RESEÑA: La gaviota, Teatro al Aire Libre de Regent's Park ✭✭✭✭

La gaviota

Regent's Park Open Air Theatre

24 de junio de 2015

4 estrellas

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Corría el año 1895 cuando La gaviota, de Antón Chéjov, tuvo un debut poco prometedor. Se la consideró un fracaso en su estreno, pero su suerte cambió por completo cuando Stanislavski y Nemiróvich-Dánchenko inauguraron la temporada del Teatro de Arte de Moscú con una reposición de la obra.

Para celebrar el 120.º aniversario de la pieza, el Regent's Park Open Air Theatre encargó a Torben Betts una nueva versión del primer gran éxito de Chéjov y una de sus «cuatro grandes» (las otras son Tío Vania, Tres hermanas y El jardín de los cerezos). La producción de Matthew Dunster de esa adaptación está ahora en cartel y es probable que haya algo en lo que todo el mundo coincida: nadie ha visto una Gaviota como esta.

En el programa, la profesora emérita de Drama Ruso Cynthia Marsh dice sobre el original:

«Es una mirada crítica e inquisitiva a ese demi-monde de escritores, el teatro y las actrices; al desgarro y la tragedia que a menudo se sienten ahí. Por encima de todo, se plantea un signo de interrogación sobre lo que todos están haciendo: ¿qué es el arte?, ¿qué es el teatro? y una pregunta implícita mucho mayor, aunque no del todo desarrollada: ¿qué es la vida?... Su comprensión íntima de los mecanismos del teatro, su rechazo del estilo melodramático aún tan popular... le llevó a desentrañar las pretensiones de realismo que el teatro había empezado a abrazar. La obra está inmersa en el debate contemporáneo sobre los fines del arte en general y del teatro en particular».

La adaptación de Betts (quizá sea más exacto hablar de reimaginación) intenta, sin duda, provocar el mismo efecto que debió de causar Chéjov en su público original. Hay una modernidad robusta en el lenguaje que hace que las situaciones y los personajes resulten de inmediato comprensibles, cercanos y reconocibles. Esto tiene un coste real para el lirismo que Chéjov escribió, pero, al final, la claridad de lo que se entiende compensa. Para algunos, sin duda, el texto será demasiado áspero, demasiado vulgar; pero destila la esencia de la intención de Chéjov de una forma coherente y tangible.

La visión de Dunster como director, sin embargo, enturbia en cierto modo la pericia de Betts. No es fatal, ni mucho menos, pero hay decisiones estilísticas extrañas que resultan desconcertantes: cada escena está salpicada por un sonido extremadamente fuerte y ampliado (que puede o no ser el clic amplificado de un revólver al montarse; si alguien lo sabe, por favor, que lo diga) que descoloca e inquieta; el espacio escénico está dominado por un espejo inclinado que, ya avanzado el segundo acto, se convierte en una especie de baliza de luz intensa, rompiendo la sensación de realismo lograda por la puesta en escena y la interpretación; el lago, tan presente en la visión de Chéjov, se vuelve tangible y, en el primer acto, los sirvientes nadan en él, desnudos y desafiantes, y en el segundo acto se convierte en una referencia añadida, además innecesaria, a Hamlet.

Más allá de eso, y con mayor peso, está la fusión idiosincrática de estilos de Dunster. Afortunadamente, su planteamiento general es cómico; y con buen criterio evita ese cansino enfoque de «Chéjov es plúmbeo y solemne». El primer acto, en particular, se disfruta muchísimo. Pero en el segundo, quizá como un guiño a las distintas formas teatrales que importan a los personajes centrales, el realismo cede paso a estilos dispares: pompa, vanguardia y melodrama. Estas decisiones peculiares no aclaran ni mejoran nada y, al final, restan tanto al trabajo de Betts como a Chéjov.

Aun así, no todas las decisiones de dirección suenan vacías. El uso de voces en off grabadas como representación de los sentimientos interiores de los personajes resulta sorprendentemente eficaz. Hay una energía vivaz en el ritmo y en las interpretaciones que hace que el sentido y el estado de ánimo de los personajes sean fáciles de entender y seguir. La concisión nítida es el enfoque fundamental, de modo que cuando llegan las pausas y los pasajes entrecortados, resultan especialmente impactantes. Dunster ilumina los espacios oscuros que Chéjov y Betts tejen en la narración: en muchos aspectos, es la forma más clara de contar esta historia en muchos años.

El egoísmo y el egocentrismo de los personajes se transmiten magníficamente. Gran parte del diálogo se dice pisando las réplicas de los demás, mostrando la falta de cuidado o de preocupación del que habla por la persona o las personas a las que interrumpe. La punzante familiaridad de las relaciones largas se expresa con ingenio, al igual que el doloroso amor no correspondido de tantos personajes. Frenesí ardiente, pasión desatada, arrepentimiento silencioso y anhelo contenido: la dirección de Dunster perfila con precisión los distintos dolores que experimenta cada personaje.

En su mayor parte, el reparto es excelente y esto también contribuye a la eficacia y la inmediatez de la pieza, y al humor.

Simón ama a Masha, que odia a Simón pero ama a Konstantin. Konstantin adora a Nina y no se fija en Masha; Nina quiere a Konstantin brevemente, pero cae rendida ante el mayor Boris, que es el amante de Irina, la madre de Konstantin. El doctor Dorn también ama a Irina y es amado por Paulina, que está casada con Ilia (son los padres de Masha). Piotr es el propietario de la finca donde viven Masha y sus padres (Ilia es el administrador de la granja) y hay otros sirvientes allí: Yakov y Natasha. Cuando comienza la obra, Konstantin está preparando el estreno de una de sus piezas, que protagonizará Nina, y que se representará en los terrenos de la finca para el grupo reunido de amantes desparejados y no correspondidos.

Colin Hoult está extraordinariamente bien como Simón, el maestro que adora a Masha pero que habla sin parar de su falta de dinero. Hoult es comicidad perfecta, aportando a su interpretación una combinación exacta de remilgos, rudeza y candidez. Su torpeza social es deliciosa y es imposible no sentir simpatía por él.

Como Masha, Lisa Deveney está estupenda: acerada, inteligente, perpetuamente de luto, a la defensiva y desesperada. Su anhelo por Konstantin es palpable, y descarga sus frustraciones sobre Simón, con crueldad, pero con un gran efecto cómico. Deveney tiene una cualidad ronca fascinante en la voz y sabe usarla muy bien, tanto para la rabia como para la frustración. Ella y Hoult forman una combinación magnífica.

Janie Dee está totalmente en su elemento como la superestrella en declive, y consigue que Irina sea insoportable y adorable a la vez. La escena en la que compara su actitud ante la vida con la de Masha es puro gozo cómico, y Dee la hace volar. Más tarde, hay una escena casi insoportablemente hermosa con su hijo distanciado, en la que pasa, en un abrir y cerrar de ojos, de madre cariñosa y tierna, vendando una herida, a diva aburrida e irritada. Dee es una actriz excelente y su trabajo aquí es verdaderamente exquisito.

Como Dee es tan potente y vibrante como Irina, el pálido, delicado pero espléndidamente luminoso Konstantin de Matthew Tennyson funciona a la perfección en contraste con ella. Es, sin duda, hijo de su madre, y Tennyson sabe mostrarlo. Pero también está atormentado por la sensación de insuficiencia y por su deseo de Nina, y Tennyson lo deja igualmente claro; además, es gracioso. Su trabajo en la escena en la que monta su obra es desternillante.

Ian Redford está magnífico como Piotr Sorin: áspero, beligerante, obstinadamente triste, empapado del horror de una vida no vivida. Aporta un esplendor dispéptico a cada movimiento. El doctor Dorn de Danny Webb es igual de bueno: un hombre sabio y solitario con un pasado secreto. Aporta una mentalidad abierta frente a las posiciones atrincheradas sobre el teatro y el arte, y se convierte en un verdadero aliado del atribulado Konstantin. Webb logra una afabilidad fácil y una tristeza profunda al mismo tiempo. Sus últimas palabras fueron muy poderosas.

El único tropiezo serio está en el papel clave de Boris Trigorin, el escritor consagrado que destroza el ánimo tanto de Irina como de Konstantin con su aventura con Nina. Alex Robertson parecía estar en otra obra por completo; quizá fuera una decisión deliberada de dirección, ya que Boris es el auténtico forastero en la finca y junto al lago. Pero, aun así, la aportación de Boris es crucial: fue el papel que interpretó Stanislavski y a menudo se considera uno de los grandes papeles masculinos que escribió Chéjov. Pero aquí no. No hay rastro de poder masculino ni de inteligencia en el retrato, y resulta imposible entender por qué se interpreta el papel de esa manera.

Tanto la Nina de Sabrina Bartlett como la Irina de Dee se resienten por el giro excéntrico de Robertson, más Bartlett que Dee. Nina queda definida por su embriagadora adoración por Boris y, sin un ancla sólida por su parte, se queda algo a la deriva. Pero Bartlett hace lo que puede, y sus escenas con Tennyson son excelentes. Su voz es un poco demasiado chillona con demasiada frecuencia, pero tiene una presencia dulce y atractiva. El deseo de Konstantin por ella nunca resulta incomprensible.

El resto del reparto es muy competente, aunque el Ilia de Fraser James acaba cansando un poco con el recurso de reírse de sus propios chistes.

La escenografía de Jon Bausor es notable. La sensación de la finca y del lago está bellamente conseguida y parece increíblemente real, ayudada en gran medida por el entorno de Regent's Park. Hay jardines y árboles, y el césped funciona tanto en el suelo como en el reflejo del enorme espejo. Cuando llegan las escenas de interior, se retira la hierba y aparece un espléndido parqué, creando con limpieza el efecto de las sensibilidades de la clase media. Aparte del momento en que se convierte en baliza de luz, el espejo es un hallazgo inteligente. Los reflejos son importantes en la obra y el espejo lo simboliza, a la vez que permite perspectivas interesantes sobre la acción.

Hay mucho que admirar y que deslumbra en esta producción ingeniosa e inteligente. Pero Dunster se pasa de listo hacia el final y la última escena, en particular, está mal resuelta: es demasiado melodramática como para resultar tan dolorosa y triste como debería. Aun así, esta es una Gaviota para saborearla.

LA GAVIOTA ESTARÁ EN CARTEL HASTA EL 11 DE JULIO DE 2015 EN EL REGENT'S PARK OPEN AIR THEATRE