RECENSIONE: Il gabbiano, Regent's Park Open Air Theatre ✭✭✭✭

Il gabbiano

Regent's Park Open Air Theatre

24 giugno 2015

4 stelle

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Era il 1895 quando Il gabbiano di Anton Čechov debuttò in modo poco felice. Alla prima fu considerato un insuccesso, ma le sue sorti cambiarono quando Stanislavskij e Nemirovič-Dančenko inaugurarono la stagione del Teatro d’Arte di Mosca con una ripresa del testo.

Per celebrare il 120° anniversario dell’opera, il Regent's Park Open Air Theatre ha commissionato a Torben Betts una nuova versione del primo vero successo di Čechov e di uno dei suoi “quattro grandi” (gli altri sono Zio Vanja, Tre sorelle e Il giardino dei ciliegi). La produzione di Matthew Dunster di questo adattamento è ora in scena, e su una cosa è probabile che tutti siano d’accordo: nessuno ha mai visto un Gabbiano proprio come questo.

Nel programma di sala, la professoressa emerita di teatro russo Cynthia Marsh dice dell’originale:

«È uno sguardo critico e interrogativo su quel demi-monde attorno a scrittori, teatro e attrici, alle sofferenze e alle tragedie che spesso vi si annidano. Soprattutto, solleva un grande punto interrogativo su ciò che stanno facendo: che cos’è l’arte? che cos’è il teatro? e, implicitamente ma senza svilupparla fino in fondo, una domanda ancora più grande: che cos’è la vita?... La sua comprensione intima dei meccanismi del teatro, il rifiuto dello stile melodrammatico ancora così popolare... lo portarono a smontare le pretese di realismo che il teatro aveva cominciato a professare. Il testo è immerso nel dibattito contemporaneo sugli obiettivi dell’arte in generale e del teatro in particolare.»

L’adattamento di Betts (forse sarebbe più corretto dire “re-immaginazione”) cerca senz’altro di evocare lo stesso effetto che Čechov deve aver avuto sul pubblico dell’epoca. Il linguaggio ha una modernità robusta che rende situazioni e personaggi immediatamente comprensibili, vicini, riconoscibili. Questo avviene a scapito del lirismo che Čechov aveva messo sulla pagina ma, alla fine, la chiarezza vale il prezzo. Per alcuni, senza dubbio, il testo risulterà troppo ruvido, troppo volgare; eppure distilla l’essenza dell’intento di Čechov in modo coerente e concreto.

La visione registica di Dunster, però, in parte offusca l’abilità di Betts. Non è affatto un problema fatale, ma alcune scelte di stile sono francamente bizzarre: ogni scena è scandita da un rumore fortissimo, amplificato (che potrebbe essere, o no, il suono ingrandito di un revolver che viene armato — se qualcuno lo sa, lo dica) che stona e destabilizza; la scenografia è dominata da uno specchio inclinato che, tardi nel secondo atto, si trasforma in uno strano faro di luce accecante, spezzando il senso di realismo ottenuto con messa in scena e recitazione; il lago, presenza centrale nella visione di Čechov, diventa tangibile e, nel primo atto, i servitori vi nuotano nudi e provocatori; nel secondo atto diventa poi un’ulteriore e non necessaria citazione interpolata di Amleto.

Più ancora — e con maggiori conseguenze — è l’idiosincratica fusione di stili di Dunster. Per fortuna, l’impianto generale è comico; e giustamente rifugge quella stanca idea secondo cui “Čechov è cupo e impegnato”. Il primo atto, in particolare, è piacevolissimo. Ma nel secondo, forse come cenno alle diverse forme di teatro care ai personaggi principali, il realismo lascia spazio a stili disparati: spettacolarità, avanguardia e melodramma. Queste scelte non chiariscono né migliorano nulla e, alla fine, sottraggono forza sia al lavoro di Betts sia a Čechov.

Detto questo, non tutte le decisioni registiche risultano vuote. L’uso di voice-over registrati per rappresentare i sentimenti interiori dei personaggi è sorprendentemente efficace. C’è un’energia frizzante nel ritmo e nelle interpretazioni che rende senso e umore dei personaggi facili da seguire. La cifra di fondo è una nitida brevità, così che quando arrivano le pause e le esitazioni risultano particolarmente incisive. Dunster illumina gli spazi bui che Čechov e Betts intrecciano nella narrazione: per molti versi, è il racconto più limpido di questa storia da parecchi anni.

L’egoismo e l’egocentrismo dei personaggi sono resi splendidamente. Gran parte dei dialoghi viene detta sopra le battute altrui, mostrando quanto chi parla si curi poco della persona — o delle persone — che sta sovrastando. La pungente familiarità di legami di lunga data è resa con intelligenza, così come l’amore non corrisposto, doloroso, di tanti personaggi. Frenesia ardente, passione folle, rimpianto silenzioso e desiderio trattenuto: la regia di Dunster incide con cura i diversi dolori vissuti dai diversi personaggi.

Per la maggior parte, il cast è eccellente e anche questo contribuisce all’efficacia e all’immediatezza dello spettacolo — e al suo umorismo.

Simon ama Maša, che odia Simon ma ama Konstantin. Konstantin adora Nina e non nota Maša; Nina ama per breve tempo Konstantin ma si invaghisce perdutamente del più anziano Boris, che è l’amante di Irina, la madre di Konstantin. Anche il dottor Dorn ama Irina ed è amato da Paulina, sposata con Il’ja (sono i genitori di Maša). Pëtr possiede la tenuta dove Maša e i suoi genitori vivono (Il’ja è il fattore) e ci sono altri servitori — Jakov e Nataša. Quando la commedia inizia, Konstantin si sta preparando al debutto di uno dei suoi lavori, con Nina protagonista, che verrà rappresentato nei terreni della tenuta davanti a quel gruppo riunito di amanti spaiati e non corrisposti.

Colin Hoult è straordinariamente bravo nel ruolo di Simon, l’insegnante che adora Maša ma che parla senza sosta della sua mancanza di soldi. Hoult è una perfezione comica, portando in scena un equilibrio preciso di pedanteria, rozzezza e ingenuità. La sua goffaggine sociale è deliziosa ed è impossibile non provare simpatia per lui.

Nei panni di Maša, Lisa Deveney è splendida: acida, intelligente, perennemente in lutto, sulla difensiva e disperata. Il suo desiderio per Konstantin è tangibile, e riversa le sue frustrazioni su Simon con crudeltà, ma con ottimo effetto comico. Deveney ha una qualità vocale affascinante, un timbro un po’ graffiato, che sa usare benissimo, sia per la rabbia sia per la frustrazione. Lei e Hoult formano un’accoppiata magnifica.

Janie Dee è totalmente a suo agio nel ruolo dell’attrice superstar in declino, e riesce a rendere Irina insopportabile e adorabile nello stesso istante. La scena in cui mette a confronto il suo atteggiamento verso la vita con quello di Maša è pura beatitudine comica, e Dee la fa volare. Più tardi c’è una scena quasi insopportabilmente bella con il figlio da cui è separata, in cui passa, in un battito di ciglia, da madre premurosa e affettuosa che fascia una ferita a prima donna annoiata e infastidita. Dee è un’attrice di razza e il suo lavoro qui è davvero squisito.

Proprio perché Dee è così forte e vibrante nei panni di Irina, il Konstantin di Matthew Tennyson — pallido, etereo ma splendidamente brillante — le fa da perfetto contraltare. È il figlio di sua madre, in modo assoluto, e Tennyson lo mostra con grande abilità. Ma è anche perseguitato dall’inadeguatezza e dal desiderio per Nina, e questo Tennyson lo rende chiarissimo — ed è anche molto divertente. Il suo lavoro nella scena in cui mette in scena la sua pièce è esilarante.

Ian Redford è magnifico come Pëtr Sorin: ruvido, bellicoso, ostinatamente triste, inondato dall’orrore di una vita non vissuta. Porta una splendida acidità in ogni movimento. Il dottor Dorn di Danny Webb è altrettanto valido: un uomo saggio, solitario, con un passato segreto. Offre un’apertura mentale alle posizioni irrigidite su teatro e arte, ed è quindi un vero alleato per il tormentato Konstantin. Webb riesce a tenere insieme, nello stesso tempo, un’affabilità naturale e una tristezza profonda. Le sue ultime parole sono state molto potenti.

L’unico vero passo falso sta nel ruolo cruciale di Boris Trigorin, lo scrittore affermato che, con la sua relazione con Nina, spezza gli entusiasmi sia di Irina sia di Konstantin. Alex Robertson sembrava essere in un’altra pièce — forse una scelta registica deliberata, dato che Boris è il vero outsider rispetto alla tenuta e al lago. Ma, anche così, il contributo di Boris è fondamentale: è il ruolo che interpretò Stanislavskij ed è spesso considerato uno dei più grandi ruoli maschili scritti da Čechov. Qui, però, non funziona. Non c’è alcun senso di potenza e intelligenza maschili nell’interpretazione, e risulta impossibile capire perché il personaggio venga giocato in questo modo.

Sia la Nina di Sabrina Bartlett sia l’Irina di Dee soffrono per la prova eccentrica di Robertson, Bartlett più di Dee. Nina finisce per essere definita dalla sua adorazione inebriante per Boris e, senza un solido punto d’appoggio da parte sua, rimane un po’ allo sbando. Ma Bartlett fa del suo meglio, e le sue scene con Tennyson sono eccellenti. La sua voce è un po’ troppo stridula con troppa frequenza, ma ha una presenza dolce e coinvolgente. Il desiderio di Konstantin per lei non risulta mai incomprensibile.

Il resto del cast è assolutamente all’altezza, anche se l’Il’ja di Fraser James, con il suo modo di ridere delle proprie battute, alla lunga stanca un po’.

La scenografia di Jon Bausor è notevole. Il senso della tenuta e del lago è reso splendidamente e appare incredibilmente reale, aiutato in modo decisivo dall’ambientazione di Regent’s Park. Ci sono giardini e alberi, e il prato funziona benissimo sia dal vivo sia nel riflesso del grande specchio. Quando arrivano le scene al chiuso, l’erba viene rimossa e compare un magnifico parquet, creando con pulizia l’effetto delle sensibilità borghesi. A parte il momento in cui diventa un faro di luce, lo specchio è un’idea scenica intelligente. I riflessi sono importanti nell’opera e lo specchio li simboleggia, permettendo al tempo stesso prospettive interessanti sull’azione.

C’è molto da ammirare e da cui lasciarsi abbagliare in questa produzione arguta e intelligente. Ma verso la fine Dunster diventa un po’ troppo “furbo” e la scena finale, in particolare, è gestita male: troppo melodrammatica per risultare dolorosa e triste come dovrebbe. Eppure, questo è un Gabbiano da assaporare.

IL GABBIANO È IN SCENA FINO ALL’11 LUGLIO 2015 AL REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE