समीक्षा: द सीगल, रीजेंट्स पार्क ओपन एयर थियेटर ✭✭✭✭

द सीगल

रेजेंट्स पार्क ओपन एयर थिएटर

24 जून 2015

4 स्टार्स

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साल 1895 था जब एंतोन चेखव की द सीगल का कुछ खास उम्मीद न जगाने वाला पहला प्रदर्शन हुआ। पहली बार मंचित होने पर इसे असफल माना गया, लेकिन जब स्तानिस्लाव्स्की और नेमिरोविच-दांचेन्को ने मॉस्को आर्ट थिएटर के सीज़न की शुरुआत इस नाटक के पुनरुद्धार से की, तो इसकी किस्मत ही बदल गई।

नाटक की 120वीं वर्षगांठ के मौके पर रेजेंट्स पार्क ओपन एयर थिएटर ने टॉर्बेन बेट्स को चेखव की पहली बड़ी सफलता और उनकी ‘बिग फोर’ में से एक (बाकी हैं अंकल वान्या, थ्री सिस्टर्स और द चेरी ऑर्चर्ड) का नया संस्करण लिखने के लिए नियुक्त किया। मैथ्यू डनस्टर का इस रूपांतरण पर आधारित प्रोडक्शन अब मंच पर है—और एक बात पर शायद सभी सहमत होंगे: द सीगल का ऐसा रूप आपने पहले कभी नहीं देखा होगा।

कार्यक्रम पुस्तिका में रूसी नाटक की एमेरिटस प्रोफेसर सिंथिया मार्श मूल नाटक के बारे में कहती हैं:

“यह लेखकों, थिएटर और अभिनेत्रियों के इर्द-गिर्द घूमती उस अर्ध-परिचित दुनिया पर एक आलोचनात्मक और जिज्ञासु नज़र है—वहाँ अक्सर महसूस होने वाला दिल टूटना और त्रासदी। सबसे बढ़कर, यह सवाल उठाता है कि वे सब कर क्या रहे हैं: कला क्या है? थिएटर क्या है? और एक अंतर्निहित, लेकिन पूरी तरह विकसित न हो पाया, कहीं बड़ा सवाल—जीवन क्या है?... थिएटर की कार्यप्रणाली की उनकी आत्मीय समझ, और उस मेलोड्रामैटिक शैली को छोड़ देना जो तब भी इतनी लोकप्रिय थी...ने उन्हें उस यथार्थवाद के दावे को खोलकर देखने तक पहुँचाया जिसे थिएटर अपनाने लगा था। यह नाटक सामान्यतः कला के, और विशेषतः थिएटर के उद्देश्यों पर समकालीन बहस में पूरी तरह डूबा है।”

बेट्स का रूपांतरण (कहें तो ‘पुनर्कल्पना’ कहना ज्यादा सटीक होगा) निश्चित ही वही असर जगाने की कोशिश करता है जो चेखव ने अपने शुरुआती दर्शकों पर डाला होगा। भाषा में एक ठोस आधुनिकता है, जिससे परिस्थितियाँ और पात्र तुरंत समझ में आते हैं—अपने जैसे, पहचाने हुए। इसकी कीमत चेखव की लिखी काव्यात्मकता के रूप में चुकानी पड़ती है, लेकिन अंततः यह स्पष्टता उस नुकसान की भरपाई कर देती है। कुछ लोगों के लिए, निस्संदेह, यह पाठ बहुत खुरदरा, बहुत भद्दा लगेगा—पर यह चेखव के इरादे का सार एक सुसंगत और ठोस रूप में निचोड़कर रख देता है।

हालाँकि, डनस्टर की निर्देशन दृष्टि कुछ हद तक बेट्स की कुशलता पर परदा डाल देती है। यह घातक तो नहीं, मगर कुछ अजीबोगरीब शैलीगत चुनाव चौंकाते हैं: हर दृश्य के बीच एक बेहद तेज़, बढ़ाया गया शोर (जो रिवॉल्वर के कॉक होने की एम्प्लिफ़ाइड आवाज़ हो भी सकता है और नहीं भी—अगर किसी को पता हो, तो ज़रूर बताइए) जो झकझोरता है; सेट पर एक तिरछा विशाल दर्पण हावी है जो दूसरे अंक के अंत में एक अजीब तेज़ रोशनी वाले ‘बीकन’ में बदल जाता है, जिससे मंचन और अभिनय से हासिल यथार्थ का बोध टूट जाता है; और झील—जो चेखव की कल्पना में बहुत अहम उपस्थिति है—यहाँ ठोस रूप ले लेती है: पहले अंक में नौकर उसमें नंगे, बेपरवाह तैरते हैं, और दूसरे अंक में यह हैमलेट की ओर एक घुसाई हुई, अतिरिक्त और अनावश्यक इशारा-भर बन जाती है।

इससे भी बढ़कर—और ज्यादा असर डालने वाली बात—डनस्टर का शैलियों का सनकी मिश्रण है। खुशी की बात है कि उनका समग्र रुख हास्यपूर्ण है; और सही ही वे उस उबाऊ ‘चेखव मतलब उदास और भारी’ वाले नजरिए से बचते हैं। खासकर पहला अंक बेहद आनंददायक है। लेकिन दूसरे अंक में—शायद उन अलग-अलग थिएटर शैलियों को सलाम करने के लिए जो मुख्य पात्रों के लिए अहम हैं—यथार्थवाद की जगह बिखरी हुई शैलियाँ ले लेती हैं: धूमधाम, अवाँ-गार्द और मेलोड्रामा। इन विचित्र फैसलों से कुछ भी न तो ज्यादा स्पष्ट होता है, न बेहतर; उलटे, अंत में ये चुनाव बेट्स के काम और चेखव—दोनों से ध्यान भटका देते हैं।

फिर भी, हर निर्देशन निर्णय खोखला नहीं लगता। पात्रों की भीतर की भावनाओं का प्रतिनिधित्व करने के लिए रिकॉर्डेड वॉयस-ओवर का इस्तेमाल आश्चर्यजनक रूप से प्रभावी है। गति और अभिनय में एक चुस्त ऊर्जा है, जिससे पात्रों की मनोदशा और अर्थ आसानी से समझ में आते हैं और कहानी आगे बढ़ती रहती है। बुनियादी रवैया ‘कसा हुआ, संक्षिप्त’ है—इसलिए जब ठहराव और रुक-रुक कर आने वाले हिस्से आते हैं, वे खास तौर पर असरदार लगते हैं। डनस्टर उन अँधेरे जगहों पर रोशनी डालते हैं जिन्हें चेखव और बेट्स कहानी में बुनते हैं: कई बरसों में यह इस कथा का सबसे स्पष्ट प्रस्तुतीकरण है।

पात्रों की स्वार्थपरता और आत्म-केंद्रितता बेहद खूबसूरती से उभरती है। बहुत-सा संवाद दूसरों की पंक्तियों के ऊपर बोल दिया जाता है—जिससे दिखता है कि बोलने वाले को सामने वाले की परवाह ही नहीं। लंबे समय से चले आ रहे रिश्तों की चुभती हुई आत्मीयता बखूबी पकड़ में आती है, जैसे कई पात्रों के एकतरफा, पीड़ादायक प्रेम भी। आग-सी बेचैनी, उन्मादी जुनून, खामोश पछतावा और दबा हुआ तड़पता आकर्षण—डनस्टर का निर्देशन अलग-अलग पात्रों के अलग दर्द को सावधानी से उकेरता है।

ज़्यादातर कास्टिंग शानदार है—और यही इस प्रस्तुति की प्रभावशीलता, ताजगी और हास्य में भी मदद करती है।

साइमन माशा से प्यार करता है, माशा साइमन से नफ़रत करती है लेकिन कॉन्स्टैन्टिन से प्यार करती है। कॉन्स्टैन्टिन नीना पर जान छिड़कता है और माशा को देखता तक नहीं; नीना थोड़ी देर के लिए कॉन्स्टैन्टिन को चाहती है, लेकिन फिर बड़े उम्र के बोरिस पर पूरी तरह फिदा हो जाती है—जो इरीना (कॉन्स्टैन्टिन की माँ) का प्रेमी है। डॉ डोर्न भी इरीना से प्यार करता है, और उसे पॉलिना चाहती है, जो इलिया से शादीशुदा है (वे माशा के माता-पिता हैं)। पीटर उस एस्टेट का मालिक है जहाँ माशा और उसके माता-पिता रहते हैं (इलिया फार्म मैनेजर है) और वहाँ अन्य नौकर भी हैं—याकोव और नताशा। नाटक शुरू होने पर कॉन्स्टैन्टिन अपने एक नाटक के पहले प्रदर्शन की तैयारी कर रहा है, जिसमें नीना मुख्य भूमिका निभाएगी, और जिसे एस्टेट के मैदान में ऐसे तमाम बेमेल, एकतरफा प्रेम में उलझे लोगों के लिए खेला जाएगा।

साइमन के रूप में कॉलिन हाउल्ट कमाल हैं—वह शिक्षक जो माशा पर फिदा है, और साथ ही लगातार अपनी पैसों की तंगी का राग अलापता रहता है। हाउल्ट कॉमेडी में बिल्कुल सटीक हैं: झुँझलाहट भरी चुस्ती, रूखापन और भोलेपन का सही मिश्रण वे अपने अभिनय में ले आते हैं। उनकी सामाजिक झिझक देखने में लुत्फ़ देती है और उनके प्रति सहानुभूति महसूस न करना नामुमकिन है।

माशा के रूप में लिसा डेवेनी शानदार हैं: तीखी, बुद्धिमान, लगातार शोक में डूबी, बचाव की मुद्रा में और बेबस। कॉन्स्टैन्टिन के लिए उनकी चाहत महसूस की जा सकती है, और वे अपनी कुंठा साइमन पर—कुछ बेरहमी से—निकालती हैं, जो हास्य को भी अच्छी तरह साधता है। डेवेनी की आवाज़ में एक दिलचस्प गले-सी खुरदुरी गुणवत्ता है, जिसे वे गुस्से और झुँझलाहट—दोनों में प्रभावी ढंग से इस्तेमाल करती हैं। वे और हाउल्ट मिलकर एक शानदार जोड़ी बनाते हैं।

धीरे-धीरे ढलती सुपरस्टार अभिनेत्री के रूप में जेनी डी पूरी तरह सहज हैं, और वे इरीना को एक साथ असहनीय भी बना देती हैं और प्यारी भी। वह दृश्य जिसमें वे जीवन के प्रति अपने नजरिए की तुलना माशा के साथ करती हैं, शुद्ध कॉमिक आनंद है—और डी उसे ऊँचाई दे देती हैं। आगे चलकर उनके और उनके अलग-थलग बेटे के बीच एक लगभग असहनीय रूप से खूबसूरत दृश्य आता है, जहाँ वे पलक झपकते ही स्नेही, दुलारने वाली माँ—जो घाव पर पट्टी बाँध रही है—से ऊबी हुई, खिन्न प्राइमा डोना में बदल जाती हैं। डी एक उम्दा अभिनेत्री हैं और यहाँ उनका काम वाकई बेहद नफीस है।

क्योंकि इरीना के रूप में डी इतनी सशक्त और चमकीली हैं, मैथ्यू टेनीसन का फीका-सा, थोड़ा नाज़ुक लेकिन चमकदार कॉन्स्टैन्टिन उनके सामने बिल्कुल सही बैठता है। वह पूरी तरह अपनी माँ का बेटा है—और टेनीसन यह दिखाने में माहिर हैं। लेकिन वह अपनी कमी का एहसास और नीना के लिए अपनी लालसा से भी सताया जाता है—और टेनीसन इसे भी साफ़ दिखाते हैं; वे मज़ेदार भी हैं। अपने नाटक के मंचन वाले दृश्य में उनका काम बेहद हास्यास्पद (अच्छे मायने में) है।

पीटर सोरिन के रूप में इयान रेडफोर्ड शानदार हैं; खुरदरे, झगड़ालू, ज़िद्दी तौर पर उदास—एक ऐसी ज़िंदगी के डर से भरे जो जी ही नहीं गई। वे हर हरकत में एक अपच-सी भव्यता ले आते हैं। डैनी वेब का डॉ डोर्न भी उतना ही अच्छा है—एक समझदार, अकेला आदमी, जिसका अतीत छुपा हुआ है। थिएटर और कला पर जमे हुए मतों के बीच वे एक खुलेपन का भाव लेकर आते हैं, इसलिए परेशान कॉन्स्टैन्टिन के लिए वे सच्चे सहायक बनते हैं। वेब एक साथ सहज मिलनसारियत और गहरी उदासी निभा लेते हैं। उनके आख़िरी शब्द बेहद प्रभावशाली थे।

एक गंभीर चूक केंद्रीय भूमिका—बोरिस त्रिगोरिन—में है: स्थापित लेखक, जो नीना के साथ अपने अफेयर के ज़रिए इरीना और कॉन्स्टैन्टिन—दोनों की उम्मीदों को कुचल देता है। एलेक्स रॉबर्टसन मानो किसी बिल्कुल अलग नाटक में हों—शायद यह जानबूझकर किया गया निर्देशन निर्णय हो, क्योंकि बोरिस एस्टेट और झील की दुनिया के लिए सचमुच ‘आउटसाइडर’ है। लेकिन फिर भी, इस नाटक में बोरिस का योगदान निर्णायक है—यह वही भूमिका है जो स्तानिस्लाव्स्की ने निभाई थी, और अक्सर इसे चेखव द्वारा लिखी गई महानतम पुरुष भूमिकाओं में माना जाता है। पर यहाँ नहीं। प्रस्तुति में न तो पुरुषत्व की ताकत का एहसास है, न बुद्धि का; और यह समझना मुश्किल है कि यह भूमिका इस तरह क्यों निभाई गई है।

रॉबर्टसन के इस सनकी मोड़ के कारण सब्रीना बार्टलेट की नीना और डी की इरीना—दोनों को नुकसान होता है, बार्टलेट को डी से ज्यादा। नीना बोरिस के प्रति अपनी मदहोश भक्ति से परिभाषित हो जाती है, और उसके पास बोरिस का मजबूत सहारा न होने पर वह कुछ भटकती हुई-सी रह जाती है। फिर भी बार्टलेट भरसक कोशिश करती हैं, और टेनीसन के साथ उनके दृश्य बेहतरीन हैं। उनकी आवाज़ अक्सर थोड़ा ज्यादा कर्कश हो जाती है, लेकिन उनकी मौजूदगी मीठी और आकर्षक है। कॉन्स्टैन्टिन की उनके प्रति चाह कभी भी असंगत नहीं लगती।

बाकी कास्ट सब बेहद सक्षम है, हालांकि फ्रेज़र जेम्स का इलिया ‘अपने ही मज़ाक पर खुद हँसने’ वाली आदत के साथ थोड़ा-सा ज़रूरत से ज्यादा देर तक ठहर जाता है।

जॉन बाउसर का सेट उल्लेखनीय है। एस्टेट और झील का एहसास बेहद खूबसूरती से उभरता है और सब कुछ अविश्वसनीय रूप से वास्तविक लगता है—जिसमें रेजेंट्स पार्क की लोकेशन का बड़ा हाथ है। बाग़ और पेड़ हैं, और लॉन ज़मीन पर भी और विशाल दर्पण के प्रतिबिंब में भी प्रभावशाली दिखता है। जब इनडोर दृश्य आते हैं, तो घास हट जाती है और शानदार पारकेट्री सामने आती है, जो साफ-सुथरे ढंग से मिडल-क्लास संवेदनशीलता का असर रच देती है। जिस क्षण यह ‘लाइट बीकन’ बन जाता है उसे छोड़ दें, तो दर्पण एक चतुर कल्पना है। नाटक में प्रतिबिंब अहम हैं, और दर्पण इसका प्रतीक बनता है—साथ ही क्रिया पर दिलचस्प दृष्टिकोण भी देता है।

इस चतुर और बुद्धिमान प्रोडक्शन में तारीफ़ करने और चकाचौंध होने के लिए बहुत कुछ है। लेकिन नाटक के अंत की ओर डनस्टर कुछ ज्यादा ही ‘क्लीवर’ हो जाते हैं, और खासकर अंतिम दृश्य ठीक से सँभाला नहीं गया—वह जरूरत से ज्यादा मेलोड्रामैटिक है, इसलिए जितना दर्दनाक और उदास होना चाहिए, उतना हो नहीं पाता। फिर भी, द सीगल का यह संस्करण चखकर देखने लायक है।

द सीगल 11 जुलाई 2015 तक रेजेंट्स पार्क ओपन एयर थिएटर में चल रहा है