CRÍTICA: A Gaivota, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

A Gaivota

Regent's Park Open Air Theatre

24 de junho de 2015

4 estrelas

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Foi em 1895 que A Gaivota, de Anton Chekhov, fez a sua estreia pouco auspiciosa. Foi tida como um fracasso na primeira apresentação, mas a sua sorte mudou quando Stanislavski e Nemirovich-Danchenko abriram a temporada do Teatro de Arte de Moscovo com uma reposição da peça.

Para assinalar o 120.º aniversário da peça, o Regent's Park Open Air Theatre encomendou a Torben Betts uma nova versão do primeiro grande êxito de Chekhov e uma das suas “quatro grandes” (as outras são Tio Vânia, As Três Irmãs e O Pomar das Cerejeiras). A produção de Matthew Dunster dessa adaptação está agora em cena e há, muito provavelmente, uma coisa em que todos concordarão: ninguém alguma vez viu uma montagem de A Gaivota como esta.

No programa, a Professora Emérita de Drama Russo Cynthia Marsh diz, a propósito do original:

“É uma visão crítica e interrogativa daquele meio-mundo em torno de escritores, do teatro e das actrizes, das mágoas e tragédias tantas vezes ali sentidas. Acima de tudo, levanta-se um ponto de interrogação sobre o que todos eles estão a fazer: o que é a arte? o que é o teatro? e uma pergunta implícita, maior, embora não plenamente desenvolvida: o que é a vida?... A sua compreensão íntima dos mecanismos do teatro, o seu abandono do estilo melodramático ainda tão popular... levou-o a desmontar as pretensões de realismo que o teatro começara a apregoar. A peça está mergulhada no debate contemporâneo sobre os fins da arte em geral e do teatro em particular.”

A adaptação de Betts (talvez “reimaginação” seja mais exacto) procura, sem dúvida, provocar um efeito semelhante ao que Chekhov deve ter causado no público original. Há uma modernidade robusta na linguagem que torna as situações e as personagens imediatamente compreensíveis, próximas e reconhecíveis. Isto tem um custo real para o lirismo que Chekhov escreveu, mas, no fim, a clareza de leitura compensa. Para alguns, sem dúvida, o texto será demasiado áspero, demasiado vulgar — mas destila a essência da intenção de Chekhov de forma coerente e palpável.

A visão de encenação de Dunster, porém, obscurece um pouco a habilidade de Betts. Não é, de todo, fatal, mas há opções estilísticas estranhas e até bizarras: cada cena é pontuada por um som extremamente alto, ampliado (que pode ou não ser o som amplificado de um revólver a ser engatilhado — se alguém souber, por favor, diga) que incomoda e desassossega; o cenário é dominado por um espelho inclinado que, já perto do fim do segundo acto, se transforma num estranho farol de luz intensa, quebrando o sentido de realismo alcançado pela encenação e pela interpretação; o lago, tão presente na visão de Chekhov, torna-se tangível e, no primeiro acto, os criados nadam nele, nus e desafiadores, e no segundo acto passa a ser uma referência interpolada, adicional e desnecessária, a Hamlet.

Mais do que isso — e com maior impacto — é a fusão idiossincrática de estilos de Dunster. Felizmente, a sua abordagem geral é cómica; e, com razão, evita aquela cansativa ideia de que “Chekhov é deprimente e respeitável”. O primeiro acto, em particular, é extremamente prazeroso. Mas no segundo acto, talvez como aceno às diferentes formas de teatro importantes para as personagens centrais, o realismo dá lugar a estilos díspares: pompa, vanguarda e melodrama. Estas decisões estranhas não tornam nada mais claro nem melhor e, no fim, prejudicam tanto o trabalho de Betts como o de Chekhov.

Ainda assim, nem todas as opções de encenação soam vazias. O uso de locuções gravadas, como representação dos sentimentos interiores das personagens, é surpreendentemente eficaz. Há uma energia viva no ritmo e nas interpretações que torna fácil compreender e seguir o sentido e o estado de espírito das personagens. A concisão incisiva é a abordagem fundamental, de modo que, quando chegam as pausas e as passagens hesitantes, elas tornam-se particularmente marcantes. Dunster lança luz sobre os espaços escuros que Chekhov e Betts entretecem na narrativa: em muitos aspectos, esta é a leitura mais clara desta história em muitos anos.

O egoísmo e o egocentrismo das personagens são transmitidos de forma belíssima. Grande parte do diálogo é dita por cima das falas dos outros, demonstrando a falta de cuidado ou de interesse do orador pela pessoa (ou pessoas) que está a interromper. A familiaridade espinhosa de relações de longa data é habilmente sugerida, tal como o doloroso amor não correspondido de tantas personagens. Frenesim ardente, paixão desvairada, arrependimento silencioso e desejo contido — a encenação de Dunster grava cuidadosamente as diferentes dores sentidas por diferentes personagens.

Na sua maioria, o elenco é excelente e isso também ajuda a eficácia e a imediaticidade do espectáculo — e o humor.

Simon ama Masha, que odeia Simon mas ama Konstantin. Konstantin adora Nina e não repara em Masha; Nina ama Konstantin por pouco tempo, mas apaixona-se perdidamente pelo mais velho Boris, que é amante de Irina, mãe de Konstantin. O Dr. Dorn também ama Irina e é amado por Paulina, que é casada com Ilia (são os pais de Masha). Peter é dono da propriedade onde Masha e os pais vivem (Ilia é o administrador da quinta) e há outros criados — Yakov e Natasha. Quando a peça começa, Konstantin prepara a estreia de uma das suas peças, que terá Nina no papel principal e será apresentada nos terrenos da propriedade para o grupo reunido de amantes desencontrados e de amores não correspondidos.

Colin Hoult é extraordinariamente bom como Simon, o professor que adora Masha mas fala incessantemente da sua falta de dinheiro. Hoult é a perfeição cómica, trazendo à interpretação uma combinação exacta de minúcia, rudeza e ingenuidade. A sua falta de jeito social é deliciosa e é impossível não sentir simpatia por ele.

Como Masha, Lisa Deveney é magnífica: mordaz, inteligente, sempre em luto, defensiva e desesperada. O seu desejo por Konstantin é palpável, e ela descarrega as frustrações em Simon, com pouca gentileza, mas com óptimo efeito cómico. Deveney tem uma qualidade rouca fascinante na voz e sabe usá-la muito bem, seja para a raiva, seja para a frustração. Ela e Hoult formam uma combinação soberba.

Janie Dee está completamente à vontade como a actriz superestrela em declínio, e consegue tornar Irina insuportável e adorável ao mesmo tempo. A cena em que compara a sua atitude perante a vida com a de Masha é pura felicidade cómica, e Dee fá-la voar. Mais tarde, há uma cena quase insuportavelmente bela com o filho afastado, em que ela passa de mãe carinhosa e afagadora, a tratar de um ferimento, para diva aborrecida e irritada num bater de olhos. Dee é uma grande actriz e o seu trabalho aqui é requintado.

Porque Dee é tão forte e vibrante como Irina, o Konstantin pálido, etéreo mas brilhantemente luminoso de Matthew Tennyson funciona na perfeição em contraste. Ele é absolutamente filho da mãe, e Tennyson é hábil a mostrar isso. Mas é assombrado pela inadequação e pelo seu desejo por Nina, e Tennyson também o evidencia com clareza — e é engraçado, além disso. O seu trabalho na cena em que apresenta a sua peça é hilariante.

Ian Redford é magnífico como Peter Sorin; áspero, beligerante, obstinadamente triste, inundado pelo horror de uma vida por viver. Dá um esplendor dispéptico a cada movimento. O Dr. Dorn de Danny Webb é igualmente bom — um homem sábio e solitário com um passado secreto. Traz abertura de espírito às posições entrincheiradas sobre teatro e arte, sendo um verdadeiro aliado do atormentado Konstantin. Webb consegue uma afabilidade fácil e uma tristeza profunda ao mesmo tempo. As suas últimas palavras foram muito poderosas.

O único deslize sério está no papel fulcral de Boris Trigorin, o escritor consagrado que destrói o ânimo de Irina e Konstantin com o caso que tem com Nina. Alex Robertson parecia estar numa peça completamente diferente — talvez por decisão deliberada de encenação, já que Boris é o verdadeiro forasteiro da propriedade e do lago. Mas, mesmo assim, a contribuição de Boris para o conjunto é crucial — foi este o papel que Stanislavski interpretou e é muitas vezes considerado um dos maiores papéis masculinos que Chekhov escreveu. Mas não aqui. Não há qualquer sentido de poder e inteligência masculinos nesta interpretação, e é impossível perceber por que razão o papel é feito desta forma.

Tanto a Nina de Sabrina Bartlett como a Irina de Dee sofrem por causa do registo excêntrico de Robertson, Bartlett mais do que Dee. Nina fica definida pela adoração intoxicante por Boris e, sem uma âncora forte da parte dele, acaba por ficar um pouco à deriva. Ainda assim, Bartlett faz o melhor que pode, e as suas cenas com Tennyson são excelentes. A sua voz é um pouco demasiado estridente com demasiada frequência, mas tem uma presença doce e cativante. O desejo de Konstantin por ela nunca parece incompreensível.

O resto do elenco é muito competente, embora o Ilia de Fraser James acabe por se tornar um pouco repetitivo com o hábito de se rir das próprias piadas.

O cenário de Jon Bausor é notável. A sensação de propriedade e de lago é belissimamente transmitida e parece incrivelmente real, muito ajudada pelo ambiente de Regent's Park. Há jardins e árvores, e o relvado resulta bem tanto ao nível do chão como no reflexo do espelho gigante. Quando surgem as cenas de interior, a relva é retirada e aparece um esplêndido soalho em parquet, criando com nitidez o efeito de sensibilidades de classe média. Tirando o momento em que se transforma num farol de luz, o espelho é uma ideia inteligente. Os reflexos são importantes na peça e o espelho simboliza isso, ao mesmo tempo que permite perspectivas interessantes sobre a acção.

Há muito para admirar e com que ficar deslumbrado nesta produção esperta e inteligente. Mas Dunster fica um pouco demasiado esperto perto do final e a cena derradeira, em particular, é mal conduzida — demasiado melodramática para ser tão dolorosa e triste como deveria. Ainda assim, esta é uma versão de A Gaivota a saborear.

A GAIVOTA ESTÁ EM CENA ATÉ 11 DE JULHO DE 2015 NO REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE