RESENHA: Labor's Lost, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Trabalhos de Amor Perdidos. Foto: Alastair Muir Trabalhos de Amor Perdidos

Royal Shakespeare Theatre

15 de novembro de 2014

4 estrelas

É, creio eu, seguro dizer que o delicioso e supremamente belo design de Simon Higlett para a produção de Christopher Luscombe de Trabalhos de Amor Perdidos, de Shakespeare — actualmente em cena no Royal Shakespeare Theatre, em Stratford-upon-Avon — é a combinação de cenografia e figurinos mais ambiciosa, mais evocativa e mais bem-sucedida que se viu desde a reabertura do teatro renovado. É um triunfo visual e oferece o ambiente perfeito para o texto.

Inspirado no real Charlecote Park (onde tanto Dame Judi Dench como Shakespeare, em séculos diferentes, estiveram envolvidos em alegações de caça furtiva a veados), o cenário recorre a um enorme carro móvel, a um alçapão que permite que um deslumbrante telhado decorativo surja debaixo do palco e a duas imponentes torres de portaria; há uma biblioteca maravilhosa e um belo relvado inglês, entre outros mimos. Em conjunto com os deliciosos figurinos, o efeito global é glorioso — um Verão inglês em declínio, vindo de um tempo distante.

Parte do truque aqui é que este cenário também é usado na produção de Luscombe de Much Ado About Nothing, que Gregory Doran rebatizou como Love's Labour's Won para esta temporada da RSC; por isso, presume-se, terá o dobro do orçamento de uma produção isolada. Ainda assim, é um triunfo absoluto de design: técnica, engenho e praticidade em perfeita harmonia.

Trabalhos de Amor Perdidos é muitas vezes comparada desfavoravelmente a Much Ado About Nothing, mas nunca foi fácil perceber porquê. Ambas apresentam dois pares centrais que namoriscaram e discutem; ambas têm um duelo verbal afiado entre um desses pares; ambas estão cheias de mal-entendidos e envolvem votos quebrados; e ambas incluem uma intriga paralela com uma personagem masculina excêntrica a perseguir os seus próprios fins. Uma acaba de forma mais feliz, no sentido convencional, do que a outra — mas a pista está no título: Trabalhos de Amor Perdidos. Mesmo assim, os “trabalhos” não se perdem; ficam apenas adiados, pelo menos em teoria.

Visto assim, a decisão de Doran de rebatizar Much Ado About Nothing faz sentido. As duas peças têm grandes semelhanças, mas desfechos diferentes. Parece um emparelhamento natural. E, se fosse só isso que a “mexida” implicasse, haveria pouco de que reclamar.

Mas Luscombe parece pouco disposto a deixar que o texto faça o trabalho, impondo à peça uma sensibilidade de opereta que, de início, parece estranha mas encantadora, e que mais tarde, no segundo acto, se torna excessivamente preciosista, ligeiramente auto-sabotadora e totalmente incongruente. E depois, de forma pouco subtil e verdadeiramente contrária ao espírito do próprio final de Shakespeare, os quatro homens que cortejam (o Rei de Navarra e os seus colegas estudantes) surgem de uniforme, prestam continência às suas damas e amigos e partem para a Primeira Guerra Mundial — e para uma morte provável. Evidentemente, a inserção do motivo da guerra serve para apoiar o arco global da temporada, com uma peça situada no pré-guerra e a outra no pós-guerra, mas soou mais desajeitada e mais brusca do que um dos bon mots mal compostos de Dom Armado.

Felizmente, na maioria dos outros aspectos, a produção é abençoada com boa interpretação, sentido de tempo impecável e uma noção de estilo, travessura e garbo que acentua os seus pontos altos. Much Ado About Nothing é muitas vezes descrita como o auge do duelo verbal de Shakespeare, mas, na verdade, Trabalhos de Amor Perdidos é que merece essa honra. Praticamente toda a gente tenta levar a melhor sobre toda a gente com um arsenal de tiradas, trocadilhos e apartes maliciosos e, felizmente, Luscombe procura tirar o máximo partido disso.

De longe, a mais gloriosa nesta réplica farpada é Michelle Terry, cuja Rosalina cintila e corta como o diamante multifacetado que deve ser. Terry é talentosa e consumada; cada estocada verbal é entregue com perfeição e dá gosto ouvir. Domina as passagens rápidas com total naturalidade, é a parceira ideal das suas “irmãs” no jogo do cortejo e, sem falhas, faz Berowne — o seu ardente admirador — tropeçar e atrapalhar-se, à medida que a sua língua o desarma. Terry é um prazer absoluto de ver.

Sam Alexander é magnífico como o Rei de Navarra — ligeiramente pomposo, um pouco ingénuo, mas absolutamente encantador. Tem uma expressão cativante de cachorro perdido no nevoeiro que seduz e, ao mesmo tempo, consegue revelar uma determinação de aço num instante. É um momento régio convincente e um deleite de ver e ouvir; a sua interpretação está tão impregnada de alegria e energia. Atirou-se à rotina de dança dos moscovitas (quando ele e os seus companheiros tentam pregar partidas às amadas) com uma entrega irresistivelmente total. Muito impressionante.

Como a Princesa de França, Leah Whitaker é a elegância e a nobreza em pessoa. Uma certa altivez, leve e efémera, atravessa cada gesto e cada frase, e sentimos que é simultaneamente mimada e precisa. Entra no espírito mais “girly” das maquinações com um entusiasmo de rapariga do hóquei, mas mantém constantemente uma distância em relação aos seus súbditos — exactamente como o Rei de Alexander. Parecem o par perfeito. Quando chega a notícia da morte do pai, Whitaker é irrepreensível: transmite na perfeição a sua perda pessoal, o dever para com o país e o pai falecido e, com doçura mas firmeza, recusa a mão de Alexander até que passe o período de luto de 12 meses. É um momento devastador, belissimamente medido.

Berowne é o papel que muitos suspeitam que Shakespeare escreveu para si próprio, e é uma dádiva: uma combinação maravilhosa de trocas rápidas e espirituosas, alguma bufaria assumida, frases memoráveis, monólogos encantadores e poéticos e momentos de clareza ofegante sobre a condição humana. Edward Bennett faz um bom Berowne — a sua clareza e segurança fazem as passagens rápidas girarem com humor, e o seu domínio da linguagem e da técnica garante que os seus discursos, sobretudo o que procura inspirar os companheiros no final do primeiro acto, sejam arrebatadores, inspiradores e muito belos. Mas poderia ser mais traquinas, mais seguro de si, mais decidido quanto às suas próprias capacidades e proeza, pois é desse sentido de si mesmo que se pode extrair grande parte da graça.

Dom Armado pode ser um papel cansativo; exige um verdadeiro actor cómico, com técnica precisa e um sentido vivo de auto-ironia. Há muitas falas disparatadas e piadas de segunda para fazer resultar, e John Hodgkinson faz um trabalho soberbo como este palhaço de sotaque ridículo. Tem uma ajuda particularmente brilhante de Moth, de Peter McGovern, um rapaz de recados esperto como tudo, de raciocínio rápido, disposição alegre e uma boa voz para cantar. McGovern dá energia a cada cena em que entra, e o seu Moth é perfeito, zumbindo em torno da chama do tresloucado Dom Armado.

David Horovitch é absolutamente excelente como o professor Holofernes, ao mesmo tempo lacónico, verboso e pretensioso; Jamie Newall faz de Boyet um embaixador viciado em champanhe, de enorme graça e estilo; Tunji Kasim é um encanto como o Dumaine obcecado com ursinhos de peluche (numa divertida referência a Brideshead Revisited), capaz tanto de soltar guinchos como de cortejar; e Roderick Smith entrega as más notícias sobre o pai da Princesa com precisão sombria.

Nick Haverson (Costard) e Emma Manton (Jacquenetta) esforçaram-se um pouco demais com as suas personagens rústicas de catálogo; e nenhum dos dois foi ajudado pela falsa folia à Gilbert e Sullivan que Luscombe colou a supercola ao espectáculo. De resto, o restante elenco aqui reunido está em boa forma e ajuda a alcançar uma sensação global de alegria consistente.

Nigel Hess fornece alguma música incidental agradável, mas nenhuma das composições para as canções que Shakespeare escreveu como parte da peça passa de um pequeno agrado. Oliver Fenwick ilumina tudo com mestria, fazendo brilhar cenário e figurinos, e há quadros verdadeiramente hipnotizantes envolvendo os quatro pares de amantes. Há um excesso de talento envolvido em fazer esta produção parecer tão boa quanto é.

Há muito para gostar e desfrutar aqui. Luscombe reuniu um elenco e uma equipa exemplares para este projecto. Uma maior concentração no texto, no entanto, em vez de uma fuga para a opereta, teria dado melhores resultados. Mas, sem dúvida, quando as derradeiras vénnias terminam, fica-se com vontade de ver esta companhia na peça companheira, Love's Labour's Won.