RECENSION: Grand Hotel, Southwark Playhouse ✭✭✭

Grand Hotel

Southwark Playhouse

6 augusti 2015

3 stjärnor

Först var det en roman av Vicki Baum. Sedan en pjäs, bearbetad först av Baum och sedan av William A. Drake. Därefter en berömd MGM-film från 1932 med Greta ”I want to be alone” Garbo i huvudrollen, som belönades med en Oscar för bästa film. År 1958 samarbetade teamet bakom Kismet – Luther Davis (manus), Robert Wright och George Forrest (musik och text) – på At The Grand, en musikalversion för Broadway. Den floppade, men trettio år senare samlades det kreativa teamet igen och skapade, med hjälp av Maury Yeston (som komponerade sex nya sånger och reviderade texterna avsevärt) och regissören/koreografen Tommy Tune, om At The Grand till Grand Hotel. Musikalen hade en triumfartad premiär på Martin Beck Theatre (numera Al Hirschfeld Theatre) på Broadway den 12 november 1989.

Grand Hotel vann Tony- och Drama Desk-priser för bästa regi och bästa koreografi, men inte för bästa musikal. När Donmar Warehouse satte upp musikalen på nytt i London 2005 vann produktionen en Olivier Award för bästa nyuppsättning. Priser för bästa nyuppsättning beror förstås inte alltid på grundmaterialets kvalitet.

Ett decennium senare spelas nu en ny uppsättning av Grand Hotel på Southwark Playhouse, denna gång i regi av Thom Southerland med koreografi av Lee Proud och musikalisk ledning av Michael Bradley. Det är 105 minuter av bländande dansnummer, fyllig och tilltalande musik och några fenomenala rolltolkningar. Det här är en musikalproduktion som anammar idén om att musik och rörelse kan formas till ett specifikt berättarspråk för att förstärka och belysa en komplex intrig. För det mesta lyckas den mycket väl.

Lee Prouds koreografi är nyckeln till den livsglädje och insikt vi ser här. Trots ett märkligt beslut att presentera produktionen på en traverse-scen, med en relativt smal mittgång där all action utspelar sig – vilket gör att allt känns märkligt trångt – ser Proud till att de stora ensemblenumren är flytande, distinkta och fulla av händelser och excentricitet. Oavsett om det är foxtrot, vals eller charleston, i liten eller stor skala, finns det syfte och glädje i varje steg. Hela ensemblen är väldrillad och levererar de olika numren med energi och entusiasm. Denna malström av rörelse är avgörande för att frigöra potentialen i Grand Hotel.

Verket utspelar sig i 1928 års Berlin, i foajén, korridorerna och rummen på det titulära Grand Hotel, och talar vältaligt om en rad teman: att leva en lögn, att göra det mesta av livet, rikedomens fallgropar, förförelse och övertalning, fantasi och verklighet, liv och död. Det som gör det engagerande, och periodvis spännande, är formen som används för att presentera dessa teman: en kontinuerlig ström av melodi och rörelse som ibland etablerar en poäng, ibland utforskar den, för att sedan gå vidare – men alltid i samklang med andra teman för att skapa en helhetsväv.

Det bor många människor på hotellet, men alla känner inte varandra, även om de pratar eller gör affärer ihop. Vissa som befinner sig på hotellet varje dag har ingen aning om att andra existerar, medan andras liv förändras för alltid av korta möten. Slump och möjligheter visar sig vara lika viktiga som planering och envishet. Genom en serie korta berättelser involveras en rad karaktärer – varav vissa genomgår överraskande vändningar medan andra kolliderar – och Grand Hotel bjuder på underhållning och samhällskommentar i lika delar.

I ett större perspektiv blickar stycket mot de mänskliga obsessionernas fåfänga, hur historien upprepar sig och hur makt och pengar kan transformera liv. Den har mycket att tacka innovationerna i Cabaret och Chicago för, särskillt i sättet de ljusa, sprudlande numren ställs mot mörka ögonblick för specifika karaktärer. Användandet av en frän, bister berättarfigur, Doktor Otternschlag, ger publiken en känsla av att vara både insider och voyeur, vilket höjer insatserna avsevärt när det gäller empati.

Prouds koreografi andas en djup förståelse för allt detta, och varje steg syftar till att hjälpa oss förstå verkets syfte. Hotellet ses som en spegling av Berlin-upplevelsen, som i sin tur speglar världens tillstånd: mikrokosmoset på hotellet levererar universella sanningar. Från det nästan militäriska öppningsnumret till de mer intima stunderna av smärta eller glädje, ser Proud till att dansen driver handlingen framåt, accentuerar det roliga och understryker mörkret.

För regissören Southerland går det inte riktigt lika bra. Det finns några märkliga rollbesättningsval som snarare begränsar än lyfter pjäsen, begränsningarna med traverse-scenen, och den märkliga, skärrande framåblicken mot Nazityskland som nästan kväver slutscenerna. Allt detta, tillsammans med den ständiga närvaron av den stora ljuskronan (och ett tamt, överraskande slut där den darrande sänks ner), förtar lite av Prouds bedrifter och hindrar produktionen från att nå absoluta höjder.

Men trots detta har Southerland regisserat en mycket underhållande föreställning, tack vare de starka musikaliska talangerna i ensemblen och orkestern under Bradleys ledning, samt de individuella färdigheterna hos tongivande skådespelare och ett tempo som aldrig tappar fart.

Märkligt nog spelas vissa biroller med en sådan briljans och finess som saknas hos vissa huvudroller. James Gant är utmärkt som den småaktige tyranen Rohna, hotellchefen med sikte på social status och ordning, men med en svaghet för unga män i beroendeställning. Hans närvaro är hotfull och krypande, hans röst stadig och tydlig. Jonathan Stewart är enastående som receptionisten Erik, vars fru ska föda deras första son men som måste stanna på sin post av rädsla för att förlora inkomsten. Han är elektrisk i tre nyckelscener: när han får nyheten om sonens födelse, när han inser att Rohna försöker förföra honom, och när han får baronens cigarettetui. Enastående skådespeleri.

Charles Hagerty är utmärkt (men skandalöst underutnyttjad) som den oförsonlige gangstern som representerar de intressen baronen är skyldig pengar, och Samuel J Weir, Leah West, Durone Stokes, Jammy Kasongo och Rhiannon Howys gör alla ett bra jobb i mindre roller. Tillsammans med Hagerty, Gant och Stewart dansar de med stil och energi så att det fusk-marmorerade golvet formligen strålar.

Victoria Serra spelar Flaemmchen, den gravida maskinskriverskan som letar efter en väg att överleva och lyckas. Hon ger kraft och övertygelse till varje fras i "Girl in the Mirror" och skildrar denna olycksaliga karaktärs resa väl. Ibland känns hon lite väl allvarlig när en mer obekymrad charm hade krävts, men överlag är hon mycket bra. Hennes karaktär har svåra scener med Jacob Chapmans stela Preysing – en affärsman som helt tappat fotfästet. Chapman har måhända rätt hårfärg (grå) men saknar förmågan att göra sin komplexa karaktär levande. Det är oförklarligt: grått hår är ingen ersättning för skådespelartalang, och det fanns flera i ensemblen som garanterat hade kunnat axla rollen bättre.

Som den dödssjuka bokhållaren Kringelein framstår George Rae som något för ung, men hans skicklighet som artist och sångare visar tydligt varför han fick rollen. Han kanske inte ser ut som man förväntat sig, men han spelar rollen med total hängivelse för varje vändning; skör, optimistisk och förlåtande. Det är en glädjefylld hyllning till livet, och Rae får det omöjliga att verka möjligt. Hans prestation stod i skarp kontrast till Valerie Cutko och David Delve, som båda lät sina karaktärers potential gå dem förbi. Delve som doktorn var för mycket ilska och fräsande, och missade karaktärens mer rörliga och gripande sidor. Cutko var alldeles för uppenbar som den hemliga lesbiska beundraren av den falnande ballerinan; lite mer subtilitet hade gjort hennes tolkning av "How Can I Tell Her" betydligt mer slagkraftig.

Som det ovanliga och oväntade centrala paret lyckades Scott Garnham och Christine Grimaldi övervinna både en generationsklyfta och en märkbar brist på elektrisk kemi för att skapa en förvånansvärt effektiv kärlekshistoria. Garnhams baron var inte riktigt tillräckligt stilig eller engagerande, och även om han har en utmärkt, klar tenor, pressade han rösten för ofta för att vara genuint fängslande. Publiken blir snarare sjungen "åt" än att de förlorar sig i den vackra klangen. Grimaldi övertygade inte helt som den lysande primaballerinan; hon kändes mer som en teaterdiva på dekis. Hennes rörelser var inte tillräckligt lätta eller skimrande för att antyda en glansfull bakgrund i Svansjön.

Och ändå, i det praktfulla numret "Love Can't Happen", lyfte båda två och skapade ett genuint gripande och varmt möte – ett ögonblick av ärlighet i ett hav av bluff och båg. Southerlands användning av rosenblad som motiv, en symbol för passion och ofullbordade löften, fungerar väl – bladens söta ideal kontrasterar skönt mot den bittersöta verkligheten.

I slutändan synliggör den här produktionen bristerna i manuset ganska tydligt, och fastän Prouds koreografi gör ett underbart jobb med att distrahera, så ser rollbesättningen och regin till att de förblir i blickfånget. Inte ens musiken, som när den är som bäst är i nivå med det bästa på Broadway, kan helt dölja dessa hinder.

Mer utrymme, bättre rollbesättning i vissa nyckelroller och mindre förlitan på regimässiga innovationer (förintelse-temat passar kanske som slut i Cabaret, men känns mindre övertygande här när handlingen utspelar sig fem år innan Hitler tog makten) hade kunnat få den här produktionen att verkligen lyfta. Som den står nu är den dock en pigg påminnelse om glädjen i Grand Hotel och de möjligheter musikalen erbjuder.

Att se den väcker en önskan om att inte vara ensam, kanske till den eviga Garbos stora förtrytelse.