ANMELDELSE: Mågen, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

Mågen

Regent's Park Open Air Theatre

24. juni 2015

4 stjerner

Bestil billetter

Det var i 1895, at Anton Tjekhovs Mågen fik sin lidet lovende debut. Den blev betragtet som en fiasko ved premieren, men dens skæbne blev forvandlet, da Stanislavskij og Nemirovitj-Dantjenko åbnede Moskva Kunstnerteaters sæson med en genopsætning af stykket.

I anledning af stykkets 120-års jubilæum fik Torben Betts til opgave af Regent's Park Open Air Theatre at skrive en ny version af Tjekhovs første store succes og en af hans 'fire store' (de øvrige er Onkel Vanja, Tre søstre og Kirsebærhaven). Matthew Dunsters iscenesættelse af denne bearbejdelse spiller nu, og der er formentlig én ting, alle kan blive enige om: Ingen har nogensinde set en opsætning af Mågen præcis som denne.

I programmet siger professor emeritus i russisk dramatik, Cynthia Marsh, om originalen:

"Det er et kritisk og spørgende blik på den demi-monde, der omgiver forfattere, teatret og skuespillerinder, og den hjertesorg og tragedie, man ofte finder der. Frem for alt rejses der et spørgsmålstegn ved, hvad de egentlig har gang i: Hvad er kunst? Hvad er teater? Og et implicit, men ikke fuldt udfoldet og langt større spørgsmål: Hvad er livet?... Hans indgående forståelse af teatrets mekanismer og hans fravælgelse af den melodramatiske stil, der stadig var så populær... førte ham til at pille teatret fra hinanden og afsløre de prætensioner om realisme, man var begyndt at hylde. Stykket er gennemsyret af datidens debat om kunstens mål generelt og teatrets i særdeleshed."

Betts' bearbejdelse (re-imagining er måske mere præcist) forsøger i den grad at fremkalde samme effekt, som Tjekhov må have haft på sit oprindelige publikum. Der er en robust modernitet over sproget, som gør situationerne og karaktererne øjeblikkeligt forståelige og genkendelige. Det sker på bekostning af den lyrik, Tjekhov oprindeligt skrev, men i sidste ende er den klare forståelse det værd. For nogle vil teksten uden tvivl være for grov eller vulgær – men den destillerer essensen af Tjekhovs hensigt på en sammenhængende og håndgribelig måde.

Dunsters instruktion formørker dog til tider Betts' dygtighed. Det er på ingen måde fatalt, men der er mærkværdige stilistiske valg: hver scene punkteres af en ekstremt høj, forstærket lyd (som måske eller måske ikke er lyden af en revolver, der bliver spændt – hvis nogen ved det, så sig endelig til), der virker skurrende og foruroligende; scenografien domineres af et vinklet spejl, som sent i anden akt forvandles til et skarpt lysfyr, der ødelægger den realisme, skuespillet har opbygget; søen, som fylder så meget i Tjekhovs vision, bliver her helt konkret, og i første akt svømmer tjenerne i den, nøgne og trodsige, mens den i anden akt bliver til en indskudt og unødvendig reference til Hamlet.

Vigtigere endnu er Dunsters idiosynkratiske fusion af stilarter. Heldigvis er hans overordnede tilgang komisk; han undgår helt rigtigt den trættende "Tjekhov er tung og alvorlig"-tilgang. Især første akt er utroligt underholdende. Men i anden akt, måske som en anerkendelse af de forskellige teaterformer, der er vigtige for hovedpersonerne, viger realismen for spredte stilarter: optog, avantgarde og melodrama. Intet bliver klarere eller bedre af disse særprægede valg, som i sidste ende tager fokus fra både Betts' arbejde og Tjekhov.

Alligevel er det ikke alle instruktørens valg, der klinger hult. Brugen af indtalte voice-overs til at repræsentere karakterernes indre følelser er overraskende effektiv. Der er en sprudlende energi over tempoet og præstationerne, som gør det nemt at følge karakterernes sindstilstande. En knivskarp kortfattethed er den grundlæggende tilgang, så når pauserne endelig kommer, rammer de særligt stærkt. Dunster kaster lys ind i de mørke afkroge, som Tjekhov og Betts væver ind i fortællingen: på mange måder er dette den klareste formidling af denne historie i mange år.

Karakterernes egoisme og selvoptagethed er formidabelt skildret. Meget af dialogen tales hen over hovedet på andre, hvilket understreger talerens manglende interesse for modparten. Den stikkende fortrolighed i gamle relationer er klogt formidlet, ligesom den smertefulde, ulykkelige kærlighed, der plager så mange af karaktererne. Hektisk vildskab, vanvittig passion, tavs fortrydelse og undertrykt længsel – Dunsters instruktion ridser præcist den forskellige smerte op, som de enkelte karakterer oplever.

Besætningen er for det meste fremragende, og det hjælper også på stykkets gennemslagskraft og umiddelbarhed – og humoren.

