ANMELDELSE: Måken, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

Måken

Regent's Park Open Air Theatre

24. juni 2015

4 stjerner

Bestill billetter

Det var i 1895 at Anton Tsjekhovs Måken fikk sin heller uheldige debut. Stykket ble regnet som en fiasko etter premieren, men lykken snudde da Stanislavskij og Nemirovitsj-Dansjenko åpnet sesongen ved Moskva kunstnerteater med en nyoppsetning.

For å feire stykkets 120-årsjubileum, fikk Torben Betts i oppdrag av Regent's Park Open Air Theatre å skrive en ny versjon av Tsjekhovs første suksess og en av hans «fire store» (de andre er Onkel Vanja, Tre søstre og Kirsebærhagen). Matthew Dunsters produksjon av denne bearbeidelsen spilles nå, og det er sannsynligvis én ting alle kan være enige om: Ingen har noensinne sett en oppsetning av Måken helt som denne.

I programoversikten skriver Cynthia Marsh, professor emeritus i russisk drama, følgende om originalen:

«Det er et kritisk og undersøkende blikk på det bohemaktige miljøet rundt forfattere, teateret og skuespillerinner, og den hjertekviden og tragedien man ofte finner der. Fremfor alt reises det spørsmål ved hva de egentlig driver med: Hva er kunst? Hva er teater? Og et implisitt, men ikke fullt utviklet, mye større spørsmål: Hva er livet?... Hans intime forståelse av teaterets mekanismer, og hans forkastelse av den melodramatiske stilen som fortsatt var så populær... førte ham til å plukke fra hverandre de pretensjonene om realisme teateret hadde begynt å omfavne. Stykket er dyppet i samtidsdebatten om målene for kunst generelt og teater spesielt.»

Betts’ bearbeidelse (nytolkning er kanskje mer dekkende) forsøker definitivt å fremkalle den samme effekten Tsjekhov må ha hatt på sitt opprinnelige publikum. Språket har en robust modernitet som gjør situasjonene og karakterene umiddelbart forståelige og gjenkjennelige. Dette går på bekostning av den lyrikken Tsjekhov skrev, men til syvende og sist er klarheten i forståelsen verdt det. For noen vil teksten utvilsomt virke for grov og vulgær – men den destillerer essensen av Tsjekhovs intensjon på en sammenhengende og håndgripelig måte.

Dunsters regi har imidlertid en tendens til å tåkelegge Betts' ferdigheter noe. Det er på ingen måte fatalt, men det er gjort merkelige stilistiske valg som virker bisarre: Hver scene punkteres av en ekstremt høy, forsterket lyd (som kanskje eller kanskje ikke er lyden av en revolver som spennes – hvis noen vet det, vennligst si fra) som skjærer i ørene og virker urovekkende; scenografien domineres av et vinklet speil som sent i andre akt blir et slags skarpt lysfyr som knuser realismen skapt av iscenesettelsen og skuespillet; innsjøen, som er så til de grader til stede i Tsjekhovs visjon, blir fysisk, og i første akt svømmer tjenerne nakne og trassige i den, mens det i andre akt blir en interpolert og unødvendig referanse til Hamlet.

Noe som bærer mer konsekvens, er Dunsters idiosynkratiske blanding av stiler. Heldigvis er den overordnede tilnærmingen komisk; han unngår helt riktig den trettende «Tsjekhov er trist og verdig»-tilnærmingen. Særlig første akt er enormt fornøyelig. Men i andre akt, kanskje som et nikk til de ulike teaterformene som er viktige for hovedkarakterene, må realismen vike for sprikende stiler: oppstalling, avantgarde og melodrama. Ingenting blir tydeligere eller bedre av disse merkelige valgene, som til slutt tar oppmerksomheten bort fra både Betts' arbeid og Tsjekhov.

Likevel er ikke alle regivalgene hule. Bruken av forhåndsinnspilte stemmer for å representere karakterenes indre følelser er overraskende effektiv. Det er en spenstig energi over tempoet og skuespillet som gjør det lett å forstå og følge karakterenes sinnsstemninger. Den grunnleggende tilnærmingen er preget av en presis kortfattethet, slik at når pausene og de nølende partiene kommer, er de særlig slående. Dunster kaster lys inn i de mørke rommene Tsjekhov og Betts vever inn i fortellingen: På mange måter er dette den klareste fremstillingen av denne historien på mange år.

Karakterenes egoisme og selvsentrerthet blir vakkert formidlet. Mye av dialogen snakkes over andres replikker, noe som viser talerens manglende omsorg for personen som blir avbrutt. Den gnisne fortroligheten i langvarige bekjentskaper er kløktig skildret, det samme er den smertefulle, ugjengjeldte kjærligheten hos så mange av karakterene. Heftig vanvidd, vill lidenskap, stille anger og dempet lengsel – Dunsters regi risser nøyaktig ut den ulike smerten de forskjellige karakterene opplever.

For det meste er castingen utmerket, og dette bidrar også til stykkets slagkraft, umiddelbarhet – og humor.

Simon elsker Masja, som hater Simon, men elsker Konstantin. Konstantin forguder Nina og legger ikke merke til Masja; Nina elsker Konstantin en kort stund, men faller pladask for den eldre Boris, som er elskeren til Irina, Konstantins mor. Dr. Dorn elsker også Irina, og han er elsket av Paulina, som er gift med Ilia (de er Masjas foreldre). Peter eier godset der Masja og foreldrene hennes bor (Ilia er forvalter), og det er andre tjenere der – Jakov og Natasja. Når stykket begynner, forbereder Konstantin debuten av et av sine egne stykker, med Nina i hovedrollen, som skal fremføres på godsets grunn for den samlede gruppen av ulykkelig forelskede mennesker.

Colin Hoult er fremragende som Simon, læreren som forguder Masja, men som ustanselig snakker om sin mangel på penger. Hoult er komisk perfeksjon og bringer en nøyaktig kombinasjon av mas, bøllete oppførsel og naivitet til rollen. Hans sosiale klønethet er herlig, og det er umulig å ikke føle sympati med ham.

Som Masja er Lisa Deveney fantastisk: skarp, intelligent, evig sørgende, defensiv og desperat. Lengselen hennes etter Konstantin er til å ta og føle på, og hun lar frustrasjonene gå ut over Simon på uvennlig, men komisk effektivt vis. Deveney har en fascinerende hes kvalitet i stemmen som hun bruker godt, enten det er til raseri eller frustrasjon. Hun og Hoult utgjør en storslått kombinasjon.

Janie Dee er helt på hjemmebane som den falmende superstjernen og skuespillerinnen, og hun gjør Irina fullstendig ufordragelig og elskverdig på én gang. Scenen der hun sammenligner sin egen livsinnstilling med Masjas er ren komisk lykke, og Dee får den til å gnistre. Senere er det en nesten uutholdelig vakker scene med sønnen hun har et anstrengt forhold til, der hun veksler mellom å være en omsorgsfull mor som bandasjerer et sår, til en kjedet og irritert primadonna på et blunk. Dee er en strålende skuespillerinne, og arbeidet hennes her er utsøkt.

Fordi Dee er så sterk og livlig som Irina, fungerer Matthew Tennysons bleke, veike, men strålende begavede Konstantin perfekt mot henne. Han er absolutt sin mors barn, og Tennyson er dyktig til å vise dette. Men han er hjemsøkt av utilstrekkelighet og sitt begjær etter Nina, og Tennyson viser dette tydelig – han er dessuten morsom. Hans innsats i scenen der han setter opp stykket sitt er hylende festlig.

Ian Redford er storslått som Peter Sorin; gretten, stridslysten, målbevisst trist og overveldet av redselen over et liv som ikke ble levd. Han bringer en slags galle-preget glans til hver bevegelse. Danny Webbs Dr. Dorn er like god – en klok, ensom mann med en hemmelig fortid. Han bringer et åpent sinn til de fastlåste standpunktene om teater og kunst, og er dermed en reell alliert for den plagede Konstantin. Webb klarer å formidle både en naturlig vennlighet og en dyp tristhet på samme tid. Hans siste ord var svært kraftfulle.

Det eneste alvorlige feilskjæret ligger i den sentrale rollen som Boris Trigorin, den etablerte forfatteren som knuser hjertene til både Irina og Konstantin gjennom sin affære med Nina. Alex Robertson virket som om han befant seg i et helt annet stykke – kanskje var dette et bevisst regivalg, ettersom Boris er den virkelige outsideren på godset. Men likevel er Boris' bidrag til stykket kritisk – dette var rollen Stanislavskij selv spilte, og den regnes ofte som en av de største mannsrollene Tsjekhov skrev. Men ikke her. Det er ingen følelse av maskulin kraft eller intelligens i portretteringen, og det er umulig å forstå hvorfor rollen spilles slik den blir gjort.

Både Sabrina Bartletts Nina og Dees Irina lider under Robertsons eksentriske tolkning, Bartlett mer enn Dee. Nina blir definert av sin berusende beundring for Boris, og uten et sterkt anker fra ham, blir hun stående og kave litt. Men Bartlett gjør sitt beste, og scenene hennes med Tennyson er utmerkede. Stemmen hennes blir litt for skjærende litt for ofte, men hun har et søtt og engasjerende nærvær. Konstantins begjær for henne er aldri uforståelig.

Resten av ensemblet er alle svært dyktige, selv om Fraser James' Ilia utfordrer tålmodigheten litt med «ler-av-sine-egne-vitser»-trekket sitt.

Jon Bausors scenografi er bemerkelsesverdig. Følelsen av godset og innsjøen er vakkert formidlet og ser utrolig ekte ut, godt hjulpet av omgivelsene i Regent's Park. Det er hager og trær, og plenen fungerer godt både på bakken og i refleksjonen fra kjempespeilet. Når scenene utspiller seg innendørs, fjernes gresset og flott parkett kommer til syne, noe som skaper en tydelig effekt av middelklasseverdier. Bortsett fra øyeblikket der det blir et lysfyr, er speilet et smart funn. Refleksjoner er viktige i stykket, og speilet symboliserer dette, samtidig som det tillater interessante perspektiver på handlingen.

Det er mye å beundre og la seg blende av i denne smarte og intelligente oppsetningen. Men Dunster blir litt for lur mot slutten av stykket, og spesielt den siste scenen er dårlig håndtert – altfor melodramatisk til å være så smertefull og trist som den burde være. Likevel er dette en versjon av Måken som bør nytes.

MÅKEN SPILLES FREM TIL 11. JULI 2015 PÅ REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE