ELEŞTİRİ: The Seagull (Martı), Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

Martı

Regent's Park Open Air Theatre

24 Haziran 2015

4 Yıldız

Bilet Al

Anton Çehov'un Martı oyunu 1895 yılındaki prömiyerinde beklediği ilgiyi görememiş, hatta başarısızlık olarak nitelendirilmişti. Ancak Stanislavski ve Nemiroviç-Dançenko'nun Moskova Sanat Tiyatrosu sezonunu oyunun yeni bir yorumuyla açması, eserin kaderini tamamen değiştirdi.

Oyunun 120. yıl dönümünü kutlamak amacıyla Regent's Park Open Air Theatre, Çehov'un ilk başarısı ve 'dört büyük' (Vanya Dayı, Üç Kız Kardeş ve Vişne Bahçesi ile birlikte) eserinden biri olan bu klasiği yeniden kaleme alması için Torben Betts'i görevlendirdi. Matthew Dunster'ın bu uyarlamayı sahneye koyduğu prodüksiyon şu an seyirciyle buluşuyor ve herkesin hemfikir olacağı bir nokta var: Kimse Martı'yı daha önce hiç böyle görmemişti.

Oyun kitapçığında, Rus Draması Fahri Profesörü Cynthia Marsh orijinal eser hakkında şunları söylüyor:

"Eser; yazarların, tiyatronun ve aktrislerin etrafındaki o yarı sosyete dünyasına, orada sıkça hissedilen kalp kırıklığına ve trajediye eleştirel ve sorgulayıcı bir bakış sunar. Her şeyden öte, tüm bu insanların ne yaptığına dair bir soru işareti yükselir: Sanat nedir? Tiyatro nedir? Ve tam olarak geliştirilmemiş ama çok daha büyük olan o örtülü soru: Hayat nedir?... Çehov'un tiyatro mekanizmalarına dair derin anlayışı, o dönemde hâlâ popüler olan melodramatik tarzı bir kenara itişi... tiyatronun benimsemeye başladığı gerçekçilik iddialarını çözmesine yol açtı. Oyun, genel olarak sanatın, özelde ise tiyatronun amaçları üzerine dönemin güncel tartışmalarıyla iç içedir."

Betts'in uyarlaması (belki de 'yeniden kurgulaması' demek daha doğru olur), Çehov'un orijinal izleyicisi üzerinde bıraktığı etkiyi yakalamaya çalışıyor. Dildeki güçlü modernlik, durumları ve karakterleri anında anlaşılır, bağ kurulabilir ve tanıdık kılıyor. Bu durum, Çehov'un kalemindeki o lirik havadan biraz ödün verilmesine neden olsa da, günün sonunda sağlanan netlik buna değiyor. Şüphesiz bazıları için metin fazla kaba veya hoyrat gelebilir; ancak Çehov'un asıl niyetini tutarlı ve somut bir şekilde damıtmayı başarıyor.

Ancak Dunster'ın yönetmenlik vizyonu, Betts'in ustalığını biraz gölgeliyor. Bu durum oyunun genelini öldürmüyor ama bazı tuhaf üslup seçimleri gerçekten şaşırtıcı: Her sahne, insanı sarsan ve huzursuz eden olağanüstü yüksek ve büyütülmüş bir sesle bölünmüş (bu ses kurulan bir tabancanın sesi olabilir ya da olmayabilir - bilen varsa lütfen söylesin); setin merkezinde yer alan açılı ayna, ikinci perdenin sonlarına doğru tuhaf ve parlak bir ışık fenerine dönüşerek oyunculuk ve sahneleme ile elde edilen gerçeklik duygusunu yerle bir ediyor; Çehov'un dünyasında varlığıyla önemli bir yer tutan göl ise somutlaştırılmış; birinci perdede uşaklar orada çıplak ve meydan okurcasına yüzüyor, ikinci perdede ise göl, Hamlet'e yapılan gereksiz ve ekleme bir atfa dönüşüyor.

Bundan daha önemlisi ve etkileyicisi ise Dunster'ın tarzları kendine has bir şekilde harmanlaması. Neyse ki genel yaklaşımı komedi üzerine; o bıktırıcı "Çehov sıkıcı ve ağırbaşlıdır" klişesinden haklı olarak kaçınıyor. Özellikle ilk perde son derece keyifli. Ancak ikinci perdede, belki de ana karakterler için önemli olan farklı tiyatro formlarına bir selam duruşu olarak, gerçekçilik yerini törensel bir hava, avangart ve melodram gibi kopuk tarzlara bırakıyor. Bu tuhaf kararlardan hiçbiri parçayı daha net veya daha iyi kılmıyor, aksine hem Betts'in hem de Çehov'un emeğinden çalıyor.

Yine de tüm yönetmenlik tercihleri boş değil. Karakterlerin iç dünyasını yansıtmak için kullanılan ses kayıtları şaşırtıcı derecede etkili. Tempodaki ve performanslardaki canlı enerji, karakterlerin duygu durumlarını ve niyetlerini takip etmeyi kolaylaştırıyor. Temel yaklaşım yalın bir kısalık üzerine kurulu; bu yüzden duraksamalar ve takılmalar yaşandığında, bunlar özellikle çarpıcı hale geliyor. Dunster, Çehov ve Betts'in anlatıya işlediği o karanlık alanlara ışık tutuyor: Birçok yönden bu, bu hikayenin yıllardır gördüğümüz en net anlatımı.

Karakterlerin bencilliği ve benmerkezciliği harika bir şekilde aktarılmış. Diyalogların çoğu başkalarının lafının üzerine binerek ilerliyor, bu da konuşmacının karşısındakine duyduğu ilgisizliği net bir şekilde gösteriyor. Uzun süreli ilişkilerin o dikenli samimiyeti ve pek çok karakterin yaşadığı o acı dolu karşılıksız aşk ustalıkla yansıtılmış. Ateşli bir çılgınlık, delişmen bir tutku, sessiz bir pişmanlık ve bastırılmış bir özlem – Dunster'ın rejisi, farklı karakterlerin deneyimlediği farklı acıları dikkatle işliyor.

Oyuncu seçimi büyük ölçüde mükemmel; bu da oyunun etkileyiciliğine, dolaysızlığına ve mizahına büyük katkı sağlıyor.

Simon, Simon'dan nefret eden ama Konstantin'e aşık olan Maşa'yı seviyor. Konstantin, Nina'ya tapıyor ve Maşa'yı fark etmiyor bile; Nina kısa bir süre Konstantin'e ilgi duysa da, Konstantin'in annesi Irina'nın sevgilisi olan yaşça büyük Boris'e gönlünü fena kaptırıyor. Doktor Dorn da Irina'yı seviyor, kendisi ise Ilia ile evli olan Paulina (Maşa'nın ebeveynleri) tarafından seviliyor. Peter, Maşa ve ailesinin yaşadığı malikanenin sahibi (Ilia çiftlik müdürü) ve orada başka çalışanlar da var: Yakov ve Nataşa. Oyun başladığında Konstantin, Nina'nın başrolde olduğu ve malikane bahçesinde bu karşılıksız aşıklar grubu için sergilenecek olan oyununun ilk gösterimine hazırlanıyor.

Colin Hoult, Maşa'ya tapan ama sürekli parasızlığından şikayet eden öğretmen Simon rolünde olağanüstü. Hoult, performansına kattığı titizlik, kaba sabalık ve saflık karışımıyla tam bir komedi dehası sergiliyor. Sosyal beceriksizliği o kadar yerinde ki ona acımamak imkansız.

Maşa rolünde Lisa Deveney harika: iğneleyici, zeki, bitmek bilmeyen bir yas içinde, savunmacı ve çaresiz. Konstantin'e duyduğu özlem elle tutulur cinsten ve hıncını Simon'dan, acımasızca ama iyi bir komik etkiyle çıkarıyor. Deveney'nin sesindeki büyüleyici buğulu ton, ister öfke ister hayal kırıklığı olsun, her duyguyu çok iyi geçirmesini sağlıyor. Hoult ile muazzam bir ikili olmuşlar.

Janie Dee, sönmeye yüz tutmuş süperstar aktris rolünde kendinden son derece emin; Irina'yı aynı anda hem dayanılmaz hem de sevecen kılmayı başarıyor. Hayata bakış açısını Maşa ile kıyasladığı sahne tam bir komedi şöleni ve Dee bu sahneyi resmen uçuruyor. Daha sonra, arasının bozuk olduğu oğluyla geçen, bir yara bandı sararken şefkatli bir anneden, bir saniye sonra sıkılmış ve sinirli bir primadonnaya dönüştüğü neredeyse dayanılmaz güzellikte bir sahnesi var. Dee çok yetenekli bir oyuncu ve buradaki performansı tek kelimeyle enfes.

Dee, Irina rolünde o kadar güçlü ve canlı ki, Matthew Tennyson'ın solgun, nahif ama harika bir zekaya sahip Konstantin'i onun karşısında mükemmel bir tezat oluşturuyor. Tennyson, karakterin tam bir "annesinin oğlu" olduğunu başarıyla gösteriyor. Ancak yetersizlik hissi ve Nina'ya olan tutkusu peşini bırakmıyor; Tennyson bunu da açıkça yansıtıyor, üstelik bazen çok da komik. Kendi oyununu sahnelediği sahnedeki performansı ise kahkaha attırıyor.

Ian Redford, yaşanamamış bir hayatın dehşetiyle dolup taşan, aksi, kavgacı ve kararlı bir hüzne sahip Peter Sorin rolünde muhteşem. Her hareketine huzursuz bir ihtişam katıyor. Danny Webb'in Doktor Dorn'u da bir o kadar iyi; gizli geçmişi olan bilge ve yalnız bir adam. Tiyatro ve sanat konusundaki katı kalıplara geniş bir vizyonla yaklaşıyor, bu da onu dertli Konstantin için gerçek bir müttefik yapıyor. Webb, aynı anda hem rahat bir cana yakınlığı hem de derin bir üzüntüyü hissettirmeyi başarıyor. Son sözleri çok güçlüydü.

Oyunun tek ciddi falso veren noktası, Nina ile yaşadığı ilişkiyle hem Irina hem de Konstantin'in ruhunu sarsan köklü yazar Boris Trigorin'in kilit rolünde yatıyor. Alex Robertson tamamen farklı bir oyundaymış gibi görünüyor; belki de bu, yönetmenin Boris'i malikaneye ve o göle tamamen yabancı biri olarak konumlandırma tercihiydi. Ancak durum ne olursa olsun, Boris'in esere katkısı kritiktir; bu rol vaktiyle Stanislavski'nin üstlendiği ve Çehov'un yazdığı en büyük erkek rollerinden biri kabul edilen bir roldür. Ama burada öyle değil. Karakterin tasvirinde erkeksi bir güç ya da zeka hissedilmiyor ve rolün neden bu şekilde yorumlandığını anlamak güç.

Robertson'ın bu eksantrik yorumu yüzünden hem Sabrina Bartlett'in Nina'sı hem de Dee'nin Irina'sı zarar görüyor; en çok da Bartlett. Nina, Boris'e olan sarhoş edici hayranlığıyla tanımlanır hale geliyor ve karşısında güçlü bir dayanak bulamayınca biraz boşlukta kalıyor. Yine de Bartlett elinden geleni yapıyor ve Tennyson ile olan sahneleri mükemmel. Sesi zaman zaman fazla tiz çıksa da, tatlı ve merak uyandıran bir duruşu var. Konstantin'in ona duyduğu arzuyu anlamak hiç de zor değil.

Kalan kadronun tamamı oldukça yetenekli, ancak Fraser James'in Ilia'sı, kendi esprilerine gülme olayını bir parça fazla uzatıyor.

Jon Bausor'un sahne tasarımı dikkat çekici. Malikane ve göl atmosferi harika yansıtılmış ve Regent's Park'ın doğal ortamı sayesinde inanılmaz gerçekçi görünüyor. Bahçeler ve ağaçlar yerli yerinde; çimler ise hem yerde hem de dev aynadaki yansımasıyla etkileyici bir görüntü sunuyor. İç mekan sahnelerine geçildiğinde çimler kaldırılıyor ve yerini orta sınıf hassasiyetini temiz bir şekilde yansıtan görkemli parkelere bırakıyor. Bir ışık fenerine dönüştüğü o an dışında, ayna zekice bir buluş olmuş. Oyunda yansımalar önemlidir ve ayna bunu simgelerken aynı zamanda aksiyona ilginç perspektifler kazandırıyor.

Bu zeki ve akıl dolu prodüksiyonda hayran kalınacak pek çok detay var. Ancak Dunster, oyunun sonuna doğru fazlasıyla 'yaratıcı' olmaya çalışıyor ve özellikle final sahnesi, olması gereken o acı ve hüzünlü atmosferden uzak, çok fazla melodramatik bir şekilde ele alınıyor. Yine de bu, tadına varılması gereken bir Martı yorumu.

MARTI, 11 TEMMUZ 2015 TARİHİNE KADAR REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE'DA SAHNELENMEYE DEVAM EDİYOR