ANMELDELSE: The Light Princess, Lyttleton Theatre på National Theatre ✭✭

The Light Princess

National Theatre

9. oktober 2013

To stjerner

Der er noget sandt bjergtagende og mirakuløst over Rae Smiths smukke, stemningsfulde og gennemarbejdede eventyrdesign til National Theatres debutforestilling af The Light Princess, som åbner i aften på Lyttleton-scenen.

Det er svært at huske, hvornår Lyttletons auditorium sidst føltes så varmt og indbydende ved ankomst, og så fyldt med pirrende forventning, som den pragtfulde faux-proscenium og fortæppet skaber her; sidstnævnte prydes af et kort i Brødrene Grimm- eller H.C. Andersen-stil, der fortæller sin helt egen lille historie om splittede kongeriger og magiske væsner i farlige skove.

Når handlingen går i gang, bliver det hurtigt klart, at der er to grundlæggende forskellige typer præstationer i spil, begge under ledelse af den visionære Marianne Elliott. Den første er menneskene – de kongelige familier og det sædvanlige galleri af borgere, tjenere og rådgivere, som vi vender tilbage til. Den anden, og mest mirakuløse, er dukkefigurerne (formidable skabninger vækket til live af Toby Olié og Finn Caldwell samt de dygtige førere Owain Gwynn, Tommy Luther, Emma Norin og Nuno Silva), som tilføjer farve og fantastisk tekstur til paladserne og de omkringliggende områder – især søen, hvor meget af handlingen udspiller sig.

Der er en bemærkelsesværdig mus, nogle kåde og ekshibitionistiske frøer, diverse fugle, angrebslystne bæster med hajhoveder, yndefulde storke, prangende planter og fisk – både døde og levende – og ikke at forglemme drager, præcis når der er brug for noget spektakulært. Det er umuligt med ord at beskrive skønheden, både den hjemsøgende og den humoristiske, ved disse væsner: For at citere Charlie og Chokoladefabrikken, så skal de ses, før man tror det.

Dette gælder især, og på både dragende og romantisk vis, for to specifikke karakterkoncepter i Elliotts vision: Zephyrus, prinsens højtelskede falk, og den 'lethed' eller mangel på tyngdekraft, der plager titelprinsessen. Ben Thompson er upåklagelig som Zephyrus og leverer aftenens absolutte stjernepræstation. Den blå falk er levende, sjov, truende, heroisk og vigtigst af alt: virkelig, komplet og troværdig. Da han river øjnene ud på den afskyelige kong Ignacio, er det aftenens triumferende klimaks. Thompson er yndefuld, senet og holder sig ubesværet i skyggerne, mens han bogstaveligt talt får Zephyrus til at flyve – både i fantasien og i luften.

Det samme gør den kvartet af akrobater, der som en velsmurt maskine holder prinsessen svævende, indimellem ved hjælp af wirer, andre gange uden. De tager intet fokus fra prinsessen og forsvinder hurtigt helt ind i baggrunden, efterhånden som man accepterer deres fælles tilstedeværelse som selve konceptet for vægtløshed. Det er et dristigt og modigt koncept, og det fungerer med en lethed og enkelhed, der skjuler det enorme talent bag. At se prinsessen svæve, som hun gør næsten uafbrudt, ville have været kedeligt, hvis hun blot hang i en sele: Elliotts løsning på dette problem er en af de centrale genistreger, der får denne forestilling til at brænde sig fast i hukommelsen.

Hvilket er heldigt, for manuskriptet (Samuel Adamson), musikken (Tori Amos), sangteksterne (begge to), koreografien (Steven Hoggett) og mest deprimerende nok mange af de medvirkende (castingen af Alastair Coomer og Charlotte Sutton er i mange tilfælde helt uforståelig) gør deres yderste for at berøve begivenheden enhver form for sammenhængende sjæl eller glæde. Det er en kompleks historie, og den bliver overhovedet ikke formidlet gennem de talte ord eller sangteksterne – i de tilfælde hvor man overhovedet kan høre dem, hvilket ikke er så tit.

Det er næsten umuligt at forstå, hvad der motiverer de centrale karakterer, især prinsessen, og slutningen på første akt er, trods dens visuelle pragt, unerigelig, ligesom årsagen til bruddet mellem prinsessen og prins Digby i anden akt er det. Historien bliver i selve teksten simpelthen ikke fortalt med den nødvendige klarhed.

Hvad musikken angår, føles den for det meste som en tsunami af hvid støj. Folk beklager sig ofte over, at Sondheim ikke skriver iørefaldende musik eller melodier, man kan nynne med på (et synspunkt, jeg ikke deler), men på baggrund af dette værk fremstår Sondheim som Irving Berlin sammenlignet med Tori Amos. Partituret er ikke direkte dårligt, det er bare mærkeligt og repetitivt og mangler variation i både klang og rytme.

Der er passager, der åbner sanserne: Begyndelsen på første akt er spændende og passer smukt sammen med finalen; starten af anden akt ved søen ejer en poetisk glæde og harmonisk interesse, som aldrig matches siden; prinsessens store solo før finalen, hvor hun endelig græder og genvinder sin tyngdekraft, er aftenens mest dragende solo – og de sidste fem minutter viser, hvilket helt igennem fænomenalt værk dette kunne have været. Glæden, den svævende kraft og skønheden i finalen, når hele ensemblet synger i harmoni og med melodier, der for alvor fortryller – ja, hvis det havde været standarden for hele værket, ville dette være århundredets musical. Men det er ikke standarden, og det er ikke en god musical.

Det siges ofte om Judi Dench, at folk ville betale for at høre hende læse telefonbogen højt – det samme kan man formentlig sige om Rosalie Craig i forhold til at synge telefonbogen. Hun har en stemme med bemærkelsesværdig kraft, skønhed og klang, og hun udnytter den til fulde her. Hun får musikken til at lyde bedre, end den reelt er.

Men hun overbeviser ikke som prinsessen i denne opsætning. Hun er simpelthen for gammel i forhold til castingen af Nick Hendrix som hendes udkårne. Trods hendes vokale overskud kræver rollen en særlig kemi mellem prinsessen og prinsen, hendes far og hendes "bedste ven" Piper. Der er ingen kemi at spore i nogen af disse tilfælde. Det er ikke Craigs skyld; det er castingen. Hvis Hendrix er prinsen, har man brug for en ægte ingenue, en ung superstjerne som prinsessen (som eksempelvis Vivien Carter, der er Craigs understudy, men dette er National Theatre, så de kunne også have taget en chance med et talentfuldt men helt ukendt ansigt – under alle omstændigheder en, der matcher rollen bedre: ung, uformet, naiv, dyrebar og skrøbelig) for at få den centrale balance til at fungere. Michael Xavier kunne have spillet prinsen over for Craig, og det ville straks have været mærkbart bedre, alene fordi de er sammenlignelige talenter med lignende erfaring og udstråling.

Hendrix er en god og sympatisk skuespiller, passende maskulin og flot på en drengerøvs-prins-agtig måde (selvom hans kostumer mærkværdigt nok sidder dårligt eller rettere ikke gør ham nogen tjenester, og han tvinges til at åbne anden akt i boksershorts uden anden grund end at fremvise sin prangende falketatovering og imponerende mavemuskler), men han er vokalt på dybt vand med dette partitur, og det, sammen med aldersforskellen mellem ham og Craig, dræner hans karakter for gennemslagskraft. Han er dog stadig den klart bedste mandlige optrædende på scenen.

Som hans bror, Llewelyn, er Kane Oliver Parry helt uden pondus gennem hele stykket (han synger heller ikke godt nok) og viser kun et kort glimt af talent, da han leverer en enkelt replik i slutningen af showet, som vækker vild jubel. Clive Rowe, i sin sædvanlige Clive Rowe-typekarakter nummer to, er pinefuldt dårlig som prinsessens far, og det er i høj grad hans skyld, at stykket mangler klarhed. Han er stort set uforståelig, og selvom han beskrives som en venlig konge, der har mistet fodfæstet, spiller han ikke rollen sådan. Hans bløde, let syrlige præstation er sørgeligt utilstrækkelig til de krav, der stilles til forestillingens klart sværeste rolle, som alt andet afhænger af. Han rammer tonerne, men med en forhammer, og det er på ingen måde behageligt at lytte til. Han er en katastrofe.

Det samme er Hal Fowler som kong Ignacio, en rolle der emmer af potentiale – det kunne have været en intens, mørk skurk, så ondskabsfuld og ondsindet som de findes, men i Fowlers hænder er han blot en træagtig fuser.

Det falder til de kvindelige biroller at tilføre glans og interesse, og det gør de: Laura Pitt-Pulford er fremragende som Digbys falkonér og får aftenens største grin; Malinda Parris er vidunderlig som den kontante, dragedræbende Serjeant-Arms og sikrer sig aftenens næststørste grin; Amy Booth-Steel som Piper er måske ikke helt flyvende i første akt, men tager revanche i anden akt, hvor hun får det meste ud af sin pinefulde solo og sit øjeblik i rampelyset med Llewelyn.

Ensemblet synger godt, men deres kostumer og koreografi leder tankerne hen på tredjerangs Disney snarere end førsteklasses magi fra National Theatre – og de er næsten alle meget unge, selvom manuskriptet kræver en bred aldersfordeling. Der er intet mere nedslående i en professionel musicalopsætning end at se unge skuespillere prøve at spille "gamle" – men det er desværre det, man får serveret. De tre tidligere bejlere til prinsessen (David Langham, Adam Pearce og Caspar Phillipson) er blottet for humor og kedelige, kedelige, kedelige – man ønskede næsten, at dukkeførerne kunne indblæse det liv i dem, som de øste ud over dyrene ved søen.

Det mest bemærkelsesværdige er dog, hvordan det hele til allersidst, når brylluppet finder sted, og barnet født uden for ægteskab endelig ses, pludselig smelter sammen for hver eneste person på scenen og hvert element i produktionen. Resultatet er sprudlende, topmagisk og livsbekræftende. Folk vil sikkert huske det som selve oplevelsen af showet – det er i hvert fald øjeblikke af teatermagi, som vil blive hos mig længe.

Men det er ikke nok, slet ikke. Og i betragtning af den rene skønhed, magi og dygtighed, der udvises i alle aspekter af Rae Smiths evigt skiftende scenografi, sublimt oplyst af den uforlignelige Paule Constable, tvivler jeg på, at dette værk kunne iscenesættes bedre, end det er her. Men det kunne bestemt være bedre skrevet (både tekst og musik) og have været meget, meget bedre castet. Rosalie Craig er bemærkelsesværdig, men hendes alder og erfaring gør hendes prinsesse mindre 'let', end titlen og stykkets præmis kræver.

Det må siges, at når man ser på den samlede oplevelse, så er The Light Princess hverken en bedre eller dårligere musical end Viva Forever! I begge tilfælde trænger manuskriptet til en grundlæggende omarbejdelse, det samme gør musikken, og der var casting-problemer, som kunne have været undgået – men begge havde/har et reelt potentiale. Scenografien, designkonceptet, dukkeføringen og Ben Thompson giver The Light Princess en seriøs fordel, men som musical betragtet er de lidt af det samme. De mangler begge mere arbejde – meget mere arbejde – og en bedre casting.

Der er en tomhed og en fladhed, som gennemsyrer teksten, musikken og præstationerne i The Light Princess – når først det er rettet af forfatterne, kan denne forestilling for alvor flyve, ligesom Zephyrus gør det.