Simon elsker Masja, som hader Simon, men elsker Konstantin. Konstantin tilbeder Nina og ænser ikke Masja; Nina elsker kortvarigt Konstantin, men falder pladask for den ældre Boris, som er elsker til Irina, Konstantins mor. Dr. Dorn elsker også Irina, og han er elsket af Paulina, som er gift med Ilia (Masjas forældre). Peter ejer godset, hvor Masja og hendes forældre bor (Ilia er godsforvalteren), og der er andre tjenere – Jakov og Natasja. Da stykket begynder, forbereder Konstantin premieren på et af sine stykker, som har Nina i hovedrollen, og som skal opføres i godsets have for den samlede gruppe af ulykkeligt forelskede mennesker.

Colin Hoult er fremragende som Simon, læreren der forguder Masja, men som konstant taler om sin mangel på penge. Hoult er komisk perfektion og rammer en præcis kombination af det småtskårne, det bøvede og det naive. Hans sociale akavethed er herlig, og man kan ikke undgå at føle med ham.

Som Masja er Lisa Deveney vidunderlig: bidende, intelligent, evigt sørgende, defensiv og desperat. Hendes længsel efter Konstantin er til at tage og føle på, og hun lader sine frustrationer gå ud over Simon på ukærlig, men komisk effektiv vis. Deveney har en fascinerende hæs kvalitet i sin stemme, som hun udnytter til fulde, uanset om det gælder raseri eller frustration. Hun og Hoult er et fænomenalt makkerpar.

Janie Dee er fuldstændig på hjemmebane som den falmende stjerneskuespillerinde, og hun gør Irina både uudholdelig og bedårende på én gang. Scenen, hvor hun sammenligner sit livssyn med Masjas, er ren komisk magi. Senere er der en næsten ubærligt smuk scene med hendes fremmedgjorte søn, hvor hun skifter fra at være den omsorgsfulde, forbindende mor til en kedet, irriteret primadonna på et øjeblik. Dee er en fantastisk skuespillerinde, og hendes arbejde her er helt udsøgt.

Fordi Dee er så stærk og levende som Irina, fungerer Matthew Tennysons blege, drømmende, men strålende Konstantin perfekt som modspil. Han er i den grad sin mors søn, og Tennyson er mesterlig til at vise det. Men han er jaget af følelsen af utilstrækkelighed og sit begær efter Nina, hvilket Tennyson også viser tydeligt – og han er samtidig morsom. Hans spil i scenen, hvor han sætter sit stykke op, er hylende morsomt.

Ian Redford er storslået som Peter Sorin; tvær, trodsig, indædt sørgmodig og tynget af rædslen over et ulevet liv. Han tilfører hver bevægelse en gnaven pragt. Danny Webbs Dr. Dorn er lige så god – en klog, ensom mand med en hemmelig fortid. Han bringer et åbent sind til de fastlåste holdninger om teater og kunst og bliver dermed en reel allieret for den plagede Konstantin. Webb formår at være både imødekommende og dybt sørgmodig på samme tid. Hans sidste replikker var meget stærke.

Opsætningens eneste alvorlige fejltrin ligger i den centrale rolle som Boris Trigorin, den etablerede forfatter, der knuser både Irinas og Konstantins håb gennem sin affære med Nina. Alex Robertson virkede til at være med i et helt andet stykke – måske var det et bevidst valg fra instruktørens side, da Boris er den sande outsider på godset. Men selv da er Boris' bidrag til stykket afgørende – det var den rolle, Stanislavskij selv spillede, og den regnes ofte for en af de største mandlige roller, Tjekhov skrev. Men ikke her. Der er ingen fornemmelse af maskulin magt eller intelligens i portrættet, og det er umuligt at forstå, hvorfor rollen spilles, som den gør.

Både Sabrina Bartletts Nina og Dees Irina lider under Robertsons excentriske præstation, Bartlett mere end Dee. Nina bliver defineret af sin berusende tilbedelse af Boris, og uden et stærkt modspil fra ham bliver hun efterladt lidt på bar bund. Men Bartlett gør sit bedste, og hendes scener med Tennyson er fremragende. Hendes stemme bliver lidt for ofte for skinger, men hun har en sød og vindende udstråling. Man forstår til fulde Konstantins begær efter hende.

Resten af holdet leverer solide præstationer, selvom Fraser James' Ilia bliver en anelse anstrengende med sit konstante grin af egne vittigheder.

Jon Bausors scenografi er bemærkelsesværdig. Forholdet mellem godset og søen er smukt formidlet og ser utroligt ægte ud, hjulpet godt på vej af rammerne i Regent's Park. Der er haver og træer, og græsplænen ser flot ud både på jorden og i genskinnet fra det kæmpe spejl. I indendørsscenerne fjernes græsset til fordel for et flot parketgulv, der effektivt illustrerer middelklassens pænhed. Bortset fra det øjeblik, hvor det bliver til et lysfyr, er spejlet et klogt greb. Refleksioner er vigtige i stykket, og spejlet symboliserer dette, samtidig med at det giver interessante perspektiver på handlingen.

Der er meget at beundre og blive betaget af i denne skarpe og intelligente produktion. Men Dunster bliver lidt for smart mod slutningen, og især slutscenen er dårligt håndteret – alt for melodramatisk til at være så smertefuld og sørgelig, som den burde være. Alligevel er dette en version af Mågen, som er værd at opleve.

MÅGEN SPILLER FREM TIL 11. JULI 2015 I REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE