RESEÑA: La Princesa Ligera, Teatro Lyttleton en el Nacional ✭✭

La princesa ligera

National Theatre

9 de octubre de 2013

Dos estrellas

Hay algo verdaderamente sobrecogedor y milagroso en el precioso, evocador y de pura raza diseño de cuento de hadas de Rae Smith para la primera producción del National de La princesa ligera, que se estrena esta noche en el Lyttelton.

Cuesta recordar una ocasión en la que, al entrar, el auditorio del Lyttelton se sintiera tan cálido, tan acogedor, tan lleno de una expectativa tentadora como la que aquí aportan el espléndido falso proscenio y el telón, que incluye un mapa al estilo de los Hermanos Grimm o Hans Christian Andersen y que cuenta su propia pequeña historia de reinos divididos y criaturas mágicas en bosques peligrosos.

Cuando arranca la acción, queda pronto claro que aquí operan dos tipos de interpretaciones fundamentalmente distintas, ambas bajo el control general de la visionaria Marianne Elliot. La primera es la de los humanos: las familias reales y el repertorio habitual de plebeyos, criados y consejeros, a los que volveremos. La segunda —y la más milagrosa— es la de las criaturas de marioneta (creaciones ganadoras cobradas vida de forma deslumbrante por Toby Olié y Finn Caldwell y por sus expertas manipulaciones: Owain Gwynn, Tommy Luther, Emma Norin y Nuno Silva), que añaden color y una textura fantástica a los palacios y sus alrededores, en especial al lago, donde se desarrolla la acción.

Hay un ratón memorable, unas ranas juguetonas y exhibicionistas, varias aves, unas bestias de ataque con cabeza de tiburón, elegantes cigüeñas, plantas y peces chillones, muertos y vivos… por no hablar de que, justo cuando hace falta algo espectacular, aparecen dragones. No es posible transmitir con meras palabras la belleza —a la vez inquietante y cómica— de estas criaturas: por citar Charlie y la fábrica de chocolate, hay que verlas para creerlas.

Esto se aprecia especialmente —y de forma tan convincente como romántica— en dos ideas de personaje concretas dentro de la visión de Elliot: Zephyrus, el halcón predilecto del Príncipe, y la ingravidez o falta de gravedad que aflige a la Princesa del título. Ben Thompson está impecable como Zephyrus y ofrece, sin duda, la interpretación estelar de la noche. El halcón azul está vivo: es divertido, amenazador, heroico y, sobre todo, real, completo y creíble; cuando arranca los ojos del espantoso rey Ignacio, ese es el momento de acción triunfal de la velada. Thompson es elegante, fibroso y se mueve con facilidad entre las sombras mientras —literalmente— hace volar a Zephyrus: en la imaginación y por el aire.

Como también lo hacen el cuarteto de acróbatas que, como un grupo perfectamente entrenado, mantienen a la Princesa en el aire, a veces con la ayuda de cables y a veces sin ellos. No restan nada a la propia Princesa y enseguida desaparecen por completo en el fondo, de modo que aceptas su presencia conjunta como el concepto mismo de la ingravidez. Es una idea tan audaz y atrevida como pocas en teatro, y funciona con una facilidad y sencillez que ocultan la inmensa pericia que hay detrás. Ver flotar a la Princesa —como hace casi de manera exclusiva durante toda la función— habría sido tedioso si se limitara a usar arnés y cables: la solución de Elliot a este problema es una de las grandes delicias y golpes de genialidad que hacen que esta producción permanezca en la memoria.

Lo cual viene bien, porque el libreto (Samuel Adamson), la música (Tori Amos), las letras (de ambos), la coreografía (Steven Hoggett) y, lo más deprimente, muchas de las interpretaciones (el reparto de Alastair Coomer y Charlotte Sutton resulta increíble en tantísimos casos) hacen todo lo posible, en una combinación eléctrica, por privar a la ocasión de cualquier espíritu o alegría constantes. La historia es complicada y no se cuenta —en absoluto— a través de las palabras dichas y las letras cantadas, cuando se consiguen oír, que no es tan a menudo.

Es casi imposible entender qué mueve a los personajes centrales, especialmente a la Princesa, y el final del primer acto, aunque visualmente deslumbrante, es inescrutable; lo mismo ocurre con el motivo de la separación entre la Princesa y el príncipe Digby en el segundo acto. Simplemente, la historia no se cuenta, en la escritura, con la claridad necesaria.

En cuanto a la música, en su mayor parte es un tsunami de ruido blanco. A menudo se insiste en que Sondheim no escribe música “tarareable” o melodías que uno pueda silbar (postura que no comparto), pero a la vista de esta obra, comparado con Tori Amos, Sondheim es Irving Berlin. La partitura no es lamentable; es, más bien, rara y repetitiva y no especialmente variada, ni tonal ni rítmicamente.

Hay pasajes que abren los sentidos: el arranque del primer acto es intrigante y encaja muy bien con el final; el comienzo del segundo acto en el Lago tiene una alegría poética y un interés armónico que nunca vuelven a igualarse; el número de las once de la Princesa, cuando por fin llora y alcanza la gravedad, es el solo más convincente de la noche; y los últimos cinco minutos muestran lo absolutamente extraordinaria que podría haber sido esta pieza. La alegría, la potencia arrebatadora, la belleza del final, con toda la compañía cantando en armonía y con melodías que realmente encantan… bueno, si eso fuera la norma en la obra, estaríamos ante el musical del siglo. Pero no lo es, y no es un buen musical.

A menudo se dice de Judi Dench que la gente pagaría por oírla leer la guía telefónica; creo que algo parecido puede decirse de Rosalie Craig en relación con cantar la guía telefónica. Tiene una voz de una potencia, belleza y color extraordinarios, y aquí la aprovecha al máximo. Y consigue que la música suene mejor de lo que es.

Pero no convence en esta producción como la Princesa. Es sencillamente demasiado mayor, dadas las características del reparto de Nick Hendrix como su interés romántico. A pesar de su destreza vocal, el papel requiere una química particular entre la Princesa y el Príncipe, su padre y su “mejor amiga” Piper. Aquí no hay química en ninguno de esos casos. No es culpa de Craig; es del reparto. Si Hendrix es el Príncipe, entonces necesitas una auténtica ingenue, una superestrella muy joven como Princesa (como Vivien Carter, que cubre a Craig; pero esto es el National, así que también podrían arriesgar con una talentosa pero completamente desconocida… en cualquier caso, alguien más perfectamente ajustada al papel: joven, por formar, ingenua, preciosa y frágil) para que el equilibrio central funcione. Michael Xavier podría haber interpretado al Príncipe frente a Craig en esta producción y, de inmediato, habría sido palpablemente mejor, simplemente porque son talentos similares con experiencias y sensibilidades parecidas.

Hendrix es un actor bueno y encantador, lo bastante varonil y atractivo en un sentido de príncipe adolescente (aunque sus vestuarios le quedan extrañamente mal o, mejor dicho, no le favorecen y se le obliga a abrir el segundo acto en calzoncillos sin motivo alguno salvo exhibir su llamativo tatuaje de halcón y su impresionante tableta), pero vocalmente se le queda grande esta partitura y eso —sumado a la disparidad entre él y Craig— le resta gran parte de su eficacia. Con todo, es con diferencia el mejor intérprete masculino sobre el escenario.

Como su hermano, Llewelyn, Kane Oliver Parry es completamente ineficaz durante toda la pieza (tampoco canta lo bastante bien), aunque deja entrever un destello de talento cuando dice una frase al final del espectáculo que hace venirse abajo la sala. Clive Rowe, en el modo de “personaje tipo número dos” de Clive Rowe, está dolorosamente mal como el padre de la Princesa, y a sus pies recae buena parte de la falta de claridad de la obra. Resulta en gran medida ininteligible y, aunque se le describe como un rey bondadoso que se extravió, él no interpreta el papel de ese modo. Su actuación blanda, como un pudin de leche ligeramente pasado, es lamentablemente insuficiente para las exigencias de lo que, claramente, es el papel más difícil del espectáculo y aquel sobre el que gira casi todo. Da las notas, sí, pero a mazazos, y nada de ello resulta agradable de escuchar. Es un desastre.

También lo es Hal Fowler como el rey Ignacio, un papel que palpita de potencial: podría ser un villano oscuro, abrasador, tan cruel y malévolo como los hay, pero en manos de Fowler no es más que un petardo de madera.

Le corresponde al reparto femenino de apoyo aportar brillo e interés, y lo hacen: Laura Pitt-Pulford está magnífica como la cetrera de Digby y se lleva la mayor carcajada de la noche; Malinda Parris está estupenda como la sargento de armas, pragmática y despachadora de dragones, y se lleva la segunda mayor carcajada; Amy Booth-Steel, Piper, aunque no arde en el primer acto, se redime en el segundo, sacando el máximo partido a su solo angustiado y a su momento de lucimiento con Llwelyn.

El ensemble canta bien, pero su vestuario y la coreografía recuerdan a un Disney de tercera más que a la magia de primera del National Theatre, y casi todos son muy jóvenes, cuando el texto exige un rango de edades claro. No hay nada más desalentador en una producción profesional de un musical que ver a intérpretes jóvenes haciendo una falsa “interpretación de viejo”; sin embargo, eso es lo que se sirve aquí. Los tres pretendientes de la Princesa (David Langham, Adam Pearce y Caspar Phillipson) no tienen gracia y son aburridos, aburridos, aburridos; casi daban ganas de que los titiriteros pudieran insuflarles la vida que derramaron sobre los animales del Lago.

Lo más notable, sin embargo, es cómo, al final del todo, cuando se celebra la boda y por fin se ve al bebé nacido fuera del matrimonio, cada persona en escena y cada elemento de la producción se fusionan de repente y el resultado es exuberante, absolutamente mágico y afirmador de la vida. Es muy posible que la gente recuerde eso como la experiencia del espectáculo; desde luego, son momentos de magia teatral que a mí me acompañarán durante bastante tiempo.

Pero no bastan, ni de lejos. Y dada la pura belleza, magia y destreza que se exhiben en cada aspecto del cambiante decorado de Rae Smith, iluminado de forma soberbia por la incomparable Paule Constable, dudo que esta obra pudiera estar mejor puesta en escena que aquí. Pero sin duda podría estar mejor escrita (tanto en texto como en melodía) y muchísimo, muchísimo mejor repartida. Rosalee Craig es realmente notable, pero su edad y experiencia hacen que su Princesa no sea tan ligera como el título y el sentido de la pieza requieren.

Hay que decir que, teniendo en cuenta la experiencia completa, La princesa ligera no es un musical ni mejor ni peor que Viva Forever! En ambos casos, el libreto necesita una reelaboración fundamental, la partitura también, y hubo/hay problemas de reparto evitables; pero cada uno tenía/tiene un potencial real. El decorado, el concepto de diseño, la marionetística y Ben Thompson le dan a La princesa ligera una ventaja seria, pero como musicales, son del mismo pelaje. Ambos necesitan más trabajo —mucho más trabajo— y un reparto mejor.

Hay una sensación de vacío, de planicie, que impregna el texto, la música y las interpretaciones en La princesa ligera; cuando los autores corrijan eso, esto podría realmente volar, como lo hace Zephyrus.