RECENSIE: The Seagull, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

The Seagull

Regent's Park Open Air Theatre

24 juni 2015

4 Sterren

Boek Tickets

Het was 1895 toen Anton Tsjechovs De Meeuw zijn onfortuinlijke debuut beleefde. De eerste opvoering werd als een mislukking beschouwd, maar het tij keerde toen Stanislavski en Nemirovitsj-Dansjenko het seizoen van het Moskous Kunsttheater openden met een herneming van het stuk.

Ter gelegenheid van het 120-jarig jubileum van het stuk kreeg Torben Betts van het Regent's Park Open Air Theatre de opdracht om een nieuwe bewerking te schrijven van Tsjechovs eerste succes en een van zijn 'grote vier' (naast Oom Vanja, Drie Zusters en De Kersentuin). De productie van Matthew Dunster naar die bewerking is nu te zien, en over één ding zal iedereen het waarschijnlijk eens zijn: niemand heeft ooit een uitvoering van De Meeuw gezien die hierop lijkt.

In het programmaboekje zegt emeritus hoogleraar Russisch drama Cynthia Marsh over het origineel:

"Het is een kritische en vragende blik op de demi-monde rond schrijvers, het theater en actrices, en de hartenpijn en tragiek die daar vaak voelbaar zijn. Bovenal wordt er een vraagteken geplaatst bij waar ze allemaal mee bezig zijn: wat is kunst? wat is theater? en een impliciete, maar niet volledig uitgewerkte, veel grotere vraag: wat is het leven?... Zijn intieme begrip van de mechanismen van het theater, zijn afwijzing van de nog zo populaire melodramatische stijl... brachten hem ertoe de pretenties van realisme die het theater was gaan aanhangen, te ontleden. Het stuk is doordrenkt van het toenmalige debat over de doelen van kunst in het algemeen en theater in het bijzonder."

De bewerking van Betts (een herverbeelding is misschien nauwkeuriger) probeert zeker hetzelfde effect op te roepen als Tsjechov bij zijn oorspronkelijke publiek moet hebben gehad. De taal heeft een robuuste moderniteit die de situaties en personages direct begrijpelijk, invoelbaar en herkenbaar maakt. Dit gaat wel ten koste van de lyriek die Tsjechov schreef, maar uiteindelijk is de helderheid van het begrip die prijs waard. Voor sommigen zal de tekst ongetwijfeld te grof of te vulgair zijn – maar het distilleert de essentie van Tsjechovs bedoeling op een coherente en tastbare manier.

Regisseur Dunster vertroebelt met zijn visie echter een beetje het vakmanschap van Betts. Het is zeker niet fataal, maar er zijn vreemde stilistische keuzes die bizar overkomen: elke scène wordt onderbroken door een extreem hard, uitvergroot geluid (wat wel of niet het versterkte geluid van een spannende revolverhaan kan zijn – als iemand het weet, vertel het me alstublieft) dat schuurt en onrust zaait; het decor wordt gedomineerd door een schuine spiegel die laat in de tweede akte een vreemd fel baken wordt, wat het realisme van de enscenering en het acteerwerk verstoort; het meer, zo nadrukkelijk aanwezig in Tsjechovs visie, wordt tastbaar en in de eerste akte zwemmen de bedienden er naakt en uitdagend in, terwijl het in de tweede akte een ingevoegde, overbodige verwijzing naar Hamlet wordt.

Belangrijker nog is Dunsters eigenzinnige versmelting van stijlen. Gelukkig is zijn algemene benadering komisch; terecht vermijdt hij die vermoeiende insteek van "Tsjechov is somber en loodzwaar". Vooral de eerste akte is zeer genietbaar. Maar in de tweede akte maakt het realisme – wellicht als knipoog naar de verschillende theatervormen die belangrijk zijn voor de hoofdpersonages – plaats voor uiteenlopende stijlen: ceremonie, avant-garde en melodrama. Niets wordt duidelijker of beter door deze vreemde beslissingen, die uiteindelijk afbreuk doen aan zowel het werk van Betts als dat van Tsjechov.

Toch slaan niet alle regiekeuzes de plank mis. Het gebruik van stemopnames als weergave van de innerlijke gevoelswereld van de personages is verrassend effectief. Er zit een kwieke energie in het tempo en het spel, waardoor de gemoedstoestand van de personages makkelijk te volgen is. Een kernachtige kortheid voert de boventoon, waardoor de pauzes en aarzelende momenten die vallen, extra indruk maken. Dunster werpt licht op de donkere hoeken die Tsjechov en Betts in het verhaal weven: in veel opzichten is dit de helderste vertelling van dit stuk in jaren.

De zelfzuchtigheid en egocentrisme van de personages worden prachtig overgebracht. Veel van de dialoog wordt door die van anderen heen gesproken, wat aantoont hoe weinig de spreker geeft om de persoon tegen wie hij praat. De stekelige vertrouwdheid van jarenlange banden is knap neergezet, evenals de pijnlijke onbeantwoorde liefde van zo veel personages. Vurige razernij, waanzinnige passie, stil berouw en ingehouden verlangen – Dunsters regie schetst zorgvuldig de verschillende soorten pijn die elk personage ervaart.

De casting is voor het grootste deel uitstekend, en dit draagt bij aan de kracht en directheid van het stuk – en aan de humor.

Simon houdt van Masha, die Simon haat maar van Konstantin houdt. Konstantin aanbidt Nina en ziet Masha niet staan; Nina houdt even van Konstantin maar valt als een blok voor de oudere Boris, de minnaar van Irina, de moeder van Konstantin. Dr. Dorn houdt ook van Irina en hij wordt bemind door Paulina, die getrouwd is met Ilia (de ouders van Masha). Peter is de eigenaar van het landgoed waar Masha en haar ouders wonen (Ilia is de beheerder) en er zijn andere bedienden – Yakov en Natasha. Als het stuk begint, bereidt Konstantin het debuut van een van zijn stukken voor, met Nina in de hoofdrol, dat op het landgoed zal worden opgevoerd voor de verzamelde groep onthechte minnaars.

Colin Hoult is uitmuntend als Simon, de leraar die Masha aanbidt maar eindeloos klaagt over zijn geldgebrek. Hoult is komische perfectie en brengt een exacte mix van bemoeizucht, lompheid en naïviteit in zijn spel. Zijn sociale ongemakkelijkheid is heerlijk en het is onmogelijk om geen medelijden met hem te hebben.

Als Masha is Lisa Deveney fantastisch: scherp, intelligent, eeuwig in de rouw, defensief en wanhopig. Haar verlangen naar Konstantin is voelbaar, en ze reageert haar frustraties op onaardige maar komische wijze af op Simon. Deveney heeft een fascinerende rauwe kwaliteit in haar stem die ze goed gebruikt voor zowel woede als frustratie. Zij en Hoult vormen een schitterende combinatie.

Janie Dee voelt zich volledig thuis als de over haar hoogtepunt heen zijnde steractrice, en ze maakt Irina tegelijkertijd onuitstaanbaar en vertederend. De scène waarin ze haar levensinstelling vergelijkt met die van Masha is pure komische verrukking. Later volgt een bijna ondraaglijk mooie scène met haar vervreemde zoon, waarin ze in een hartslag wisselt van een zorgzame, wond-verbindende moeder naar een verveelde, geïrriteerde prima donna. Dee is een vakvrouw en haar werk hier is werkelijk voortreffelijk.

Omdat Dee zo sterk en levendig is als Irina, werkt Matthew Tennysons bleke, fragiele maar schitterend heldere Konstantin perfect tegenover haar. Hij is onmiskenbaar het kind van zijn moeder en Tennyson laat dit trefzeker zien. Maar hij wordt geteisterd door minderwaardigheidsgevoelens en zijn verlangen naar Nina, wat Tennyson ook helder neerzet – hij is ook nog eens erg grappig. Zijn spel in de scène waarin hij zijn toneelstuk opvoert, is hilarisch.

Ian Redford is groots als Peter Sorin; nors, strijdvaardig, vastbesloten triest en overspoeld door de verschrikking van een ongeleefd leven. Hij brengt een nukkige glans aan in elke beweging. Danny Webbs Dr. Dorn is even goed – een wijze, eenzame man met een geheim verleden. Hij brengt een open blik in de vastgeroeste standpunten over theater en kunst, waardoor hij een echte bondgenoot is voor de getroebleerde Konstantin. Webb slaat een toon aan van gemoedelijke vriendelijkheid en diepe droefheid tegelijk. Zijn laatste woorden maakten veel indruk.

De enige grote misstap ligt bij de cruciale rol van Boris Trigorin, de gevierde schrijver die de dromen van zowel Irina als Konstantin verbrijzelt door zijn affaire met Nina. Alex Robertson leek in een heel ander stuk te spelen – misschien was dit een bewuste regiekeuze, aangezien Boris de werkelijke buitenstaander is op het landgoed. Maar toch is de bijdrage van Boris essentieel – dit was de rol die Stanislavski vertolkte en wordt vaak beschouwd als een van de beste mannenrollen die Tsjechov schreef. Hier echter niet. Er is geen sprake van mannelijke kracht of intelligentie in deze vertolking en het is onbegrijpelijk waarom de rol op deze manier wordt neergezet.

Zowel de Nina van Sabrina Bartlett als de Irina van Dee lijden onder Robertsons excentrieke vertolking, Bartlett meer dan Dee. Nina wordt gedefinieerd door haar bedwelmende aanbidding voor Boris en zonder een sterk anker van zijn kant blijft zij een beetje spartelen. Toch doet Bartlett haar best en haar scènes met Tennyson zijn uitstekend. Haar stem is iets te vaak te schel, maar ze heeft een charmante aanwezigheid. Konstantins hunkering naar haar blijft altijd geloofwaardig.

De rest van de cast is zeer bekwaam, hoewel Fraser James als Ilia iets te veel op de lachspieren probeert te werken met zijn 'lachen-om-eigen-grappen'.

Het decor van Jon Bausor is opmerkelijk. De sfeer van het landgoed en het meer is prachtig getroffen en ziet er ongelooflijk echt uit, mede dankzij de setting in Regent's Park. Er zijn tuinen en bomen, en het gazon oogt effectief, zowel op de grond als in de reflectie van de enorme spiegel. Wanneer de scènes zich binnen afspelen, wordt het gras verwijderd en verschijnt er prachtig parket, wat feilloos de sfeer van burgerlijke fatsoen oproept. Afgezien van het moment dat het een lichtbaken wordt, is de spiegel een slimme vondst. Reflecties zijn belangrijk in het stuk en de spiegel symboliseert dat, terwijl het ook interessante perspectieven op de actie biedt.

Er valt veel te bewonderen in deze slimme en intelligente productie. Maar Dunster wordt tegen het einde iets te gezocht, en vooral de slotscène is matig aangepakt; veel te melodramatisch om zo pijnlijk en droevig te zijn als de bedoeling is. Desalniettemin is dit een versie van De Meeuw om van te genieten.

THE SEAGULL SPEELT TOT 11 JULI 2015 IN HET REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE