RECENSION: Måsen (The Seagull), Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

Måsen

Regent's Park Open Air Theatre

24 juni 2015

4 stjärnor

Boka biljetter

Året var 1895 när Anton Tjechovs Måsen gjorde sin förtroendefattiga debut. Den ansågs vara ett misslyckande vid urpremiären, men dess öde vände totalt när Stanislavskij och Nemirovitj-Dantjenko inledde Konstnärliga teaterns säsong i Moskva med en nyuppsättning av pjäsen.

För att fira pjäsens 120-årsjubileum fick Torben Betts i uppdrag av Regent's Park Open Air Theatre att skriva en ny version av Tjechovs första succé och en av hans "fyra stora" (tillsammans med Onkel Vanja, Tre systrar och Körsbärsträdgården). Matthew Dunsters iscensättning av denna bearbetning spelas nu, och det finns förmodligen en sak som alla kan enas om: ingen har någonsin sett en uppsättning av Måsen som liknar denna.

I programbladet säger Cynthia Marsh, professor emerita i rysk dramatik, följande om originalet:

"Det är en kritisk och frågvis blick på den demimonde som omger författare, teater och skådespelerskor, och den hjärtesorg och tragedi som ofta finns där. Framför allt väcks ett frågetecken kring vad de alla håller på med: vad är konst? vad är teater? och en outtalad men inte helt utvecklad, mycket större fråga: vad är livet?... Hans djupa förståelse för teaterns mekanismer och hans förkastande av den melodramatiska stil som då fortfarande var så populär... fick honom att klä av de anspråk på realism som teatern börjat anta. Pjäsen är djupt förankrad i den samtida debatten om konstens mål i allmänhet och teaterns i synnerhet."

Betts bearbetning (omtolkning är kanske ett mer rättvisande ord) försöker sannerligen framkalla samma effekt som Tjechov måste ha haft på sin ursprungliga publik. Det finns en robust modernitet i språket som gör situationerna och karaktärerna omedelbart begripliga, relaterbara och igenkännbara. Detta sker på bekostnad av den lyrik som Tjechov skrev, men i slutändan är den tydliga förståelsen värd det. För vissa kommer texten utan tvekan att kännas för grov, för vulgär – men den destillerar kärnan i Tjechovs intention på ett sammanhängande och påtagligt sätt.

Dunsters regi tenderar dock att något grumla Betts skicklighet. Det är på intet sätt ödesdigert, men det finns märkliga stilistiska val som framstår som bisarra: varje scen punkteras av ett extremt högt, förstärkt ljud (som kan vara det uppförstörda ljudet av en revolver som spänns – om någon vet, berätta gärna) som skär sig och skapar obehag; scenografin domineras av en vinklad spegel som sent i andra akten förvandlas till en stark strålkastare som krossar den realism som skapats genom iscensättning och skådespeleri; sjön, som är så närvarande i Tjechovs vision, blir konkret när tjänstefolket i första akten simmar i den, nakna och trotsiga, och i andra akten blir den en tillagd och onödig referens till Hamlet.

Ännu mer påtaglig, och med större konsekvenser, är Dunsters egenartade blandning av stilar. Lyckligtvis är hans övergripande anslag komiskt; helt korrekt undviker han det tröttsamma greppet att göra Tjechov tungfotad och högtidlig. Särskilt den första akten är enormt underhållande. Men i andra akten, kanske som en blinkning till de olika teaterformer som är viktiga för huvudkaraktärerna, får realismen ge vika för spretiga stilar: tablåer, avantgarde och melodrama. Ingenting blir tydligare eller bättre av dessa märkliga beslut, som i slutändan förtar upplevelsen av både Betts och Tjechovs arbete.

Trots detta känns inte alla regival ihåliga. Användningen av förinspelade röster som representation för karaktärernas inre tankar är överraskande effektiv. Det finns en pigg energi i tempot och prestationerna som gör karaktärernas känsloläge lätt att förstå och följa. En kärnfull korthet är det grundläggande anslaget, vilket gör att när pauserna och de tvekande passagerna väl kommer, blir de särskilt slående. Dunster kastar ljus in i de mörka vrår som Tjechov och Betts väver in i berättelsen: på många sätt är detta den tydligaste versionen av den här historien på många år.

Karaktärernas själviskhet och självupptagenhet förmedlas vackert. Mycket av dialogen sägs rakt över andras repliker, vilket visar på talarens bristande intresse för den person som blir avbruten. Den gnabbiga förtroligheten i långvariga bekantskaper skildras skickligt, liksom den smärtsamma obesvarade kärleken hos så många av karaktärerna. Eldigt raseri, galen passion, tyst ånger och dämpad längtan – Dunsters regi etsar noggrant fram de olika former av smärta som karaktärerna upplever.

Rollbesättningen är för det mesta utmärkt, vilket också bidrar till pjäsens genomslagskraft och omedelbarhet – och humorn.

Simon älskar Masja, som hatar Simon men älskar Konstantin. Konstantin avgudar Nina och märker inte ens Masja; Nina älskar kortvarigt Konstantin men faller pladask för den äldre Boris, som är älskare till Irina, Konstantins mamma. Doktor Dorn älskar också Irina och är i sin tur älskad av Paulina, som är gift med Ilia (de är Masjas föräldrar). Peter äger godset där Masja och hennes föräldrar bor (Ilia är förvaltare) och där finns även andra tjänare – Jakov och Natasja. När pjäsen börjar förbereder Konstantin premiären av en av sina pjäser, med Nina i huvudrollen, som ska spelas utomhus för den samlade gruppen av omaka och olyckligt kära själar.

Colin Hoult är enastående bra som Simon, läraren som avgudar Masja men som oavbrutet pratar om sin brist på pengar. Hoult är komisk perfektion och ger en exakt kombination av petighet, klumpighet och naivitet i sitt framförande. Hans sociala tafatthet är ljuvlig och det är omöjligt att inte känna sympati för honom.

Som Masja är Lisa Deveney underbar: bitter, intelligent, ständigt sörjande, defensiv och desperat. Hennes längtan efter Konstantin är påtaglig, och hon låter sina frustrationer gå ut över Simon på ett elakt men komiskt effektivt sätt. Deveney har en fascinerande hes kvalitet i rösten som hon använder skickligt, oavsett om det gäller raserieutbrott eller frustration. Hon och Hoult utgör en magnifik kombination.

Janie Dee är helt i sitt essä som den falnande superstjärnan till skådespelerska, och hon gör Irina fullständigt outhärdlig och bedårande på samma gång. Scenen där hon jämför sin inställning till livet med Masjas är ren komisk lycka, och Dee får den att lyfta. Senare finns en nästan outhärdligt vacker scen med hennes son, där hon pendlar mellan den ömsinta, omplåstrande modern till den uttråkade, irriterade primadonnan på ett ögonblick. Dee är en virtuos skådespelerska och hennes insats här är utsökt.

Eftersom Dee är så stark och färgstark som Irina, fungerar Matthew Tennysons bleka, veke men strålande begåvade Konstantin perfekt som motvikt. Han är verkligen sin mors barn och Tennyson är skicklig på att visa detta. Men han hemsöks av otillräcklighet och sin åtrå till Nina, vilket Tennyson också gestaltar tydligt – han är dessutom rolig. Hans agerande i scenen där han sätter upp sin pjäs är dråpligt.

Ian Redford är magnifik som Peter Sorin; tvär, stridslysten, envist sorgsen och fylld av fasan över ett ogjort liv. Han för med sig en sorts bitter prakt i varje rörelse. Danny Webbs doktor Dorn är minst lika bra – en klok, ensam man med ett hemligt förflutet. Han tillför en öppenhet till de låsta positionerna kring teater och konst, och blir därmed en verklig allierad för den plågade Konstantin. Webb lyckas förmedla en lättsam vänlighet och en djup sorg på samma gång. Hans sista repliker var mycket kraftfulla.

Det enda allvarliga snedsteget ligger i den centrala rollen som Boris Trigorin, den etablerade författaren som krossar både Irinas och Konstantins hopp genom sin affär med Nina. Alex Robertson verkade befinna sig i en helt annan pjäs – kanske var detta ett medvetet regival, eftersom Boris är den verkliga utomstående på godset. Men oavsett detta är Boris bidrag till verket avgörande – detta var rollen som Stanislavskij själv tog sig an, och den anses ofta vara en av de främsta mansrollerna Tjechov skrev. Men inte här. Det finns ingen känsla av maskulin makt eller intelligens i rolltolkningen, och det är omöjligt att förstå varför rollen spelas på det sättet.

Både Sabrina Bartletts Nina och Dees Irina blir lidande av Robertsons excentriska tolkning, Bartlett mer än Dee. Nina definieras av sin berusande beundran för Boris, och utan en stark motvikt från honom lämnas hon lite vind för våg. Men Bartlett gör sitt bästa, och hennes scener med Tennyson är utmärkta. Hennes röst blir lite väl gäll för ofta, men hon har en charmig närvaro. Konstantins trånad efter henne känns aldrig obegriplig.

Resten av ensemblen är mycket kompetent, även om Fraser James i rollen som Ilia blir lite tjatig med sitt manér att skratta åt sina egna skämt.

Jon Bausors scenografi är anmärkningsvärd. Känslan av godset och sjön förmedlas vackert och ser otroligt verkligt ut, mycket tack vare miljön i Regent's Park. Här finns trädgårdar och träd, och gräsmattan fungerar effektivt både på marken och i speglingen i den gigantiska spegeln. När inomhuscenerna tar vid tas gräset bort och en ståtlig parkett dyker upp, vilket renodlar intrycket av borgerlig finess. Bortsett från ögonblicket då den förvandlas till en ljuskanon är spegeln ett smart grepp. Speglingar är viktiga i pjäsen och spegeln symboliserar detta, samtidigt som den bjuder på intressanta perspektiv på händelseförloppet.

Det finns mycket att beundra och bländas av i denna smarta och intelligenta uppsättning. Men Dunster blir lite väl klurig mot slutet av pjäsen, och särskilt slutscenen är bristfälligt hanterad – den blir alldeles för melodramatisk för att vara så smärtsam och sorglig som den borde vara. Men trots detta är detta en version av Måsen som bör upplevas.

MÅSEN SPELAS TILL OCH MED DEN 11 JULI 2015 PÅ REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE