리뷰: 라이트 프린세스, 내셔널 씨어터의 리틀턴 극장에서 ✭✭

라이트 프린세스

내셔널 시어터

2013년 10월 9일

별 두 개

오늘 밤 리틀턴에서 막을 올리는 내셔널 시어터의 신작 뮤지컬 라이트 프린세스에서, 레이 스미스(Rae Smith)가 선보인 아름답고 환기력 짙으며 정통 동화 같은 무대 디자인에는 정말 숨이 멎을 듯한 경이로움이 있다.

객석에 들어서는 순간, 리틀턴 공연장이 이토록 따뜻하고, 이토록 사람을 끌어당기며, 이토록 달콤한 기대감으로 가득했던 적이 있었나 싶을 정도다. 그림 형제나 안데르센 풍의 지도가 그려진 화려한 가짜 프로시니엄과 드롭(무대 막)은, 갈라진 왕국과 위험한 숲속의 마법 생명체들이 등장하는 작은 이야기를 스스로 들려주며 분위기를 단번에 만들어낸다.

막상 이야기가 시작되면, 이 작품에는 (전체를 통솔하는 비전가 마리안 엘리엇의 지휘 아래) 근본적으로 다른 두 종류의 ‘연기’가 동시에 작동하고 있음을 금세 알게 된다. 첫째는 인간들—왕실 가족과 정형화된 평민, 하인, 조언자들—인데, 이는 잠시 뒤 다시 이야기하겠다. 둘째이자 가장 기적 같은 존재는 퍼펫 생명체들이다(토비 올리에와 핀 콜드웰이 놀라울 정도로 생생하게 창조했고, 오웨인 그윈, 토미 루터, 엠마 노린, 누누 실바 등 숙련된 조종사들이 숨을 불어넣는다). 이들은 궁전과 주변 공간, 특히 이야기가 펼쳐지는 호수에 색채와 환상적인 질감을 더한다.

눈에 띄는 쥐 한 마리, 유쾌하게 과시적인 개구리들, 여러 새들, 상어 머리를 한 공격형 괴수들, 우아한 황새, 요란한 식물과 물고기들(죽은 것과 살아 있는 것 모두)—그리고 무엇보다도, 무대가 결정적 ‘스펙터클’을 요구하는 바로 그 순간에 등장하는 용들까지. 이 다양한 생명체들의 아름다움은 섬뜩하면서도 웃음을 자아내는 결을 함께 지니는데, 말로는 도저히 다 옮길 수가 없다. 찰리와 초콜릿 공장의 표현을 빌리자면, ‘직접 봐야 믿게’ 된다.

그중에서도 특히—그리고 매혹적이면서도 낭만적으로—두 가지 캐릭터 개념이 엘리엇의 비전 속에서 빛난다. 왕자의 소중한 매, 제피루스(Zephyrus)와, 제목의 공주를 괴롭히는 ‘무중력(혹은 가벼움)’의 저주다. 벤 톰프슨은 제피루스를 흠잡을 데 없이 구현하며, 손쉽게 이날 밤 최고의 공연을 선사한다. 파란 매는 살아 있고, 재치 있으며, 위협적이면서도 영웅적이고—무엇보다 ‘진짜’처럼 완결되고 설득력 있다. 끔찍한 이그나시오 왕의 눈을 뽑아버리는 순간은 그날 밤 가장 통쾌한 액션의 정점이다. 톰프슨은 유연하고 탄력적인 움직임으로 그림자 속을 미끄러지듯 다니면서도, 문자 그대로 제피루스를 ‘날게’ 만든다—상상 속에서도, 공중에서도.

공주를 띄워 올리는 네 명의 곡예사들 역시 마찬가지다. 탄탄하게 다듬어진 앙상블로서, 때로는 플라잉 와이어의 도움을, 때로는 그것 없이 공주가 떠 있도록 만든다. 이들은 공주 자체를 결코 흐트러뜨리지 않으며, 이내 배경으로 완전히 사라져 관객이 그들의 ‘공동 존재’를 무중력이라는 개념으로 자연스레 받아들이게 한다. 연극에서 이렇게 대담하고 무모할 만큼 큰 발상을 보기는 드문데, 이 작품에서는 그 발상이 놀라울 정도로 쉽고 단순하게 작동해, 그 뒤에 있는 엄청난 기술을 오히려 감춰버린다. 공주가 거의 내내 떠 있는 모습을 지켜보는 일은, 만약 단순히 하네스와 와이어로만 처리했다면 지루했을 것이다. 이 문제에 대한 엘리엇의 해법은, 이 프로덕션을 오래 기억하게 만드는 핵심 즐거움이자 천재적인 한 수다.

