RECENSIE: The Light Princess, Lyttleton Theatre in het National Theatre ✭✭

The Light Princess

National Theatre

9 oktober 2013

Twee Sterren

Er is iets werkelijk adembenemends en wonderbaarlijks aan het prachtige, suggestieve en hoogwaardige sprookjesontwerp van Rae Smith voor de debuutproductie van The Light Princess in het National Theatre, die vanavond in het Lyttleton in première gaat.

Het is moeilijk je een moment te herinneren waarop de zaal van de Lyttleton bij binnenkomst zo warm, uitnodigend en vol tintelende verwachting aanvoelde als hier, dankzij het schitterende faux proscenium en het doek met een kaart in de stijl van de gebroeders Grimm of Hans Christian Andersen, die een eigen verhaal vertelt over verdeelde koninkrijken en magische wezens in gevaarlijke bossen.

Zodra het stuk begint, wordt snel duidelijk dat er twee fundamenteel verschillende soorten acteerwerk aan de gang zijn, beide onder de visionaire leiding van Marianne Elliot. De eerste groep zijn de mensen: de koninklijke families en een standaardselectie van burgervolk, bedienden en adviseurs, waar we later op terugkomen. De tweede, en meest wonderbaarlijke groep, zijn de pop-wezens (verbluffende creaties tot leven gewekt door Toby Olié, Finn Caldwell en de deskundige spelers Owain Gwynn, Tommy Luther, Emma Norin en Nuno Silva). Zij geven kleur en een fantastische dimensie aan de paleizen en de omgeving, vooral het meer waar de actie zich ontplooit.

Er is een opmerkelijke muis, een paar dartelende exhibitionistische kikkers, diverse vogels, aanvallende beesten met haaienkoppen, gracieuze ooievaars, opzichtige planten en vissen, zowel dood als levend – en niet te vergeten, net wanneer er iets spectaculairs nodig is: draken. Het is onmogelijk om in woorden de schoonheid te vatten, zowel spookachtig als humoristisch, van deze verschillende wezens: om Charlie and the Chocolate Factory te citeren, je moet het zien om het te geloven.

Dit geldt in het bijzonder, op een meeslepende en romantische manier, voor twee specifieke personage-concepten in Elliots visie: Zephyrus, de trotse valk van de prins, en de gewichtloosheid of het gebrek aan zwaartekracht waar de titulaire prinses aan lijdt. Ben Thompson is onberispelijk als Zephyrus en levert zonder twijfel de sterprestatie van de avond. De blauwe valk is levendig, grappig, dreigend, heroïsch en, belangrijker nog, echt, compleet en geloofwaardig: wanneer hij de ogen van de afschuwelijke koning Ignacio uitpikt, is dat het triomfantelijke actiemoment van de avond. Thompson is gracieus, pezig en blijft moeiteloos in de schaduw terwijl hij Zephyrus letterlijk laat vliegen – in de verbeelding en in de lucht.

Dat geldt ook voor het kwartet acrobaten dat als een goed op elkaar ingespeelde groep de prinses in de lucht houdt, soms met hulp van vliegdraden, soms zonder. Ze leiden op geen enkele manier af van de prinses zelf en verdwijnen al snel volledig naar de achtergrond zodra je hun gezamenlijke aanwezigheid accepteert als het concept van gewichtloosheid. Het is een concept dat zo gedurfd is als je ze in het theater maar zelden ziet, en het werkt met een gemak en eenvoud die de enorme vaardigheid erachter maskeert. Het zou saai zijn geweest om de prinses te zien zweven (wat ze bijna de hele tijd doet) als ze alleen een harnas en draden had gebruikt; Elliots oplossing voor dit probleem is een van de belangrijkste hoogtepunten en geniale vondsten die ervoor zorgen dat deze productie in het geheugen gegrifd blijft.

En dat is maar goed ook, want het script (Samuel Adamson), de muziek (Tori Amos), de liedteksten (beiden), de choreografie (Steven Hoggett) en, het meest deprimerend, veel van de vertolkingen (de casting door Alastair Coomer en Charlotte Sutton is in veel gevallen onbegrijpelijk) doen in een fnuikende combinatie hun uiterste best om de avond te ontdoen van elke consistente sfeer of vreugde. Het is een ingewikkeld verhaal dat totaal niet overkomt via de gesproken woorden en gezongen teksten – voor zover die al verstaanbaar zijn, wat niet vaak het geval is.

Het is bijna onmogelijk te begrijpen wat de hoofdpersonages drijft, vooral de prinses, en het einde van de eerste akte is, hoewel visueel oogverblindend, ondoorgrondelijk, evenals de reden voor de scheiding tussen de prinses en prins Digby in de tweede akte. Het verhaal wordt in de tekst simpelweg niet met de vereiste helderheid verteld.

Wat de muziek betreft: voor het grootste deel is het een tsunami van 'white noise'. Men klaagt vaak dat Sondheim geen melodieuze muziek schrijft of deuntjes die je kunt neurieën (een standpunt waar ik het niet mee eens ben), maar op basis van dit werk is Sondheim vergeleken met Tori Amos net Irving Berlin. De partituur is niet ellendig, maar gewoon vreemd, repetitief en niet bijzonder gevarieerd, noch tonaal, noch ritmisch.

Er zijn passages die de zintuigen prikkelen: de opening van de eerste akte is intrigerend en sluit mooi aan op de finale; de opening van de tweede akte bij het meer bezit een poëtische vreugde en harmonische rijkdom die verder nergens wordt geëvenaard; het 'eleven o'clock number' van de prinses, waarin ze eindelijk huilt en haar zwaartekracht vindt, is de meest meeslepende solo van de avond – en de laatste vijf minuten laten zien wat voor een absoluut opmerkelijk stuk werk dit had kunnen zijn. De vreugde, de opstijgende kracht, de schoonheid van de finale wanneer het hele gezelschap in harmonie zingt met melodieën die werkelijk betoveren – nou ja, als dat de norm was voor het hele stuk, dan was dit de musical van de eeuw geweest. Maar het is niet de norm en het is geen goede musical.

Van Judi Dench wordt vaak gezegd dat mensen zouden betalen om haar het telefoonboek te horen voorlezen – ik denk dat voor Rosalie Craig waarschijnlijk hetzelfde geldt voor het zingen van het telefoonboek. Ze heeft een stem van opmerkelijke kracht, schoonheid en klankkleur, en die zet ze hier optimaal in. Ze laat de muziek zelfs beter klinken dan deze werkelijk is.

Toch overtuigt ze in deze productie niet als de prinses. Ze is simpelweg te oud, gelet op de casting van Nick Hendrix als haar 'love interest'. Ondanks haar vocale kwaliteiten vereist de rol een specifieke chemie tussen de prinses en de prins, haar vader en haar "beste vriend" Piper. Die chemie ontbreekt in al deze gevallen. Dat is niet de schuld van Craig; het ligt aan de casting. Als Hendrix de prins is, heb je als prinses een echte ingénue nodig, een piepjong supertalent (zoals Vivien Carter, de understudy van Craig, maar dit is het National Theatre, dus ze hadden ook een risico kunnen nemen met een getalenteerde maar volslagen onbekende – hoe dan ook, iemand die beter past bij de rol: jong, ongevormd, naïef, kostbaar en breekbaar) om de centrale balans te laten werken. Michael Xavier had de prins kunnen spelen tegenover Craig en dan zou het direct voelbaar beter zijn geweest, simpelweg omdat zij vergelijkbare talenten zijn met soortgelijke ervaring en sensibiliteit.

Hendrix is een goede, innemende acteur, passend mannelijk en knap op een jongensachtige prinselijke manier (hoewel zijn kostuums vreemd slecht zitten of hem in ieder geval geen recht doen, en hij gedwongen wordt om de tweede akte in zijn boxershort te openen zonder goede reden, behalve om zijn opzichtige valkentattoo en indrukwekkende sixpack te tonen), maar vocaal komt hij tekort bij deze partituur. Dat, en het verschil tussen hem en Craig, haalt veel van zijn effectiviteit weg. Toch is hij veruit de beste mannelijke acteur op het toneel.

