REZENSION: Verlorene Liebesmüh, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Verlorene Liebesmüh. Foto: Alastair Muir Verlorene Liebesmüh

Royal Shakespeare Theatre

15. November 2014

4 Sterne

Man kann, denke ich, wohl mit Sicherheit sagen, dass Simon Higletts köstliches und überaus schönes Bühnen- und Kostümbild für Christopher Luscombes Inszenierung von Shakespeares Verlorene Liebesmüh, derzeit im Royal Shakespeare Theatre in Stratford-upon-Avon zu sehen, die ehrgeizigste, eindrucksvollste und gelungenste Verbindung von Ausstattung und Kostümen ist, die man seit der Wiedereröffnung des renovierten Hauses gesehen hat. Es ist ein visueller Triumph und schafft die perfekte Umgebung für den Text.

Angelehnt an den realen Charlecote Park (wo sowohl Dame Judi Dench als auch Shakespeare – in unterschiedlichen Jahrhunderten – mit dem Vorwurf der Wilderei von Hirschen in Verbindung gebracht wurden) nutzt das Bühnenbild einen riesigen fahrenden Wagen, eine Falltür, aus der ein prachtvoll dekoratives Dach von unter der Bühne emporsteigen kann, sowie zwei imposante Torhaustürme; dazu gibt es eine wundervolle Bibliothek und einen schönen englischen Rasen – und noch weitere Freuden. Zusammen mit den köstlichen Kostümen ist der Gesamteindruck herrlich – ein verblassender englischer Sommer aus ferner Zeit.

Ein Teil des Kniffs ist, dass dieses Bühnenbild auch in Luscombes Inszenierung von Viel Lärm um nichts verwendet wird, die Gregory Doran für diese RSC-Spielzeit in Love's Labour's Won umbenannt hat – es dürfte also, mutmaßlich, doppelt so viel Budget haben wie eine einmalige Produktion. Trotzdem ist es ein absoluter Triumph des Designs: Können, Einfallsreichtum und Praxistauglichkeit in perfekter Harmonie.

Verlorene Liebesmüh wird oft ungünstig mit Viel Lärm um nichts verglichen, doch es war nie leicht zu verstehen, warum. Beide Stücke haben zwei zentrale Paare, die flirten und streiten; beide leben vom scharfzüngigen Wortgefecht eines dieser Paare; beide sind voller Missverständnisse, beinhalten gebrochene Schwüre und beide haben einen Nebenstrang, in dem eine schräge Männerfigur ihre eigenen Ziele verfolgt. Das eine endet – im konventionellen Sinn – glücklicher als das andere, aber der Hinweis steckt schon im Titel: Verlorene Liebesmüh. Und selbst dann ist die Mühe nicht verloren, sondern nur aufgeschoben – zumindest theoretisch.

So betrachtet ergibt Dorans Entscheidung, Viel Lärm um nichts umzubenennen, Sinn. Beide Stücke ähneln sich stark, kommen aber zu unterschiedlichen Ergebnissen. Als Paarung wirkt das ganz natürlich. Und wäre das das Ausmaß der „Eingriffe“, gäbe es wenig zu beklagen.

Doch Luscombe scheint dem Text nicht zutrauen zu wollen, die Arbeit zu leisten, und legt dem Stück eine Operetten-Sensibilität über, die zunächst seltsam, aber charmant wirkt, im zweiten Akt jedoch überkandidelt, leicht selbstsaboteurisch und völlig unpassend wird. Und dann erscheinen – unbeholfen und wirklich gegen den Geist von Shakespeares eigenem Schluss – die vier werbenden Männer (der König von Navarra und seine Mitstudenten) in Uniform, salutieren ihren Damen und Freunden und ziehen in den Ersten Weltkrieg – und wohl in den Tod. Offensichtlich soll das Kriegsmotiv die Gesamtidee der Spielzeit stützen, mit einem Stück vor dem Krieg und dem anderen danach, doch es wirkte holpriger und irritierender als eines von Don Armados schlecht gezimmerten Bonmots.

Zum Glück ist die Produktion in den meisten anderen Punkten mit gutem Spiel, makellosem Timing und einem Sinn für Stil, Schalk und Grandezza gesegnet, der ihre Glanzpunkte betont. Viel Lärm um nichts wird oft als Gipfel von Shakespeares verbalem Fechten beschrieben, aber in Wahrheit gebührt diese Ehre Verlorene Liebesmüh. So gut wie alle versuchen, einander mit einem Arsenal aus Pointen, Wortklaubereien und spitzen Nebenbemerkungen zu übertrumpfen – und Luscombe bemüht sich glücklicherweise, das auszukosten.

Weit und breit am glanzvollsten in diesem stacheligen Schlagabtausch ist Michelle Terry, deren Rosaline funkelt und schneidet wie der facettenreiche Diamant, der sie sein sollte. Terry ist begabt und versiert, jeder verbale Stoß sitzt perfekt und ist eine Freude zu hören. Sie meistert die schnellen Passagen mit vollendeter Leichtigkeit, ist das ideale Gegenüber für ihre Schwestern im Werben und bringt Berowne, ihren leidenschaftlichen Verehrer, tadellos dazu, aus dem Takt zu geraten und zu straucheln, weil ihre Zunge ihm ein Bein stellt. Terry ist eine reine Freude zu sehen.

Sam Alexander ist großartig als der leicht pompöse, leicht begriffsstutzige, aber ungemein charmante König von Navarra. Er hat einen rührenden „Welpe-im-Nebel“-Blick, der betört – und kann zugleich im Handumdrehen stählerne Entschlossenheit zeigen. Das ist ein überzeugender königlicher Auftritt und ein Vergnügen, ihm zuzusehen und zuzuhören; so sehr ist seine Darstellung von Freude und Schwung durchdrungen. In die Muskoviten-Tanznummer (wenn er und seine Gefährten versuchen, ihren Lieben Streiche zu spielen) warf er sich mit unwiderstehlicher Hingabe. Wirklich beeindruckend.

Als Prinzessin von Frankreich ist Leah Whitaker Eleganz und Anmut in Person. Eine gewisse Hoheit, leicht und flüchtig, durchzieht jede ihrer Gesten und jedes ihrer Worte, und man spürt, dass sie zugleich verwöhnt und präzise ist. Mit einer Art Hockey-Mädchen-Enthusiasmus lässt sie sich auf den mädchenhaften Geist der Ränke ein, hält dabei aber stets Abstand zu ihren Untertanen – ganz so, wie es Alexanders König tut. Sie scheinen perfekt zueinander zu passen. Als die Nachricht vom Tod ihres Vaters eintrifft, ist Whitaker makellos: Sie vermittelt genau das Gefühl ihres persönlichen Verlusts, ihre Pflicht gegenüber dem Land und dem verstorbenen Vater und weist Alexanders Hand sanft, aber bestimmt zurück, bis die zwölfmonatige Trauerzeit verstrichen ist. Ein erschütternder Moment, wunderschön getroffen.

Berowne ist die Rolle, von der viele vermuten, Shakespeare habe sie für sich selbst geschrieben – und sie ist ein Geschenk: eine wunderbare Mischung aus schnellen, witzigen Dialogduellen, offener Clownerie, herrlichen Einzeilern, bezaubernden und poetischen Monologen und Momenten atemloser Klarheit über die menschliche Verfasstheit. Edward Bennett ist ein guter Berowne – seine Klarheit und Sicherheit lassen die schnellen Passagen vor Vergnügen wirbeln, und sein Gespür für Sprache und Technik sorgt dafür, dass seine Reden, besonders jene, die am Ende des ersten Akts seine Mitstreiter beflügeln soll, schwärmerisch, inspirierend und sehr schön sind. Aber er könnte schelmischer sein, selbstgewisser, entschlossener in Bezug auf seine eigenen Fähigkeiten und seine Schlagkraft – denn aus diesem Selbstgefühl lässt sich viel Komik gewinnen.

Don Armado kann eine ermüdende Rolle sein; sie verlangt einen echten Komödianten mit präziser Technik und einem beschwingten Sinn für Selbstironie. Es gibt viele alberne Zeilen und flache Scherze, die funktionieren müssen, und John Hodgkinson macht als dieser Clown mit dem drolligen Akzent einen hervorragenden Job. Besonders großartige Unterstützung bekommt er von Peter McGoverns Motte, einem messerscharfen Hotelpagen, geschniegelt und munter, mit schnellem Witz, sonnigem Gemüt und einer hübschen Singstimme. McGovern bringt jede Szene, die er betritt, zum Knistern, und seine Motte ist perfekt – surrend um die Flamme des verschrobenen Don Armado.

David Horovitch ist ganz wunderbar als der knappe, geschwätzige und prätentiöse Schulmeister Holofernes; Jamie Newall macht Boyet zu einem champagnerabhängigen Botschafter von enormer Anmut und Stil; Tunji Kasim ist ein Vergnügen als der teddybesessene Dumaine (mit einem humorvollen Augenzwinkern Richtung Brideshead Revisited), der ebenso quietschen wie werben kann; und Roderick Smith überbringt die schlechte Nachricht über den Vater der Prinzessin mit düsterer Präzision.

Nick Haverson (Costard) und Emma Manton (Jacquenetta) bemühten sich mit ihren rustikalen Standardfiguren ein klein wenig zu sehr; geholfen wurde ihnen dabei auch nicht durch den aufgesetzten Gilbert-und-Sullivan-Klamauk, den Luscombe ans Geschehen geklebt hat. Ansonsten ist der übrige Cast in guter Form und trägt dazu bei, dass insgesamt ein Gefühl beständiger Freude entsteht.

Nigel Hess liefert eine schöne Begleitmusik, aber keine der Vertonungen der Lieder, die Shakespeare für das Stück geschrieben hat, ist mehr als eine kleine Nettigkeit. Oliver Fenwick beleuchtet alles meisterhaft, lässt Bühnenbild und Kostüme funkeln, und es gibt sehr fesselnde Tableaus mit den vier Liebespaar-Konstellationen. Es steckt ein Übermaß an Talent darin, diese Produktion so gut aussehen zu lassen, wie sie es tut.

Es gibt hier so viel, das man mögen und genießen kann. Luscombe hat für dieses Projekt ein vorbildliches Ensemble und Team versammelt. Eine stärkere Konzentration auf den Text – statt der Ausweichbewegung in Richtung Operette – hätte allerdings bessere Ergebnisse gebracht. Doch keine Frage: Wenn hier der letzte Applaus verklungen ist, möchte man diese Truppe unbedingt auch im Begleitstück sehen, Love's Labour's Won.