CRITIQUE : La Princesse Lumière, Lyttleton Theatre au National ✭✭

La Princesse légère

Théâtre National

9 octobre 2013

Deux étoiles

Il y a quelque chose de véritablement époustouflant et miraculeux dans le magnifique, évocateur et pur-sang design de conte de fées de Rae Smith pour le premier spectacle du National, La Princesse Légère, qui s'ouvre ce soir au Lyttleton.

Il est difficile de se souvenir d'un moment où, en entrant, l'auditorium du Lyttleton semblait si chaleureux, si accueillant, si plein d'une attente fascinante comme le splendide faux proscenium et le rideau, qui présente une carte de style frères Grimm ou Hans Christian Andersen racontant sa propre petite histoire de royaumes divisés et de créatures magiques dans des forêts dangereuses, que l'on trouve ici.

Lorsque l'action commence, il est vite clair qu'il existe ici deux types de performances fondamentalement différentes, toutes sous le contrôle visionnaire de Marianne Elliot. Les premières sont les humains, les familles royales et la sélection habituelle de roturiers, serviteurs et conseillers, auxquels nous reviendrons. Les secondes, et les plus miraculeuses, sont les créatures de marionnettes (des créations gagnantes animées de manière stupéfiante par Toby Olié et Finn Caldwell et les habiles manipulateurs, Owain Gwynn, Tommy Luther, Emma Norin et Nuno Silva) qui ajoutent couleur et texture fantastique aux palais et à leurs environs, notamment le lac, où l'action se déroule.

Il y a une remarquable souris, quelques grenouilles exhibitionnistes et endiablées, divers oiseaux, des créatures d'attaque à tête de requin, des cigognes gracieuses, des plantes et poissons colorés, vivants et morts - sans oublier, juste quand il faut quelque chose de spectaculaire, des dragons. Il n'est pas possible de transmettre en de simples mots la beauté, à la fois poignante et humoristique, de ces diverses créatures : pour citer Charlie et la Chocolaterie, elles doivent être vues pour être crues.

C'est particulièrement vrai, et à la fois de manière captivante et romantique, dans le cas de deux concepts de personnages particuliers au cœur de la vision d'Elliot : Zephyrus, le faucon chéri du Prince, et l'absence de poids ou de gravité qui affecte la Princesse titulaire. Ben Thompson est impeccable dans le rôle de Zephyrus et offre, sans conteste, la performance étoilée de la soirée. Le faucon bleu est vivant, drôle, menaçant, héroïque et, surtout, réel, complet et crédible : lorsqu'il arrache les yeux de l'horrible Roi Ignacio, c'est le moment triomphant d'action de la soirée. Thompson est gracieux, musclé et se tient facilement dans l'ombre tout en faisant littéralement voler Zephyrus - dans l'imagination et dans les airs.

Tout comme le quatuor d'acrobates qui, en un groupe harmonieusement rôdé, maintiennent la Princesse en lévitation, parfois à l'aide de câbles de vol, parfois sans. Ils ne font rien pour détourner l'attention de la Princesse elle-même et disparaissent rapidement entièrement dans l'arrière-plan lorsque l'on accepte leur présence conjointe comme le concept d'apesanteur. C'est un concept aussi audacieux et osé qu'il en vient au théâtre, et il fonctionne avec une aisance et une simplicité qui masquent l'immense talent à l'œuvre. Regarder la Princesse flotter, comme elle le fait presque exclusivement tout au long du spectacle, aurait été ennuyeux si elle s'était simplement servie de harnais et de câbles : la solution d'Elliot à ce problème est l'un des délices et des coups de génie qui font que cette production reste en mémoire.

Et c'est tant mieux, car le livre (Samuel Adamson), la musique (Tori Amos), les paroles (tous deux), la chorégraphie (Steven Hoggett) et, plus déprimant encore, nombre des performances (casting par Alastair Coomer et Charlotte Sutton est d'une incroyable médiocrité dans de nombreux cas) font de leur mieux, par une combinaison électrique, pour priver l'occasion de tout esprit ou joie constants. C'est une histoire compliquée et elle n'est pas transmise - du tout - à travers les mots prononcés et les paroles chantées, lorsqu'elles peuvent être entendues, ce qui n'est pas souvent le cas.

Il est presque impossible de comprendre ce qui motive les personnages principaux, notamment la Princesse, et la fin de l'Acte Un, bien que visuellement éblouissante, est insondable tout comme la raison de la séparation de la Princesse et du Prince Digby à l'Acte Deux. L'histoire n'est tout simplement pas racontée, dans l'écriture, avec la clarté requise.

Quant à la musique, c'est pour l'essentiel un tsunami de bruit blanc. Les gens insistent souvent sur le fait que Sondheim n'écrit pas de musique mélodique ou de mélodies que l'on peut fredonner (une position que je n'accepte pas) mais sur la base de ce travail, comparé à Tori Amos, Sondheim est Irving Berlin. La partition n'est pas lamentable, elle est simplement étrange et répétitive et ne présente pas une grande diversité, ni tonalement ni rythmiquement.

Certaines séquences ouvrent les sens : l'ouverture de l'Acte Un est intrigante et se combine joliment au final, l'ouverture de l'Acte Deux dans le Lac a une joie poétique et un intérêt harmonique qui n'est jamais égalé, le numéro de onze heures de la Princesse, où elle pleure enfin et atteint la gravité, est le solo le plus captivant de la soirée - et les cinq dernières minutes démontrent quel travail absolument remarquable cela aurait pu être. La joie, la puissance ascendante, la beauté du final lorsque toute la compagnie chante en harmonie et avec des mélodies qui enchantent véritablement - eh bien, si c'était la norme pour le travail, ce serait la comédie musicale du siècle. Mais ce n'est pas la norme et ce n'est pas une bonne comédie musicale.

On dit souvent de Judi Dench que les gens paieraient pour l'entendre lire l'annuaire - je pense que l'on peut probablement dire la même chose de Rosalie Craig concernant le chant de l'annuaire. Elle a une voix d'une puissance, d'une beauté et d'un ton remarquables et elle l'utilise ici à sa pleine mesure. Et elle améliore la musique qui sonne mieux qu'elle ne l'est.

Mais elle ne convainc pas dans ce spectacle en tant que Princesse. Elle est tout simplement trop âgée étant donné le casting de Nick Hendrix comme son intérêt romantique. Malgré sa prouesse vocale, le rôle nécessite une chimie particulière entre la Princesse et le Prince, son père et son "meilleure amie" Piper. Il n'y a pas de chimie ici dans aucun de ces cas. Ce n'est pas la faute de Craig; c'est le casting. Si Hendrix est le Prince, alors il faut une véritable ingénue, une jeune superstar en tant que Princesse (comme Vivien Carter qui remplace Craig, mais c'est le National, ils pourraient aussi prendre un risque avec une inconnue talentueuse mais complète - dans tous les cas, quelqu’un de plus parfaitement assorti au rôle, jeune, informée, naïve, précieuse et fragile) pour que l'équilibre central fonctionne. Michael Xavier aurait pu jouer le Prince contre Craig dans cette production et immédiatement cela aurait été sensiblement meilleur, simplement parce qu'ils sont des talents similaires avec des expériences et des sensibilités similaires.

Hendrix est un bon acteur, charmant, convenablement viril et beau dans un genre de garçon-Prince (bien que ses costumes soient curieusement mal ajustés ou, plutôt, ne lui rendent pas justice et il est forcé de commencer l'Acte Deux en caleçons pour aucune bonne raison à part afficher son tatouage de faucon criard et ses tablettes de chocolat impressionnantes) mais il est vocalement dépassé par cette partition et cela, et la disparité entre lui et Craig, réduit beaucoup de son efficacité. Mais il est de loin le meilleur interprète masculin sur scène.

Dans le rôle de son frère, Llewelyn, Kane Oliver Parry est complètement inefficace tout au long de la pièce (ne peut pas chanter suffisamment bien non plus), indiquant momentanément une lueur de talent lorsqu'il prononce une ligne à la fin du spectacle qui déclenche l'hilarité générale. Clive Rowe, dans le mode caractère numéro deux de Clive Rowe, est atrocement mauvais en tant que père de la Princesse, et c'est à ses pieds qu'un grand nombre des problèmes de clarté de la pièce tombent. Il est largement incompréhensible et bien qu'il soit décrit comme un roi bienveillant qui a perdu son chemin, il ne joue pas le rôle de cette façon. Sa performance de lait tourné mollet est affligeante pour les exigences du rôle le plus difficile du spectacle et celui sur lequel presque tout repose. Il atteint les notes, mais avec un marteau lourd et rien de tout cela n'est agréable à écouter. Il est un désastre.

Hal Fowler en tant que Roi Ignacio, une partie qui palpite de potentiel - cela pourrait être un vilain sombre et violent aussi vicieux et malveillant qu'ils viennent, mais dans les mains de Fowler, il n'est qu'un pétard mouillé et puant.

C'est aux femmes de la distribution de soutien de fournir de l'éclat et de l'intérêt et elles le font : Laura Pitt-Pulford est superbe en tant que fauconnier de Digby et reçoit le plus grand rire de la soirée ; Malinda Parris est merveilleuse en tant que sergent d'armes sans fioritures qui expédie les dragons et obtient le deuxième plus grand rire de la soirée ; Amy Booth-Steel, Piper, bien que peu enflammée dans l'Acte Un, se rachète dans l'Acte Deux, tirant le meilleur pari de son solo angoissé et de son moment de gloire avec Llewelyn.

L'ensemble chante bien, mais leurs costumes et leur chorégraphie rappellent une troisième zone Disney plutôt que la magie de première catégorie du Théâtre National - et ils sont presque tous très jeunes, quand le texte exige une gamme claire d'âges. Il n'y a rien de plus décourageant dans une production professionnelle d'une comédie musicale que de voir de jeunes interprètes faire un "vieil acteur" de pacotille - et c'est ce qui est offert. Les trois anciens prétendants à la Princesse (David Langham, Adam Pearce et Caspar Phillipson) sont inintéressants et ennuyeux, ennuyeux, ennuyeux - on aurait souhaité que les marionnettistes puissent leur insuffler la vie qu'ils ont accordée aux animaux du Lac.

Ce qui est le plus remarquable, cependant, c'est comment, à la toute fin, lorsque le mariage a lieu et que le bébé né hors mariage est finalement vu, chaque personne sur scène et chaque élément de la production fusionnent soudainement et le résultat est euphorique, totalement magique et vivifiant. Les gens se souviendront peut-être de cela comme l'expérience du spectacle - certainement ce sont des moments de magie théâtrale qui resteront avec moi pendant un certain temps.

Mais ce n'est pas suffisant, loin de là. Et étant donné la pure beauté, la magie et le talent exhibé à chaque aspect du décor jamais changeant de Rae Smith, superbement éclairé par l'incomparable Paule Constable, je doute que ce travail puisse être mieux mis en scène qu'il ne l'est ici. Mais il pourrait certainement être mieux écrit (tant en termes de texte que de musique) et bien bien mieux casté. Rosalie Craig est vraiment remarquable mais son âge et son expérience rendent sa Princesse pas aussi Légère que le titre et le sens de la pièce l'exige.

Il faut dire que, compte tenu de toute l'expérience, La Princesse Légère n'est ni meilleure ni pire qu'une comédie musicale que Viva Forever ! Dans les deux cas, le texte nécessite une révision fondamentale, la partition aussi, et il y avait des problèmes de casting évitables - mais chacun avait/a un réel potentiel. Le décor, le concept de design, la marionnette et Ben Thompson donnent à La Lumière une Princesse un avantage sérieux, mais en tant que comédies musicales, elles se valent beaucoup. Elles ont toutes deux besoin de plus de travail - beaucoup plus de travail - et d'un meilleur casting.

Il y a une vacuité, une platitude, qui imprègne le texte, la musique et les performances dans Une Lumière Princesse - une fois que cela est corrigé par les auteurs, cela pourrait vraiment voler comme Zephyrus le fait.