieuwingen van Cabaret en Chicago, vooral in de manier waarop vrolijke, bruisende nummers zij aan zij staan met sombere momenten voor specifieke personages. Door de inzet van een cynische, norse verteller in de gedaante van kolonel-dokter Otternschlag, krijgt het publiek het gevoel zowel insider als voyeur te zijn, wat de empathie aanzienlijk verhoogt.

Prouds choreografie getuigt van een scherp inzicht in al deze aspecten; alles wat hij doet is erop gericht om de toeschouwer te betrekken bij de intentie van het stuk. Het hotel weerspiegelt de Berlijnse tijdsgeest, die op haar beurt weer de wereldervaring weerspiegelt: het microkosmos in het hotel levert universele waarheden op. Van de bijna militaire openingsroutine tot de vaste scènes en de kleine incidenten, de grote vreugdevolle ensemblenummers en de intieme momenten van pijn: Proud zorgt ervoor dat dans de actie voortstuwt, de humor accentueert en de duisternis onderstreept.

Regisseur Sutherland brengt het er minder goed vanaf. Er zijn wat merkwaardige castingkeuzes die de mogelijkheden van het stuk eerder beperken dan vergroten, de beperkingen van de traverse-opstelling en de vreemde, storende verwijzing naar nazi-Duitsland die de slotscènes bijna verstikt. Dit alles, samen met de constante aanwezigheid van de grote kroonluchter (een flauw verrassingseinde waarbij het ding hortend en stotend naar beneden komt, slaat de sfeer dood), doet afbreuk aan de prestaties van Proud en weerhoudt de productie ervan de status van meesterwerk te bereiken.

Toch heeft Sutherland, dankzij de sterke muzikale kwaliteiten van het ensemble, het orkest en Michael Bradley, en de individuele talenten van enkele hoofdrolspelers, gezorgd voor uitstekend amusement in een tempo dat weliswaar soms inkakt, maar nooit de vaart verliest.

Merkwaardig genoeg worden sommige bijrollen gespeeld met een bravoure en flair die in de hoofdrollen soms ontbreekt. James Gant is uitstekend als de kleine tiran Rohna, de hotelmanager met een oog voor sociale status en orde, en een lust voor jonge mannen over wie hij macht heeft. Zijn aanwezigheid is dreigend en insinuerend, zijn stem krachtig en helder. Jonathan Stewart is uitmuntend als Erik, de receptionist wiens vrouw op het punt staat te bevallen van hun eerste zoon, maar die op zijn post moet blijven uit angst zijn inkomen te verliezen. Hij is elektriserend in drie sleutelscènes en levert het beste acteerwerk van de avond: het moment dat hij het nieuws hoort over de geboorte, het moment waarop hij beseft dat Rohna hem probeert te verleiden, en het moment dat hij de sigarettenkoker van de Baron krijgt. Fenomenaal.

Charles Hagerty is uitstekend (maar schandalig onderbenut) als de meedogenloze gangster die de schuldeisers van de Baron vertegenwoordigt; Samuel J. Weir, Leah West, Durone Stokes, Jammy Kasongo en Rhiannon Howys leveren allemaal sterk werk in kleinere rollen en dansen, samen met Hagerty, Gant en Stewart, met passie en stijl. De imitatiemarmeren vloer straalt door hun gezamenlijke energie en inzet.

Victoria Serra speelt Flämmchen, de zwangere typiste die zoekt naar een manier om te overleven en hogerop te komen. Ze legt kracht en overtuiging in elke zin van "Girl in the Mirror" en zet de koers van dit ongelukkige personage goed neer. Soms oogt ze wat te ernstig, waar sprankeling en ongeremde charme wellicht beter hadden gepast, maar over het algemeen is ze zeer overtuigend. Haar personage heeft lastige scènes met de houterige Preysing van Jacob Chapman — een zakenman die volledig de weg kwijt is. Chapman mag dan de juiste haarkleur hebben (grijs), hij mist het vermogen om zijn complexe karakter tot leven te wekken. Hierdoor lijden alle verhaallijnen die met Preysing in aanraking komen. Een onbegrijpelijke keuze: grijs haar is geen vervanging voor acteertalent, en er zaten genoeg mensen in deze cast die de rol waarschijnlijk voortreffelijk hadden kunnen invullen.

Als de doodzieke accountant Kringelein leek George Rae eigenlijk te jong voor de rol, maar zijn talent als performer en zanger bewees waarom hij werd gekozen. Hij mag er dan niet uitzien als een oude man, hij speelde de rol met volledige overgave aan elke wending; breekbaar, optimistisch en vergevingsgezind. Het is een vreugdevolle viering van het leven: Rae maakt het onmogelijke geloofwaardig. Zijn optreden stond in schril contrast met dat van Valerie Cutko en David Delve, die beiden het potentieel van hun personages lieten liggen. Delve was als de kolonel-dokter te veel gal en spuug, en negeerde de veranderlijke en ontroerende kanten van zijn rol. Cutko was veel te expliciet als de geheime lesbische aanbidster van de vervagende balletdiva; subtiliteit had haar vertolking van "How Can I Tell Her" veel meer impact gegeven.

Als de ongebruikelijke centrale combinatie wisten Scott Garnham en Christine Grimaldi de generatiekloof en een gebrek aan vurige chemie te overwinnen om een verrassend effectief verhaal van onverwachte liefde neer te zetten. Garnhams Baron was niet charmant of meeslepend genoeg en hoewel hij een uitstekend, helder tenorgeluid heeft, forceerde hij te vaak om echt te betoveren. Het publiek wordt toegezongen in plaats van meegevoerd door de schoonheid van het geluid. Grimaldi overtuigde niet als wereldberoemde prima ballerina; ze deed meer denken aan een theatrale diva op haar retour. Haar bewegingen waren niet lichtvoetig en sprankelend genoeg om een verleden van triomfantelijke Zwanenmeren te suggereren.

En toch, samen in het prachtige "Love Can't Happen", stegen ze boven zichzelf uit en vormden ze een oprecht ontroerend en warm koppel, een moment van eerlijkheid in een zee van bluf en uiterlijke schijn. Sutherland’s gebruik van rozenblaadjes als motief, een symbool voor passie en onvervulde beloftes, werkt goed — de zoete idealisering van de blaadjes contrasteert uitstekend met de bitterzoete ontmoeting en de nasleep ervan.

Uiteindelijk legt deze productie de gebreken in het script vrij pijnlijk bloot. Hoewel de choreografie van Proud die zwaktes knap maskeert, zorgen de casting en regie ervoor dat ze toch zichtbaar blijven. Zelfs de muziek — die op haar best tot het beste van Broadway behoort en op haar minst boeiend en helder is — kan deze obstakels niet volledig overwinnen.

Meer ruimte, een betere bezetting van bepaalde rollen en minder nadruk op regievondsten (de Holocaust past wellicht als einde voor Cabaret, maar voelt hier ongemakkelijk aan in een verhaal dat zich vijf jaar voor de machtsovername van Hitler afspeelt) hadden deze productie echt kunnen laten vliegen. Desondanks is het een levendige herinnering aan de pracht van Grand Hotel en de mogelijkheden die het stuk biedt.

Na het zien ervan wens je niet langer alleen te zijn, wellicht tot groot ongenoegen van Garbo's eeuwige geest.