ANMELDELSE: Love's Labour's Lost, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love's Labour's Lost. Foto: Alastair Muir Love's Labour's Lost

Royal Shakespeare Theatre

15. november 2014

4 stjerner

Det er, vil jeg mene, sikkert at sige, at Simon Higletts henrivende og uovertruffent smukke scenografi til Christopher Luscombes opsætning af Shakespeares Love's Labour's Lost, som nu spiller i Stratford-upon-Avons Royal Shakespeare Theatre, er den mest ambitiøse, stemningsfulde og vellykkede kombination af kulisser og kostumer set, siden det nyrenoverede teater genåbnede. Det er en visuel triumf og skaber de perfekte rammer for teksten.

Med udgangspunkt i det virkelige Charlecote Park (hvor både Dame Judi Dench og Shakespeare i hvert deres århundrede var involveret i anklager om krybskytteri af hjorte) gør scenografien brug af en enorm rullescene, en faldlem, der lader en pragtfuld dekorativ tagryg rejse sig fra dybet, og to imponerende porttårne; her er et vidunderligt bibliotek, en smuk engelsk plæne og andre herligheder. Sammen med de lækre kostumer er hele indtrykket storslået – en falmende engelsk sommer fra en svunden tid.

En del af fidusen er, at denne scenografi også bruges i Luscombes opsætning af Much Ado About Nothing (Stor ståhej for ingenting), som Gregory Doran har omdøbt til Love's Labour's Won i anledning af denne RSC-sæson. Derfor har opsætningen formentlig haft det dobbelte budget af en enkeltstående produktion. Ikke desto mindre er det en absolut triumf for scenografien; håndværk, opfindsomhed og praktisk sans i perfekt harmoni.

Love's Labour's Lost sammenlignes ofte ufordelagtigt med Much Ado About Nothing, men det har aldrig været let at forstå hvorfor. Begge stykker har to centrale par, der flirter og kæmper; begge har skarpe verbale udvekslinger mellem et af disse par; begge er fulde af misforståelser og brudte løfter, og begge indeholder et sideplot med en særpræget mandlig karakter, der forfølger sine egne mål. Det ene ender mere lykkeligt i traditionel forstand end det andet, men antydningen ligger jo i titlen – Love's Labour's Lost. Men selv her er anstrengelserne ikke spildt, blot udskudt, i det mindste i teorien.

Set i det lys giver Dorans beslutning om at omdøbe Much Ado About Nothing god mening. Begge stykker har store lighedspunkter, men forskellige udfald. Det virker som en naturlig parring. Og hvis det var omfanget af den kreative "indblanding", ville der være meget lidt at klage over.

Men Luscombe virker uvillig til at lade teksten gøre arbejdet alene. Han påtvinger stykket en operette-agtig stemning, som i starten virker sær men charmerende, men som senere, i anden akt, bliver overgearet, nærmest modarbejder sig selv og virker fuldstændig malplaceret. Og så, helt uden finesse og i direkte strid med ånden i Shakespeares egen slutning, dukker de fire kurmager (kongen af Navarra og hans studiefæller) op i uniform, hilser deres damer og venner og drager i krig mod Første Verdenskrig – og den sandsynlige død. Det er klart, at indsættelsen af krigsmotivet tjener til at binde sæsonen sammen, med det ene spil før krigen og det andet efter, men det føltes mere klodset og skurrende end en af Don Armados dårligt formulerede bon mots.

Heldigvis er produktionen i de fleste andre henseender velsignet med fremragende skuespil, upåklagelig timing og en sans for stil, drilleri og selvsikkerhed, der fremhæver dens højdepunkter. Much Ado About Nothing beskrives ofte som toppen af Shakespeares verbale fægtekunst, men sandheden er, at Love's Labour's Lost fortjener den ære. Næsten alle forsøger at overgå hinanden med et arsenal af kvikke bemærkninger, ordkløverier og lune asides, og heldigvis forsøger Luscombe at få det maksimale ud af dette.

Den absolut mest strålende i denne spidse ordveksling er Michelle Terry, hvis Rosaline gnistrer og skærer som den mangefacetterede diamant, hun bør være. Terry er begavet og teknisk overlegen; hvert eneste verbale stød er perfekt leveret og en fryd at høre. Hun håndterer de hurtige passager med fuldendt lethed, er den perfekte medspiller for sine søstre i kærlighedskampen og får fejlfrit Berowne, hendes fyrige beundrer, til at snuble og vakle, når hendes skarpe tunge spænder ben for ham. Terry er en absolut fornøjelse at se på.

Sam Alexander er vidunderlig som den smule pompøse, smådumme, men aldeles charmerende konge af Navarra. Han har et indtagende udtryk som en hvalp, der er blevet væk i tågen, hvilket er forførende, samtidig med at han kan mønstre en stålfast beslutsomhed på et øjeblik. Det er en overbevisende kongelig præstation og en fornøjelse at både se og høre, så gennemsyret af livsglæde og gejst er hans spil. Han kastede sig ud i den muskovitiske danserutine (hvor han og hans fæller forsøger at drille deres udkårne) med en uimodståelig hengivenhed. Virkelig imponerende.

Som prinsessen af Frankrig er Leah Whitaker elegance og ophøjethed personificeret. En vis let og flygtig hovmod præger hver gestus og sætning, og man mærker, at hun er både forkælet og præcis. Hun kaster sig ind i de pigede intriger med en næsten kostskoleagtig entusiasme, men holder konstant afstand til sine undersåtter, præcis som Alexanders konge gør det. De virker som det perfekte match. Da nyheden om hendes faders død indtræffer, er Whitaker fejlfri – hun formidler smukt følelsen af sit personlige tab, sin pligt mod sit land og sin afdøde far, og afviser blidt men bestemt Alexanders hånd, indtil den 12 måneder lange sørgeperiode er ovre. Det er et knugende øjeblik, smukt afvejet.

Berowne er rollen, mange mistænker Shakespeare for at have skrevet til sig selv, og den er en gave; en fantastisk kombination af hurtige, vittige udvekslinger, ren komik, geniale oneliners, fortryllende poetiske monologer og øjeblikke af åndeløs klarhed over den menneskelige tilstand. Edward Bennett er en god Berowne – hans klarhed og sikkerhed får de hurtige passager til at hvirvle af morskab, og hans greb om sprog og teknik sikrer, at hans taler, især den der skal inspirere hans fæller i slutningen af første akt, er bjergtagende, inspirerende og ganske smukke. Men han kunne have været mere drilsk, mere selvsikker, mere overbevist om sine egne evner, for det er i den selvbevidsthed, at meget af komikken ligger gemt.

Don Armado kan være en trættende rolle; den kræver en ægte komisk skuespiller med præcis teknik og en herlig portion selvironi. Der er mange fjollede replikker og halvdårlige vittigheder, der skal fungere, og John Hodgkinson gør et suverænt stykke arbejde som denne klovn med den mærkværdige accent. Han får særdeles god hjælp fra Peter McGoverns Moth, en kvik piccolo med et hurtigt vid, et muntert væsen og en god sangstemme. McGovern giver energi til hver eneste scene, han medvirker i, og hans Moth er perfekt, når han sværmer omkring den tossede Don Armados flamme.

David Horovitch er helt vidunderlig som den kortfattede, ordstrømmende og prætentiøse skolemester Holofernes; Jamie Newall gør Boyet til en champagnerygende ambassadør med enorm ynde og stil; Tunji Kasim er en fornøjelse som den bamse-besatte Dumaine (i et humoristisk vink til Brideshead Revisited), der kan hvine såvel som kurre; og Roderick Smith leverer de dårlige nyheder om prinsessens far med dyster præcision.

Nick Haverson (Costard) og Emma Manton (Jacquenetta) prøvede en anelse for hårdt med deres klassiske landlige karakterer; ingen af dem blev hjulpet af den kunstige Gilbert og Sullivan-stil, som Luscombe har klistret på forestillingen. Ellers er resten af det samlede cast i god form og hjælper med at give forestillingen en overordnet følelse af konstant glæde.

Nigel Hess leverer fin underlægningsmusik, men ingen af de sange, som Shakespeare skrev som en del af stykket, er mere end små, lette fornøjelser. Oliver Fenwick lyssætter det hele mesterligt, så scenografi og kostumer funkler, og der er fængslende tableauer med de fire par elskende. Der er overflod af talent involveret i at få denne produktion til at se så godt ud, som den gør.

Der er så meget at holde af og nyde her. Luscombe har samlet et eksemplarisk hold af skuespillere og teknikere til dette projekt. En større koncentration om teksten, snarere end afstikkere til operette, ville dog have givet et endnu bedre resultat. Men der er ingen tvivl om, at når det sidste buk er taget, har man lyst til at se dette kompagni i ledsagerstykket, Love's Labour's Won.