RESEÑA: Trabajos de amor perdidos, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Trabajos de amor perdidos. Foto: Alastair Muir Trabajos de amor perdidos

Royal Shakespeare Theatre

15 de noviembre de 2014

4 estrellas

Creo que es seguro decir que el delicioso y supremamente bello diseño de Simon Higlett para la producción de Christopher Luscombe de Trabajos de amor perdidos de Shakespeare, actualmente en el Royal Shakespeare Theatre de Stratford-upon-Avon, es la combinación de escenografía y vestuario más ambiciosa, más evocadora y más lograda que se ha visto desde que el teatro reabrió tras su reforma. Es un triunfo visual y ofrece el entorno perfecto para el texto.

Inspirado en el real Charlecote Park (donde tanto Dame Judi Dench como Shakespeare estuvieron, en siglos distintos, vinculados a acusaciones de caza furtiva de ciervos), el montaje utiliza un enorme escenario móvil, una trampilla que permite que un precioso tejado decorativo emerja desde debajo del escenario y dos imponentes torres del cuerpo de guardia; hay una biblioteca maravillosa y un hermoso césped inglés, además de otros pequeños regalos. Junto con el delicioso vestuario, el efecto global es glorioso: un verano inglés que se apaga, de un tiempo lejano.

Parte del truco aquí es que esta escenografía también se utiliza en la producción de Luscombe de Mucho ruido y pocas nueces, que Gregory Doran ha rebautizado como Trabajos de amor ganados para esta temporada de la RSC; así que, presumiblemente, cuenta con el doble de presupuesto que una producción única. Aun así, es un triunfo absoluto del diseño: destreza, ingenio y practicidad en perfecta armonía.

Trabajos de amor perdidos suele compararse desfavorablemente con Mucho ruido y pocas nueces, pero nunca ha sido fácil entender por qué. Ambas presentan dos parejas centrales que coquetean y se enfrentan; ambas ofrecen un agudo toma y daca verbal entre una de esas parejas; ambas están llenas de malentendidos e incluyen promesas que se rompen; y ambas incorporan una subtrama en la que un personaje masculino peculiar persigue sus propios fines. Una termina de forma más feliz, en el sentido convencional, que la otra, pero la pista está en el título: Trabajos de amor perdidos. Incluso así, los esfuerzos no se pierden; simplemente se posponen, al menos en teoría.

Visto así, la decisión de Doran de cambiar el título de Mucho ruido y pocas nueces tiene sentido. Ambas obras guardan grandes similitudes, pero con desenlaces diferentes. Parece un emparejamiento natural. Y si ese fuera el alcance de la “intervención”, habría poco de lo que quejarse.

Pero Luscombe parece reacio a dejar que el texto haga el trabajo, imponiendo a la pieza una sensibilidad de opereta que, al principio, resulta extraña pero encantadora, aunque más tarde, en el segundo acto, se vuelve demasiado recargada, ligeramente autoboicoteadora y totalmente incongruente. Y entonces, de manera torpe y verdaderamente contraria al espíritu del propio final de Shakespeare, los cuatro pretendientes (el Rey de Navarra y sus compañeros de estudio) aparecen uniformados, saludan a sus damas y amigos y parten hacia la Primera Guerra Mundial… y la probable muerte. Obviamente, la inserción del motivo bélico sirve para reforzar el conjunto de la temporada, con una obra situada antes de la guerra y la otra después, pero aquí pareció más burdo y chirriante que uno de los mal compuestos bon mots de Don Armado.

Por suerte, en casi todo lo demás, la producción cuenta con buenas interpretaciones, un sentido del ritmo impecable y una mezcla de estilo, picardía y desparpajo que realza sus mejores momentos. A menudo se describe Mucho ruido y pocas nueces como la cima del duelo verbal de Shakespeare, pero, en realidad, ese honor le corresponde a Trabajos de amor perdidos. Prácticamente todo el mundo intenta superar a los demás con un arsenal de ocurrencias, juegos de palabras y comentarios irónicos; y, por fortuna, Luscombe procura exprimirlo al máximo.

La más brillante, con diferencia, en este intercambio de pullas es Michelle Terry, cuya Rosalina centellea y corta como el diamante de múltiples facetas que debe ser. Terry es talentosa y consumada: cada estocada verbal llega a la perfección y da gusto escucharla. Maneja los pasajes rápidos con una facilidad consumada, es la compañera perfecta de sus “hermanas” en el juego del cortejo y, con impecable precisión, hace que Berowne, su ardiente admirador, se equivoque y se descomponga cuando su lengua lo hace tropezar. Terry es un auténtico placer de ver.