Als zijn broer Llewelyn is Kane Oliver Parry het hele stuk door volstrekt onbeduidend (hij zingt ook niet goed genoeg), al toont hij een sprankje talent wanneer hij aan het eind van de show één regel uitspreekt die de lachers op de hand krijgt. Clive Rowe is, in zijn standaard type-casting modus, tergend slecht als de vader van de prinses, en het gebrek aan helderheid in het stuk is grotendeels aan hem te wijten. Hij is grotendeels onverstaanbaar, en hoewel hij wordt beschreven als een vriendelijke koning die het spoor bijster is geraakt, speelt hij de rol niet zo. Zijn slappe, zouteloze vertolking schiet schromelijk tekort voor de eisen van wat duidelijk de moeilijkste rol in de show is, en degene waar bijna alles om draait. Hij raakt de noten wel, maar met een mokerhamer, en het is niet prettig om naar te luisteren. Hij is een ramp.

Dat geldt ook voor Hal Fowler als koning Ignacio, een rol die bruist van potentieel – dit had een angstaanjagende, duistere schurk kunnen zijn, zo vals en kwaadaardig als ze maar komen, maar in de handen van Fowler is hij slechts een houten pop die de plank misslaat.

Het is aan de vrouwelijke bijrollen om voor glans en interesse te zorgen, en dat doen ze: Laura Pitt-Pulford is uitstekend als de valkenier van Digby en krijgt de grootste lach van de avond; Malinda Parris is geweldig als de no-nonsense, draken-verslaande Serjeant-Arms en krijgt de op één na grootste lach; Amy Booth-Steel als Piper herstelt zich in de tweede akte na een matige eerste akte, waarbij ze het beste haalt uit haar emotionele solo en haar moment in de schijnwerpers met Llewelyn.

Het ensemble zingt goed, maar hun kostuums en choreografie doen eerder denken aan derderangs Disney dan aan de magie van een eersteklas National Theatre-productie. Bovendien zijn ze bijna allemaal erg jong, terwijl het script een duidelijk scala aan leeftijden vereist. Er is niets deprimerender in een professionele musicalproductie dan jonge acteurs te zien die geforceerd "oudje" spelen – en toch is dat wat we geserveerd krijgen. De drie aspirant-vrijers voor de prinses (David Langham, Adam Pearce en Caspar Phillipson) zijn ongrappig en saai, saai, saai – je zou bijna willen dat de poppenspelers hen net zoveel leven konden inblazen als de dieren bij het meer.

Wat echter het meest opmerkelijk is, is hoe aan het einde, wanneer de bruiloft plaatsvindt en de buitenechtelijk geboren baby eindelijk verschijnt, elke persoon op het toneel en elk element van de productie plotseling samensmelt. Het resultaat is uitbundig, volstrekt magisch en levensbevestigend. Veel mensen zullen zich dat herinneren als de ervaring van de show – het zijn zonder twijfel momenten van theatermagie die me nog lang zullen bijblijven.

Maar ze zijn niet genoeg, bij lange na niet. En gezien de pure schoonheid, magie en vakmanschap die zichtbaar zijn in elk aspect van het steeds wisselende decor van Rae Smith, fantastisch uitgelicht door de onvergelijkbare Paule Constable, betwijfel ik of dit werk beter geregisseerd had kunnen worden dan hier het geval is. Maar het had zeker beter geschreven kunnen worden (zowel qua tekst als muziek) en veel, veel beter gecast. Rosalie Craig is opmerkelijk, maar haar leeftijd en ervaring maken haar prinses niet zo 'licht' als de titel en de strekking van het stuk vereisen.

Het moet gezegd dat, over de gehele linie genomen, The Light Princess kwalitatief niet beter of slechter is als musical dan Viva Forever! In beide gevallen heeft het script een fundamentele herziening nodig, de partituur eveneens, en waren er vermijdbare castingproblemen – maar elk had/heeft echt potentieel. Het decor, het ontwerpconcept, het poppenspel en Ben Thompson geven The Light Princess een serieuze voorsprong, maar als musicals zijn ze één pot nat. Ze hebben beide meer werk nodig – veel meer werk – en een betere casting.

Er hangt een zekere matheid en vlakheid over de tekst, de muziek en de vertolkingen in The Light Princess. Zodra dat door de makers wordt gecorrigeerd, zou dit stuk werkelijk kunnen vliegen, net zoals Zephyrus dat doet.