ANÁLISE: A Princesa de Luz, Teatro Lyttleton no National ✭✭

A Princesa Ligeira

National Theatre

9 de outubro de 2013

Duas Estrelas

Há algo verdadeiramente de cortar a respiração e quase milagroso no belíssimo, evocativo e de raça desenho de conto de fadas de Rae Smith para a produção de estreia do National de The Light Princess, que abre esta noite no Lyttelton.

É difícil lembrar-me de uma altura em que, ao entrar, a plateia do Lyttelton tivesse parecido tão acolhedora, tão convidativa, tão cheia de expectativa tentadora como aqui, graças ao deslumbrante falso proscénio e ao pano de boca, que apresenta um mapa ao estilo dos Irmãos Grimm ou de Hans Christian Andersen e conta, por si só, a sua pequena história de reinos divididos e criaturas mágicas em florestas perigosas.

Quando a ação começa, torna-se rapidamente claro que há aqui dois tipos fundamentalmente diferentes de interpretações em funcionamento, ambos sob o controlo geral da visionária Marianne Elliot. O primeiro são os humanos — as famílias reais e a seleção habitual de plebeus, criados e conselheiros — aos quais voltaremos. O segundo, e o mais milagroso, são as criaturas em marionetas (criações brilhantes trazidas à vida de forma impressionante por Toby Olié e Finn Caldwell e pelos exímios manipuladores Owain Gwynn, Tommy Luther, Emma Norin e Nuno Silva), que acrescentam cor e uma textura fantástica aos palácios e arredores, sobretudo ao lago, onde a ação se desenrola.

Há um rato notável, umas rãs atrevidas e exibicionistas, aves diversas, algumas bestas de ataque com cabeça de tubarão, cegonhas elegantes, plantas berrantes e peixes — mortos e vivos — sem esquecer, precisamente quando é preciso algo espetacular, dragões. Não é possível transmitir em meras palavras a beleza, simultaneamente assombrada e bem-humorada, destas criaturas: para citar Charlie and the Chocolate Factory, é ver para crer.

Isto é particularmente — e de forma simultaneamente cativante e romântica — evidente em dois conceitos de personagem que fazem parte da visão de Elliot: Zephyrus, o falcão precioso do Príncipe, e a falta de luz ou de gravidade que aflige a Princesa do título. Ben Thompson é impecável como Zephyrus e oferece, sem esforço, a interpretação mais estelar da noite. O falcão azul está vivo, é engraçado, ameaçador, heroico e, acima de tudo, real — completo e credível: quando arranca os olhos ao horrível Rei Ignacio, é o momento de ação triunfante da noite. Thompson é elegante, fibroso e mantém-se nas sombras com uma facilidade absoluta enquanto, literalmente, faz Zephyrus voar — na imaginação e no ar.

O mesmo fazem os quatro acrobatas que, como um grupo afinadíssimo, mantêm a Princesa no ar — por vezes com a ajuda de cabos, por vezes sem eles. Em nada diminuem a própria Princesa e depressa desaparecem por completo para segundo plano, à medida que aceitamos a presença conjunta deles como o próprio conceito de ausência de peso. É uma ideia tão ousada e audaciosa quanto as que o teatro pode oferecer, e funciona com uma facilidade e simplicidade que escondem a enorme perícia em jogo. Ver a Princesa flutuar, como acontece quase exclusivamente ao longo do espetáculo, teria sido enfadonho se ela estivesse simplesmente presa a um arnês e a cabos: a solução de Elliot para este problema é um dos grandes prazeres e golpes de génio que fazem com que esta produção perdure na memória.

O que ainda bem, porque o texto (Samuel Adamson), a música (Tori Amos), as letras (de ambos), a coreografia (Steven Hoggett) e, o que é mais deprimente, muitas das interpretações (o casting de Alastair Coomer e Charlotte Sutton é, em tantos casos, inacreditável) fazem o seu melhor, numa combinação eletrizante, para privar a ocasião de qualquer espírito ou alegria consistentes. É uma história complicada e não é transmitida — de todo — através das palavras ditas e das letras cantadas, quando se conseguem ouvir, o que não acontece assim tantas vezes.

É quase impossível perceber o que motiva as personagens centrais, especialmente a Princesa, e o final do Ato Um, embora visualmente deslumbrante, é insondável — tal como a razão para a separação da Princesa e do Príncipe Digby no Ato Dois. A história simplesmente não é contada, na escrita, com a clareza necessária.

Quanto à música, na maior parte do tempo é um tsunami de ruído branco. Muitas vezes insiste-se que Sondheim não escreve música cantável ou melodias que se possam trautear (posição que não subscrevo), mas com base nesta obra, comparado com Tori Amos, Sondheim é Irving Berlin. A partitura não é medonha; é apenas estranha e repetitiva e pouco variada, quer em termos tonais, quer rítmicos.

Há passagens que abrem os sentidos: a abertura do Ato Um é intrigante e encaixa bem com o final; a abertura do Ato Dois no Lago tem uma alegria poética e um interesse harmónico que nunca volta a ser igualado; o número das onze da Princesa, em que finalmente chora e alcança a gravidade, é o solo mais cativante da noite — e os últimos cinco minutos mostram quão absolutamente notável poderia ter sido esta obra. A alegria, a força arrebatadora, a beleza do final, quando toda a companhia canta em harmonia e com melodias que realmente encantam — bem, se isso fosse a norma, este seria o musical do século. Mas não é a norma e não é um bom musical.

Diz-se muitas vezes de Judi Dench que as pessoas pagariam para a ouvir ler a lista telefónica — creio que o mesmo provavelmente se pode dizer de Rosalie Craig no que toca a cantar a lista telefónica. Tem uma voz de um poder, beleza e timbre extraordinários e usa-a ao máximo aqui. E faz a música soar melhor do que é.

Mas não convence nesta produção como a Princesa. É simplesmente demasiado velha, tendo em conta o elenco de Nick Hendrix como seu interesse romântico. Apesar da sua capacidade vocal, o papel exige uma química particular entre a Princesa e o Príncipe, o pai dela e a sua “melhor amiga” Piper. Aqui não há química em nenhum desses casos. Não é culpa de Craig; é do casting. Se Hendrix é o Príncipe, então é preciso uma verdadeira ingénua, uma jovem superstar como Princesa (como Vivien Carter, que faz as vezes de Craig, mas isto é o National — também poderiam arriscar numa talentosa mas completamente desconhecida; de uma forma ou de outra, alguém mais perfeitamente adequado ao papel: jovem, por formar, ingénua, preciosa e frágil) para que o equilíbrio central resulte. Michael Xavier poderia ter feito o Príncipe em cena com Craig nesta produção e, de imediato, teria sido palpavelmente melhor, simplesmente porque são talentos semelhantes, com experiências e sensibilidades semelhantes.

Hendrix é um bom ator, cativante, adequadamente másculo e bonito à sua maneira de príncipe-jovem (embora os figurinos lhe assentem de forma estranhamente desajeitada — ou, melhor dizendo, não o favoreçam — e ele seja obrigado a abrir o Ato Dois em boxers sem razão atendível, a não ser exibir a vistosa tatuagem de falcão e os impressionantes abdominais) — mas, vocalmente, está fora da sua profundidade com esta partitura e isso, e a disparidade entre ele e Craig, drena grande parte da sua eficácia. Ainda assim, é de longe o melhor intérprete masculino em palco.

Como seu irmão, Llewelyn, Kane Oliver Parry é completamente ineficaz ao longo da peça (também não canta suficientemente bem), apenas deixando entrever um lampejo de talento quando diz uma única frase no final do espetáculo que faz a casa vir abaixo. Clive Rowe, no seu modo habitual de “personagem-tipo número dois”, é dolorosamente mau como o pai da Princesa, e é aos seus pés que recai grande parte da falta de clareza da peça. É, em grande medida, incompreensível e, embora seja descrito como um rei bondoso que se perdeu, não interpreta o papel dessa forma. A sua atuação macia, tipo pudim de leite ligeiramente passado, é terrivelmente inadequada para as exigências do que é claramente o papel mais difícil do espetáculo e aquele de que quase tudo depende. Acerta nas notas, mas com um martelo pneumático, e nada é agradável de ouvir. É um desastre.

O mesmo se aplica a Hal Fowler como Rei Ignacio, um papel que pulsa de potencial — poderia ser um vilão sombrio e devastador, tão cruel e malévolo quanto possível — mas, nas mãos de Fowler, é apenas um explosivo malcheiroso de madeira.

Cabe ao elenco feminino de apoio dar brilho e interesse — e dá: Laura Pitt-Pulford é soberba como a falcoeira de Digby e arranca a maior gargalhada da noite; Malinda Parris é fantástica como a sargento-de-armas pragmática que despacha dragões e consegue a segunda maior gargalhada; Amy Booth-Steel, Piper, embora não esteja em grande forma no Ato Um, redime-se no Ato Dois, aproveitando ao máximo o seu solo angustiado e o seu momento de destaque com Llewelyn.

O ensemble canta bem, mas os figurinos e a coreografia fazem lembrar Disney de terceira categoria, em vez da magia de primeira do National Theatre — e são quase todos muito jovens, quando o texto exige uma clara variedade de idades. Não há nada mais desanimador numa produção profissional de um musical do que ver intérpretes jovens a fazer uma imitação de “representação de velho” — e é isso que nos é servido. Os três pretendentes da Princesa (David Langham, Adam Pearce e Caspar Phillipson) não têm graça e são aborrecidos, aborrecidos, aborrecidos — quase se desejava que os marionetistas lhes insuflassem a vida que derramaram sobre os animais no Lago.

O mais notável, no entanto, é como, no final, quando acontece o casamento e o bebé nascido fora do casamento é finalmente visto, cada pessoa em palco e cada elemento da produção se funde de repente, e o resultado é exuberante, totalmente mágico e afirmativo da vida. É bem possível que muitos guardem isso como a experiência do espetáculo — certamente são momentos de magia teatral que ficarão comigo durante bastante tempo.

Mas não chegam, nem de longe. E, dada a pura beleza, magia e habilidade à vista em cada aspeto do cenário em constante mutação de Rae Smith, soberbamente iluminado pela incomparável Paule Constable, duvido que esta obra pudesse ser melhor encenada do que é aqui. Mas certamente poderia ser melhor escrita (tanto no texto como na música) e muito, muito melhor escolhida em termos de elenco. Rosalee Craig é bastante notável, mas a sua idade e experiência fazem com que a sua Princesa não seja tão “ligeira” quanto o título e o espírito da peça exigem.

É preciso dizer que, tendo em conta a experiência como um todo, The Light Princess não é melhor nem pior musical do que Viva Forever! Em ambos os casos, o texto precisa de uma reformulação fundamental, a partitura também, e houve problemas de casting evitáveis — mas cada um tinha/tem potencial real. O cenário, o conceito de design, a marionetaria e Ben Thompson dão a The Light Princess uma vantagem séria, mas, como musicais, são muito semelhantes. Ambos precisam de mais trabalho — muito mais trabalho — e de melhor elenco.

Há um vazio, uma planura, que perpassa o texto, a música e as interpretações em The Light Princess — uma vez corrigido isso pelos autores, isto poderia verdadeiramente voar como Zephyrus.