Sam Alexander está magnífico como el Rey de Navarra, ligeramente pomposo, un poco corto de luces, pero absolutamente encantador. Tiene una expresión entrañable de cachorro perdido en la niebla que resulta cautivadora y, a la vez, es capaz de sacar una determinación acerada en un instante. Es un giro regio convincente y un deleite verlo y escucharlo; su interpretación rebosa alegría y vitalidad. Se lanzó a la rutina de baile “moscovita” (cuando él y sus compañeros intentan hacer travesuras con sus amadas) con una entrega irresistible. De veras impresionante.

Como la Princesa de Francia, Leah Whitaker es la elegancia y el porte personificados. Una cierta altivez, ligera y efímera, impregna cada gesto y cada frase, y se percibe que es a la vez mimada y precisa. Se mete en el espíritu juguetón de las intrigas con una especie de entusiasmo de chica de hockey, pero mantiene constantemente una distancia respecto a sus súbditos, exactamente igual que el Rey de Alexander. Parecen una pareja perfecta. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre, Whitaker está impecable: transmite a la perfección su pérdida personal, su deber con el país y con su padre fallecido y, suave pero firmemente, rechaza la mano de Alexander hasta que haya transcurrido el periodo de duelo de 12 meses. Es un momento devastador, bellamente medido.

Berowne es el papel que muchos sospechan que Shakespeare escribió para sí mismo, y es un regalo: una combinación maravillosa de intercambios rápidos e ingeniosos, algo de bufonería abierta, frases memorables, monólogos encantadores y poéticos y momentos de claridad sin aliento sobre la condición humana. Edward Bennett compone un buen Berowne: su claridad y seguridad hacen que los pasajes rápidos giren con diversión, y su dominio del lenguaje y la técnica garantiza que sus parlamentos, especialmente el destinado a inspirar a sus compañeros al final del primer acto, sean arrebatadores, inspiradores y francamente hermosos. Pero podría ser más travieso, más seguro, más decidido respecto a sus propias capacidades y destrezas, porque de ese sentido de sí mismo se puede extraer mucha comicidad.

Don Armado puede ser un papel agotador; exige un verdadero actor cómico con técnica precisa y un espíritu vivaz de autoironía. Hay muchas frases tontas y chistes de saldo que hacer funcionar, y John Hodgkinson realiza un trabajo soberbio como este payaso de acento ridículo. Cuenta, además, con la ayuda especialmente magnífica del Moth de Peter McGovern, un botones vivaracho como un rayo, de ingenio rápido, talante alegre y una bonita voz para cantar. McGovern llena de energía cada escena en la que entra y su Moth es perfecto, zumbando alrededor de la llama del chiflado Don Armado.

David Horovitch está francamente maravilloso como el seco, locuaz y pretencioso maestro Holofernes; Jamie Newall convierte a Boyet en un embajador adicto al champán de enorme gracia y estilo; Tunji Kasim es un encanto como el Dumaine obsesionado con ositos de peluche (en un guiño divertido a Brideshead Revisited) que puede chillar tan bien como cortejar; y Roderick Smith entrega la mala noticia sobre el padre de la Princesa con sombría precisión.

Nick Haverson (Costard) y Emma Manton (Jacquenetta) se esforzaron un pelín demasiado con sus personajes rústicos de manual; y a ninguno le ayudó la falsa extravagancia a lo Gilbert y Sullivan que Luscombe ha pegado con superglú a la función. Por lo demás, el resto del reparto reunido aquí está en buena forma y contribuye a que el conjunto alcance una sensación de alegría constante.

Nigel Hess aporta una música incidental agradable, pero ninguno de los arreglos de las canciones que Shakespeare incluyó en la obra pasa de ser un entretenimiento ligero. Oliver Fenwick ilumina todo con maestría, haciendo brillar la escenografía y el vestuario, y hay tableaux realmente hipnóticos que reúnen a los cuatro pares de enamorados. Hay un derroche de talento implicado en que esta producción se vea tan bien como se ve.

Hay muchísimo que apreciar y disfrutar aquí. Luscombe ha reunido un reparto y un equipo ejemplares para este proyecto. Sin embargo, un mayor enfoque en el texto, en lugar de desviarse hacia la opereta, habría dado mejores resultados. Pero, sin duda, cuando terminan los saludos finales, te quedas con ganas de ver a esta compañía en la pieza compañera, Trabajos de amor ganados.