아쉽게도 그럴 필요가 더 커진다. 대본(새뮤얼 애덤슨), 음악(토리 에이머스), 가사(두 사람 모두), 안무(스티븐 호겟), 그리고 무엇보다도 많은 배우들의 연기(알래스터 쿠머와 샬럿 서튼의 캐스팅은 여러 경우에 믿기 힘들 정도다)가, 전기처럼 강력한 조합으로, 이 작품에서 일관된 생기나 기쁨을 최대한 빼앗아 가기 때문이다. 이야기는 복잡한데, 대사와 노랫말로는 전혀—정말 전혀—전달되지 않는다. 게다가 들리는 경우 자체가 많지 않다.

특히 공주를 포함한 중심 인물들이 무엇에 의해 움직이는지 이해하기가 거의 불가능하다. 시각적으로는 눈부신 1막의 결말조차 도무지 의미를 짚을 수 없고, 2막에서 공주와 디그비 왕자가 갈라서는 이유 또한 납득되지 않는다. 필요한 명료함으로 이야기를 전달하지 못하는 것은, 결국 글쓰기의 문제다.

음악은 대부분 ‘하얀 소음’의 쓰나미처럼 느껴진다. 사람들은 종종 손드하임이 흥얼거릴 만한 선율을 쓰지 않는다고 투덜대지만(나는 동의하지 않는다), 이 작품을 기준으로 비교하자면, 토리 에이머스 옆에서 손드하임은 어빙 벌린이다. 악보가 형편없는 것은 아니다. 다만 기묘하고 반복적이며, 음색이나 리듬 면에서 그다지 다양한 편도 아니다.

물론 감각을 열어주는 순간들도 있다. 1막 오프닝은 흥미롭고 피날레로 자연스럽게 이어진다. 호수에서 시작하는 2막 오프닝은 시적인 기쁨과 화성적 흥미가 있는데, 작품 내내 그 이상의 순간은 좀처럼 오지 않는다. 공주가 마침내 울고 중력을 되찾는 ‘11시 넘버’는 이날 밤 가장 설득력 있는 솔로이며, 마지막 5분은 이 작품이 얼마나 놀라운 걸작이 될 수도 있었는지를 보여준다. 전 출연진이 하모니로 노래하고 진정으로 사람을 홀리는 멜로디가 펼쳐질 때의 기쁨, 치솟는 힘, 피날레의 아름다움—만약 그게 작품의 표준이었다면, 이건 세기의 뮤지컬이었을 것이다. 하지만 그렇지 않다. 그리고 좋은 뮤지컬이라고 하긴 어렵다.

주디 덴치에 대해 ‘전화번호부를 읽어도 돈을 내고 듣겠다’는 말이 종종 있는데, 로잘리 크레이그가 전화번호부를 ‘노래’한다면 비슷한 말이 가능할 것 같다. 그녀는 놀라운 힘과 아름다움, 탁월한 음색을 지닌 목소리를 가지고 있고, 여기서 그 장점을 아낌없이 사용한다. 그리고 실제보다 음악을 더 좋아 보이게 만든다.

하지만 이 프로덕션에서 공주 역으로는 설득력이 떨어진다. 상대역인 닉 헨드릭스의 캐스팅을 고려하면, 그녀는 너무 성숙하다. 아무리 노래 실력이 뛰어나도, 이 역할은 공주와 디그비 왕자, 아버지, 그리고 ‘베스트 프렌드’ 파이퍼 사이에 특정한 화학작용이 필요하다. 여기에는 그 어느 관계에서도 케미가 없다. 크레이그의 잘못이 아니라 캐스팅의 문제다. 헨드릭스가 왕자라면, 공주에는 진짜 ‘잉제뉴’—신예 슈퍼스타 같은 존재(크레이그의 커버로 들어가 있는 비비언 카터처럼. 게다가 내셔널이라면 재능 있는 완전 무명에게도 과감히 기회를 줄 수 있지 않은가)—가 필요하다. 어떤 방식이든, 역할에 더 정확히 맞는, 젊고 덜 다듬어졌으며 순진하고 소중하고 여린 공주가 중심의 균형을 살린다. 이 프로덕션에서 크레이그의 상대역으로 마이클 제이비어가 왕자를 맡았다면, 비슷한 재능과 경험, 감각을 지닌 두 사람이 맞물리며 즉각적으로 체감될 만큼 더 나아졌을 것이다.

헨드릭스는 호감 가는 좋은 배우다. 소년 왕자다운 남성성과 잘생김도 충분하다(다만 의상이 이상하게도 핏이 맞지 않아, 오히려 그를 돋보이게 하지 못한다. 게다가 2막을 아무 이유 없이 속옷 차림으로 시작하게 만들어, 화려한 매 문신과 인상적인 식스팩을 과시하는 목적밖엔 없어 보인다). 그러나 이 악보를 소화하기엔 보컬이 버겁고, 그것과 크레이그와의 격차가 그의 효과를 상당 부분 깎아 먹는다. 그럼에도 무대 위 남성 배우들 중에서는 단연 가장 낫다.

형제 르웰린 역의 케인 올리버 패리는 작품 내내 완전히 무기력하다(노래도 충분치 않다). 다만 공연 막바지에 단 한 줄을 던지는 순간, 객석을 뒤집어 놓으며 잠깐 재능의 불꽃을 보여준다. 클라이브 로는(클라이브 로 특유의 ‘스톡 캐릭터 2번’ 모드로) 공주의 아버지 역에서 보기 괴로울 정도로 형편없고, 작품의 많은 ‘명료함 결여’가 그에게서 비롯된다. 대체로 알아듣기 힘들며, 길을 잃은 선한 왕으로 설명되는 인물인데도 그렇게 연기하지 않는다. 살짝 상해가는 우유 푸딩 같은, 흐물흐물한 그의 연기는 이 쇼에서 가장 어려운 역할—거의 모든 것이 그에게 달려 있는 역할—이 요구하는 것을 충족하기엔 처참하게 부족하다. 음은 맞추지만, 망치로 두드리듯이 맞춘다. 듣기 즐거운 구석이 없다. 완전한 재앙이다.

이그나시오 왕 역의 할 파울러도 마찬가지다. 이 역할은 잠재력이 펄펄 끓는다—가장 잔혹하고 악의적인 어둠의 악당이 될 수도 있었을 텐데, 파울러의 손에서는 그저 나무토막 같은 악취 폭탄일 뿐이다.

결국 광채와 흥미는 조연 여성 배우들이 책임지고, 실제로 그렇게 해낸다. 로라 피트-풀퍼드는 디그비의 매 조련사로 훌륭하며 그날 밤 가장 큰 웃음을 가져간다. 말린다 패리스는 군더더기 없는 ‘용 처리’ 병기하사관으로 멋지고, 두 번째로 큰 웃음을 얻는다. 에이미 부스-스틸(파이퍼)은 1막에서 폭발적이진 않지만 2막에서 만회하며, 고통스러운 솔로와 르웰린과의 ‘스포트라이트 순간’을 최대한 살려낸다.

앙상블의 노래는 좋지만, 의상과 안무는 1급 내셔널 시어터의 마법이라기보다 3류 디즈니를 떠올리게 한다. 게다가 거의 전원이 너무 젊어, 대본이 요구하는 뚜렷한 연령대의 스펙트럼이 보이지 않는다. 뮤지컬의 프로덕션에서 젊은 배우들이 어설픈 ‘늙은 연기’를 흉내 내는 모습을 보는 것만큼 기운 빠지는 일도 없다—그런데 바로 그게 무대 위에 올라온다. 공주의 구혼자 셋(데이비드 랭엄, 아담 피어스, 카스파르 필립슨)은 재미도 없고 지루하고 또 지루하다. 호수의 동물들에 불어넣었던 생명을 퍼펫 팀이 이들에게도 좀 나눠줬으면 싶을 정도다.

그럼에도 가장 놀라운 것은 마지막이다. 결혼식이 치러지고, 혼외로 태어난 아기가 마침내 모습을 드러내는 순간, 무대 위의 모든 사람과 프로덕션의 모든 요소가 갑자기 하나로 융합한다. 그 결과는 들뜬 기쁨으로 반짝이며, 완전히 마법 같고, 삶을 긍정하게 만든다. 아마 많은 사람들이 그 순간들을 ‘이 공연의 경험’으로 기억할 것이다. 적어도 나에게는, 꽤 오랫동안 남을 무대의 마법이다.

하지만 그걸로는—한참 부족하다. 레이 스미스의 끊임없이 변모하는 무대가 보여주는 순수한 아름다움, 마법, 기술을 생각하면(비할 데 없는 폴 콘스터블의 조명까지 더해져), 이 작품이 여기서보다 더 잘 무대화될 수 있을지 의문이다. 그러나 글(대사와 선율 모두)은 훨씬 더 나아질 수 있고, 캐스팅은 비교도 안 될 만큼 더 좋아질 수 있다. 로잘리 크레이그는 정말 뛰어나지만, 그녀의 나이와 경력은 작품 제목과 정서가 요구하는 만큼 ‘가벼운’ 공주를 만들지 못한다.

전체 경험을 감안하면, 라이트 프린세스는 Viva Forever!와 뮤지컬로서 딱히 더 낫지도, 더 못하지도 않다. 두 작품 모두 대본은 근본적인 재작업이 필요하고, 악보도 그렇다. 피할 수 있었던 캐스팅 문제도 있었다—하지만 둘 다/둘 다 그랬듯, 잠재력은 분명하다. 세트, 디자인 콘셉트, 퍼펫, 그리고 벤 톰프슨은 라이트 프린세스에 확실한 강점을 부여하지만, 뮤지컬로서의 완성도는 결국 비슷비슷하다. 더 많은 작업—훨씬 더 많은 작업—과 더 나은 캐스팅이 필요하다.

텍스트, 음악, 연기 전반에 어떤 공허함과 평평함이 스며들어 있다—작가들이 그것을 바로잡는다면, 이 작품은 제피루스처럼 진정으로 날아오를 수도 있다.