CRITIQUE : La Mouette, Théâtre en Plein Air de Regent's Park ✭✭✭✭

La Mouette

Regent's Park Open Air Theatre

24 juin 2015

4 Étoiles

Réserver des Billets

C'était en 1895 quand La Mouette d'Anton Tchekhov a fait ses débuts peu glorieux. La pièce fut considérée comme un échec lors de sa première, mais son destin a été transformé lorsque Stanislavski et Nemirovitch-Dantchenko ont ouvert la saison du Théâtre d'Art de Moscou avec une reprise de la pièce.

Pour célébrer le 120e anniversaire de la pièce, Torben Betts a été chargé par Regent's Park Open Air Theatre d'écrire une nouvelle version du premier succès de Tchekhov et l'un de ses quatre 'grands' (les autres étant Oncle Vania, Les Trois Sœurs et Le Verger). La production de cette adaptation par Matthew Dunster est maintenant à l'affiche et il est probable qu'il y ait une chose sur laquelle tout le monde pourra s'accorder : personne n'a jamais vu une production de La Mouette comme celle-ci.

Dans le programme, le Professeur émérite de drame russe Cynthia Marsh dit de l'original :

"C'est une vue critique et curieuse de ce demi-monde autour des écrivains, du théâtre et des actrices, le chagrin d'amour et le drame souvent ressentis là-bas. Avant tout, une question est soulevée : qu'est-ce que l'art ? qu'est-ce que le théâtre ? et une question beaucoup plus grande implicite mais non entièrement développée, qu'est-ce que la vie ?...Sa compréhension intime des mécanismes du théâtre, son rejet du style mélodramatique encore si populaire...l'a amené à démonter les prétentions au réalisme que le théâtre avait commencé à adopter. La pièce est plongée dans le débat contemporain sur les objectifs de l'art en général et du théâtre en particulier."

L'adaptation de Betts (ré-imagination est peut-être plus exact) cherche certainement à évoquer le même effet que Tchekhov devait avoir sur son public d'origine. Il y a une modernité robuste dans le langage qui rend les situations et les personnages immédiatement compréhensibles, identifiables et reconnaissables. Cela a un véritable coût pour le lyrisme qu'a écrit Tchekhov, mais, à la fin, la clarté de la compréhension en vaut la peine. Pour certains, sans doute, le texte sera trop cru, trop vulgaire - mais il distille l'essence de l'intention de Tchekhov d'une manière cohérente et tangible.

Cependant, la vision de la mise en scène de Dunster obscurcit quelque peu le talent de Betts. Ce n'est pas fatal, de toute façon, mais il y a des choix stylistiques étranges qui sont bizarres : chaque scène est ponctuée d'un bruit extrêmement fort et amplifié (qui peut ou peut ne pas être le son amplifié d'un revolver que l'on arme - si quelqu'un sait, s'il vous plaît, dites-le-nous) qui choque et gêne ; le décor est dominé par un miroir incliné qui, tard dans le deuxième acte, devient un étrange phare de lumière vive, brisant le réalisme obtenu par la mise en scène et le jeu ; le lac, bien présent dans la vision de Tchekhov, devient tangible et, dans le premier acte, les domestiques s'y baignent nus et défiants, et dans le deuxième acte, il devient une référence supplémentaire et inutile à Hamlet.

Plus que cela, et ayant plus de conséquences, c'est la fusion idiosyncratique des styles par Dunster. Heureusement, son approche globale est comique ; à juste titre, il rejette cette approche fatigante de "Tchekhov est morne et digne". Le premier acte, en particulier, est extrêmement agréable. Mais dans le deuxième acte, peut-être comme un clin d'œil aux formes de théâtre différentes qui sont importantes pour les personnages centraux, le réalisme cède la place à des styles disparates : la pageantry, l'avant-garde et le mélodramatique. Rien n'est rendu plus clair ou meilleur par ces décisions étranges, qui, au final, nuisent autant à l'œuvre de Betts que de Tchekhov.

Cependant, toutes les décisions de mise en scène ne sonnent pas creux. L'utilisation de voix enregistrées pour représenter les sentiments intérieurs des personnages est étonnamment efficace. Il y a une énergie vive en ce qui concerne le rythme et les performances qui rendent les sens et l'humeur des personnages faciles à comprendre et à suivre. La brièveté précise est l'approche fondamentale, de sorte que quand les pauses et les passages saccadés arrivent, ils sont particulièrement frappants. Dunster fait la lumière dans les espaces sombres que Tchekhov et Betts tissent dans le récit : de nombreuses façons, ceci est la version la plus claire de cette histoire depuis bien longtemps.

L'égoïsme et l'égocentrisme des personnages sont magnifiquement représentés. Une grande partie du dialogue est prononcée par-dessus les répliques des autres, démontrant l'absence de soin ou de souci de l'orateur pour la personne ou les personnes interrompues. La familiarité piquante des longues associations est habilement représentée, de même que l'amour non partagé et douloureux de tant de personnages. Frénésie ardente, passion folle, regret silencieux et désir inassouvi - la mise en scène de Dunster ébauche soigneusement les différentes douleurs ressenties par les différents personnages.

Pour la plupart, la distribution est excellente et cela aussi aide à l'efficacité et à l'immédiateté de la pièce - et de son humour.

Simon aime Macha qui déteste Simon mais adore Konstantin. Konstantin adore Nina et ne remarque pas Macha ; Nina aime brièvement Konstantin mais tombe éperdument pour le plus âgé Boris, qui est l'amant d'Irina, la mère de Konstantin. Le Dr Dorn aime également Irina et il est aimé par Paulina, mariée à Ilia (ils sont les parents de Macha). Peter possède le domaine où vivent Macha et ses parents (Ilia est le gestionnaire de la ferme) et il y a d'autres domestiques là-bas - Yakov et Natasha. Quand la pièce commence, Konstantin prépare la première représentation de l'une de ses pièces, qui mettra en vedette Nina, et qui sera jouée sur les terrains du domaine pour le groupe assemblé d'amants non partagés dépareillés.

Colin Hoult est exceptionnellement bon en tant que Simon, le professeur qui adore Macha mais qui discute sans fin de son manque d'argent. Hoult est la perfection comique, apportant une combinaison exacte de manie, lourdeur et naïveté à sa performance. Son malaise social est délicieux et il est impossible de ne pas ressentir de la sympathie pour lui.

En tant que Macha, Lisa Deveney est merveilleuse : acerbe, intelligente, éternellement en deuil, défensive et désespérée. Son désir pour Konstantin est tangible, et elle exprime ses frustrations sur Simon, méchamment, mais avec un bon effet comique. Deveney a une qualité fascinante dans sa voix rauque, et elle peut l'utiliser à bon escient, que ce soit pour la rage ou la frustration. Elle et Hoult forment une combinaison magnifique.

Janie Dee est complètement dans son élément en tant qu'actrice superstar déclinante, et elle rend Irina tout à fait insupportable et adorable tout à la fois. La scène où elle compare son attitude envers la vie à celle de Macha est de la pure joie comique, et Dee la fait s'envoler. Plus tard, il y a une scène presque insupportablement belle avec son fils éloigné, où elle passe de la mère attentionnée et caressante, bandant une blessure, à la prima Donna ennuyée en un clin d'œil. Dee est une fine actrice et son travail ici est tout à fait exquis.

Parce que Dee est si forte et dynamique en tant qu'Irina, le Konstantin pâle et efféminé mais merveilleusement vif de Matthew Tennyson fonctionne parfaitement avec elle. Il est absolument l'enfant de sa mère et Tennyson est habile à le montrer. Mais il est hanté par l'inadéquation et son désir pour Nina, et Tennyson montre cela aussi clairement - il est aussi drôle. Son travail dans la scène où il met en scène sa pièce est hilarant.

Ian Redford est magnifique en tant que Peter Sorin ; grincheux, belliqueux, obstinément triste, noyé dans l'horreur d'une vie non vécue. Il apporte une splendeur dyspeptique à chacun de ses mouvements. Le Dr Dorn de Danny Webb est tout aussi bon - un homme sage, solitaire avec un passé secret. Il apporte une ouverture d'esprit face aux positions figées sur le théâtre et l'art, ce qui en fait un véritable allié pour le tourmenté Konstantin. Webb parvient à gérer simultanément une affabilité facile et une profonde tristesse. Ses derniers mots étaient très puissants.

Le seul véritable faux pas réside dans le rôle central de Boris Trigorin, l'écrivain établi qui brise les esprits d'Irina et de Konstantin par sa liaison avec Nina. Alex Robertson semble être dans une pièce complètement différente - peut-être s'agissait-il d'une décision de mise en scène délibérée, car Boris est le véritable outsider du domaine et du lac. Mais, même ainsi, la contribution de Boris à la pièce est cruciale - c'était le rôle que Stanislavski a occupé, et est souvent considéré comme l'un des plus grands rôles masculins que Tchekhov ait écrit. Mais pas ici. Il n'y a aucun sens de pouvoir masculin et d'intelligence dans l'interprétation, et il est impossible de comprendre pourquoi le rôle est joué de cette manière.

Les Ninas de Sabrina Bartlett et Irina de Dee souffrent à cause de la performance excentrique de Robertson, Bartlett davantage que Dee. Nina devient définie par son adoration enivrante pour Boris et sans une ancre solide de sa part, elle est quelque peu à la dérive. Mais Bartlett fait de son mieux, et ses scènes avec Tennyson sont excellentes. Sa voix est un peu trop aiguë trop souvent, mais elle a une présence douce et engageante. Le désir de Konstantin pour elle n'est jamais incompréhensible.

Le reste de la distribution est très compétent, bien que le Ilia de Fraser James use légèrement avec le trope du rire à ses propres blagues.

Le décor de Jon Bausor est remarquable. Le sens du domaine et du lac est magnifiquement rendu et semble incroyablement réel, aidé considérablement par le cadre du Regent's Park. Il y a des jardins et des arbres, et la pelouse semble efficace tant au sol que dans le reflet du miroir géant. Lorsque les scènes en intérieur se produisent, l'herbe est enlevée et un superbe parquet apparaît, créant proprement l'effet des sensibilités de la classe moyenne. À part le moment où il devient un phare de lumière, le miroir est un concept astucieux. Les réflexions sont importantes dans la pièce et le miroir symbolise cela, tout en permettant des perspectives intéressantes sur l'action.

Il y a beaucoup à admirer et à être ébloui dans cette production intelligente et astucieuse. Mais Dunster devient un peu trop astucieux vers la fin de la pièce et la scène finale, en particulier, est mal gérée, bien trop mélodramatique pour être aussi douloureuse et triste qu'elle devrait l'être. Néanmoins, c'est une version de La Mouette à savourer.

LA MOUETTE SE JOUE JUSQU'AU 11 JUILLET 2015 AU REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE