CRITIQUE : Peines d'amour perdues, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

L'amour vaincu. Photo : Alastair Muir L'amour vaincu

Théâtre Royal Shakespeare

15 novembre 2014

4 Étoiles

Il est, je pense, sûr de dire que le délicieux et extrêmement beau décor de Simon Higlett pour la production de Christopher Luscombe de L’amour vaincu de Shakespeare, actuellement présentée au Théâtre Royal Shakespeare de Stratford-upon-Avon, est la combinaison de décors et de costumes la plus ambitieuse, la plus évocatrice et la plus réussie vue depuis la réouverture du théâtre rénové. C’est un triomphe visuel et offre l'environnement idéal pour le texte.

Basé sur le véritable Charlecote Park (où Dame Judi Dench et Shakespeare furent, à des siècles différents, impliqués dans des allégations de braconnage de cerfs), le décor utilise un immense chariot, une trappe qui permet à un magnifique toit décoratif d'émerger de la scène et deux imposantes tours de la maison de la porte ; il y a une merveilleuse bibliothèque et une belle pelouse anglaise ainsi que d'autres surprises. Avec les délicieux costumes, l'effet d'ensemble est glorieux - un été anglais fané d'une époque lointaine.

Une partie du tour de force est que ce décor est également utilisé dans la production de Beaucoup de bruit pour rien de Luscombe, que Gregory Doran a renommée Gagné à l'amour pour cette saison RSC, donc, vraisemblablement, il dispose du double du budget d'une production unique. Néanmoins, c'est un triomphe absolu de conception ; habileté, ingéniosité et praticité en parfaite harmonie.

L’amour vaincu est souvent comparé défavorablement à Beaucoup de bruit pour rien, mais il n'a jamais été facile de comprendre pourquoi. Les deux présentent deux ensembles centraux de couples qui flirtent et se querellent, les deux présentent un jeu verbal vif entre l'un de ces couples, les deux sont pleins de malentendus et impliquent des serments brisés et les deux présentent une intrigue secondaire impliquant un personnage masculin étrange poursuivant ses propres buts. L'un se termine plus heureusement, au sens conventionnel, que l'autre, mais l'indice est dans le titre - L’amour vaincu. Même alors, les travaux ne sont pas perdus, simplement reportés, du moins en théorie.

Vue sous cet angle, la décision de Doran de renommer Beaucoup de bruit pour rien prend tout son sens. Les deux pièces ont de grandes similitudes mais des résultats différents. Cela semble être un jumelage naturel. Et si cela s'arrêtait là, il y aurait peu à redire.

Mais Luscombe semble réticent à laisser le texte seul, imposant une sensibilité d'opérette à la pièce qui, au début, semble étrange mais charmante, mais qui plus tard, dans le deuxième acte, devient trop compliquée, légèrement contre-productive et totalement incongrue. Et puis, sans artifice et vraiment contrer l'esprit de la fin de Shakespeare, les quatre hommes amoureux (le roi de Navarre et ses camarades étudiants) apparaissent en uniforme, saluent leurs dames et amis et partent pour la Première Guerre mondiale - et une mort probable. Évidemment, l'insertion du motif de la guerre sert à aider la saison dans son ensemble, avec une pièce se déroulant avant-guerre et l'autre après, mais cela semblait plus maladroit et plus choquant qu'un des bons mots mal composés de Don Armado.

Heureusement, à la plupart des autres égards, la production bénéficie d'une bonne interprétation, d'un timing impeccable et d'un sens du style, de la malice et de l'assurance qui accentue ses points forts. Beaucoup de bruit pour rien est souvent décrit comme le summum des joutes verbales de Shakespeare, mais, en vérité, L’amour vaincu a cet honneur. Pratiquement tout le monde essaie de surpasser tout le monde avec un arsenal de quolibets, de chicaneries et d'apartés curieux et, heureusement, Luscombe cherche à en tirer le meilleur parti.

De loin, la plus glorieuse dans cette repartie acerbe est Michelle Terry, dont la Rosaline brille et tranche comme le diamant à multiples facettes qu'elle devrait être. Terry est douée et accomplie, chaque coup verbal parfaitement livré et un plaisir à entendre. Elle gère les passages rapides avec une aisance consommée, est la parfaite compagne pour ses sœurs dans la cour et, sans faille, fait trébucher et échouer Berowne, son ardent admirateur, alors que sa langue le fait trébucher. Terry est un véritable plaisir à regarder.

Sam Alexander est merveilleux en tant que roi de Navarre légèrement pompeux, légèrement simple, mais totalement charmant. Il arbore une expression de chiot perdu dans le brouillard qui est captivante et, en même temps, peut produire une détermination d'acier en un instant. C'est une tournure royale convaincante et un plaisir à regarder et entendre, tellement sa performance est imprégnée de joie et d'esprit. Il s'est jeté dans la routine de danse moscovite (quand lui et ses compagnons tentent de faire des farces à leurs amours) avec un enthousiasme irrésistible. Vraiment impressionnant.

En tant que Princesse de France, Leah Whitaker personnifie l'élégance et la régence. Une certaine hauteur, légère et éphémère, imprègne chacun de ses gestes et phrases et vous sentez qu'elle est à la fois choyée et précise. Elle se met dans l'esprit féminin des machinations avec une sorte d'enthousiasme de fille de hockey, mais maintient constamment une distance avec ses sujets, exactement comme le fait le roi d'Alexander. Ils semblent être un couple parfait. Lorsque la nouvelle de la mort de son père arrive, Whitaker est impeccable - elle transmet parfaitement le sens de sa perte personnelle, de son devoir envers son pays et son défunt père et, doucement mais fermement, refuse la main d'Alexander jusqu'à ce que la période de deuil de 12 mois soit écoulée. C'est un moment dévastateur, magnifiquement jugé.

Berowne est le rôle que l'on soupçonne Shakespeare a écrit pour lui-même et c’est un cadeau ; une merveilleuse combinaison d'échanges rapides et spirituels, de bouffonneries ouvertes, de répliques glorieuses, de monologues enchanteurs et poétiques et de moments de clarté époustouflante sur la condition humaine. Edward Bennett fait un bon Berowne - sa clarté et sa certitude font tourbillonner les passages rapides d'amusement et sa maîtrise du langage et de la technique garantit que ses discours, en particulier celui visant à inspirer ses camarades à la fin du premier acte, sont ravissants, inspirants et plutôt beaux. Mais il pourrait être plus espiègle, plus sûr de lui, plus déterminé quant à ses propres capacités et prouesses, car c'est de ce sentiment de son être que beaucoup de joie peut être tirée.

Don Armado peut être un rôle fatigant ; il nécessite un vrai comédien avec une technique précise et un sens de l'autodérision. Il y a beaucoup de lignes stupides et de blagues codées à faire fonctionner, et John Hodgkinson fait un travail superbe en tant que ce clown au drôle d'accent. Il bénéficie de l'assistance particulièrement merveilleuse de Peter McGovern en Moth, un groom vif comme un éclair avec un esprit rapide, une disposition joyeuse et une belle voix chantante. McGovern énergise chaque scène dans laquelle il entre et son Moth est parfait, bourdonnant autour de la flamme du Don Armado délirant.

David Horovitch est tout à fait formidable comme le maître d'école succinct, loquace et prétentieux, Holofernes ; Jamie Newall fait de Boyet un ambassadeur dépendant au champagne d'une immense grâce et style ; Tunji Kasim est un délice en Dumaine obsédé par les ours en peluche (en clin d'œil humoristique à Brideshead Revisited) qui peut piailler aussi bien qu'il peut courtiser ; et Roderick Smith délivre les mauvaises nouvelles concernant le père de la princesse avec une précision sombre.

Nick Haverson (Costard) et Emma Manton (Jacquenetta) essayaient un peu trop fort avec leurs personnages rustiques de stock ; aucun des deux n'était aidé par la fausse folie de Gilbert et Sullivan que Luscombe a collée aux procédures. Sinon, le reste de la distribution ici rassemblée est en bonne forme et aide les procédures à atteindre un sentiment global de joie constante.

Nigel Hess fournit quelques belles musiques d'ambiance mais aucun des réglages des chansons écrites par Shakespeare dans le cadre de la pièce ne sont plus que de légers plaisirs. Oliver Fenwick éclaire tout avec expertise, faisant scintiller le décor et les costumes, et il y a de véritables tableaux transfixants impliquant les quatre ensembles d'amoureux. Il y a un surplus de talent impliqué pour faire en sorte que cette production paraisse aussi belle qu'elle le fait.

Il y a tellement de choses à aimer et à apprécier ici. Luscombe a réuni une distribution et une équipe exemplaires pour ce projet. Se concentrer sur le texte, cependant, plutôt que de s'égarer dans l'opérette, aurait donné de meilleurs résultats. Mais, sans aucun doute, lorsque les saluts finaux se terminent ici, vous avez envie de voir cette troupe dans la pièce compagnon, Gagné à l'amour.