RECENSIE: Love's Labour's Lost, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love's Labour's Lost. Foto: Alastair Muir Love's Labour's Lost

Royal Shakespeare Theatre

15 november 2014

4 Sterren

Ik durf wel te stellen dat het verrukkelijke en uiterst schitterende decor van Simon Higlett voor Christopher Luscombe's enscenering van Shakespeare's Love's Labour's Lost, nu te zien in het Royal Shakespeare Theatre in Stratford-upon-Avon, de meest ambitieuze, sfeervolle en geslaagde combinatie van decor en kostuums is sinds de heropening van het gerenoveerde theater. Het is een visuele triomf die de perfecte ambiance biedt voor de tekst.

Het decor, gebaseerd op het echte Charlecote Park (waar zowel Dame Judi Dench als Shakespeare, in verschillende eeuwen, werden beschuldigd van stroperij), maakt gebruik van een enorme rijdende wagon, een valluik waaruit een prachtig gedecoreerd dak tevoorschijn komt en twee imposante poorttorens; er is een fantastische bibliotheek en een schitterend Engels gazon, naast nog meer moois. Samen met de prachtige kostuums is het effect glorieus – een vervagende Engelse zomer uit een ver verleden.

Een deel van de kunstgreep is dat dit decor ook wordt gebruikt voor Luscombe's productie van Much Ado About Nothing, door Gregory Doran voor dit RSC-seizoen omgedoopt tot Love's Labour's Won. Vermoedelijk is er dus twee keer zoveel budget als voor een eenmalige productie. Niettemin is het een absolute triomf van ontwerp; vakmanschap, vernuft en functionaliteit in perfecte harmonie.

Love's Labour's Lost wordt vaak ongunstig vergeleken met Much Ado About Nothing, maar het is nooit helemaal duidelijk waarom. Beide stukken draaien om twee centrale koppels die flirten en vechten, beide bevatten scherpe verbale duels tussen een van die koppels, beide zitten vol misverstanden en gebroken beloften, en beide hebben een nevenplot met een zonderling personage die zijn eigen plannen najaagt. De een eindigt in conventionele zin gelukkiger dan de ander, maar de hint zit hem in de titel: Love's Labour's Lost. Zelfs dan is het ‘verloren’ werk van de liefde in theorie slechts uitgesteld.

Op deze manier bekeken is Dorans besluit om Much Ado About Nothing een andere titel te geven logisch. Beide stukken vertonen grote overeenkomsten maar hebben een verschillende afloop. Het lijkt een natuurlijke combinatie. En als dat de enige 'bemoeienis' was geweest, viel er weinig te klagen.

Maar Luscombe lijkt het niet aan de tekst te willen overlaten; hij legt een operette-achtige sfeer over het stuk die aanvankelijk vreemd maar charmant aandoet, maar in de tweede akte té druk, contraproductief en volkomen misplaatst wordt. En dan, nogal lomp en lijnrecht tegen de geest van Shakespeare's eigen einde in, verschijnen de vier aanbidders (de Koning van Navarra en zijn medestudenten) in uniform, salueren naar hun dames en vrienden en vertrekken naar de Eerste Wereldoorlog – en een waarschijnlijke dood. Het oorlogsmotief moet uiteraard het overkoepelende seizoen ondersteunen, met één stuk voor de oorlog en het andere erna, maar het voelde lompelijker en storender aan dan een van de slecht geformuleerde bon mots van Don Armado.

Gelukkig is de productie in de meeste andere opzichten gezegend met uitstekend acteerwerk, een feilloze timing en een gevoel voor stijl, branie en ondeugd dat de hoogtepunten accentueert. Hoewel Much Ado vaak wordt gezien als het toppunt van Shakespeare's verbale steekspel, komt die eer eigenlijk Love's Labour's Lost toe. Vrijwel iedereen probeert elkaar af te troeven met een arsenaal aan kwinkslagen en spitsvondigheden, en gelukkig maakt Luscombe hier optimaal gebruik van.

Met afstand de meest briljante in deze scherpe woordenstrijd is Michelle Terry. Haar Rosaline schittert en snijdt als de veelzijdige diamant die ze hoort te zijn. Terry is begaafd en trefzeker; elke verbale steek is perfect geplaatst en een genot om naar te luisteren. Ze handelt de snelle passages met schijnbaar gemak af, is de perfecte bondgenoot van haar zusters en laat Berowne, haar vurige bewonderaar, feilloos struikelen door haar snelle tongval. Terry is een absoluut genot om naar te kijken.

Sam Alexander is formidabel als de tikkeltje pompeuze, wat trage, maar uiterst charmante Koning van Navarra. Hij heeft een ontwapenende blik als van een verloren puppy in de mist, maar kan in een oogwenk een ijzeren vastberadenheid tonen. Het is een overtuigende koninklijke vertolking, vol vreugde en bezieling. Hij stortte zich met een onweerstaanbare overgave in de Russische dansroutine (wanneer hij en zijn metgezellen hun geliefden voor de gek proberen te houden). Werkelijk indrukwekkend.

Als de Prinses van Frankrijk is Leah Whitaker de personificatie van elegantie en vorstelijkheid. Een lichte, vluchtige hoogmoed doordringt elk gebaar en elke zin; je voelt dat ze zowel verwend als accuraat is. Ze gaat met een soort hockeymeisjes-enthousiasme mee in de plannetjes, maar houdt constant afstand tot haar onderdanen, precies zoals de Koning van Alexander dat doet. Ze lijken een perfecte match. Wanneer het bericht van de dood van haar vader arriveert, is Whitaker onberispelijk – ze brengt het gevoel van persoonlijk verlies en plichtsbetrachting prachtig over en weigert de hand van de Koning tactvol doch beslist totdat de rouwperiode van twaalf maanden voorbij is. Een hartverscheurend moment, prachtig gedoseerd.

Men vermoedt dat Shakespeare de rol van Berowne voor zichzelf schreef en het is een prachtig cadeau: een schitterende mix van gevatte dialogen, wat slapstick, heerlijke oneliners en poëtische monologen die een helder inzicht bieden in de menselijke conditie. Edward Bennett is een goede Berowne – door zijn helderheid vliegen de snelle passages voorbij en zijn beheersing van de taal maakt zijn toespraken, vooral die aan het einde van de eerste akte, meeslepend en prachtig. Toch had hij nog wat ondeugender en zelfverzekerder mogen zijn; juist uit die overtuiging van eigen kunnen valt veel humor te putten.

Don Armado kan een vermoeiende rol zijn; het vereist een echte komische acteur met een precieze techniek en zelfspot. John Hodgkinson doet het uitstekend als deze clown met zijn vreemde accent. Hij krijgt fantastische steun van Peter McGovern als Moth, een pientere piccolo met een snelle babbel en een mooie zangstem. McGovern geeft elke scène waarin hij verschijnt energie en zijn Moth is perfect als de mot die rond de vlam van de wereldvreemde Don Armado fladdert.

David Horovitch is voortreffelijk als de kortaf zijnde maar breedsprakige, pretentieuze leraar Holofernes; Jamie Newall maakt van Boyet een aan champagne verslaafde ambassadeur met enorme klasse; Tunji Kasim is een genot als de door teddyberen geobsedeerde Dumaine (een knipoog naar Brideshead Revisited); en Roderick Smith brengt het nare nieuws over de vader van de Prinses met een sombere precisie.

Nick Haverson (Costard) and Emma Manton (Jacquenetta) deden iets te hard hun best met hun typetjes van het platteland; ze werden daarbij niet geholpen door de misplaatste Gilbert en Sullivan-fratsen die Luscombe aan de voorstelling heeft toegevoegd. Verder is de cast in topvorm en zorgen zij voor een sfeer van constante vreugde.

Nigel Hess zorgt voor aardige achtergrondmuziek, maar de bewerkingen van de liederen die Shakespeare schreef voor het stuk zijn niet meer dan aardige tussendoortjes. Oliver Fenwick belicht alles vakkundig, waardoor de decors en kostuums schitteren, en er zijn werkelijk betoverende tableaus met de vier koppels. Er is een overvloed aan talent ingezet om deze productie er zo goed uit te laten zien.

Er valt hier ontzettend veel te genieten. Luscombe heeft een voorbeeldige cast en crew samengesteld. Een grotere focus op de tekst in plaats van de uitstapjes naar operette had echter een nog beter resultaat opgeleverd. Maar zonder twijfel: na het slotapplaus wil je dit gezelschap direct zien in het bijbehorende Love's Labour's Won.